国画作品观后感 (25页)

国画作品观后感国画作品观后感篇一：中国山水画观后感中国山水画观后感我无法统计出中国画画坛上有多少位画家。可以说，中国画画坛上从来没有过这么人丁兴旺，中国画艺术从来没有过这么姹紫嫣红。当然，多了的东西不免就有俗气的。仅管中国画的确在激烈变改，而变革中的庸俗尤其丰富多采，中国画坛上缺乏的仍然只是画才。而对于富有创造性作品的鉴赏，则是若干争执的关键所在在这之前，我自己也非常的喜欢的画画，喜欢用墨来临摹近代的，古代的山水画，每次自己感觉画的挺不错的，但仔细的看的时候，就会发现它缺少了点什么，这个问题一直困扰着我到现在，直到老师你在讲哪些作画的手法、技巧的时候我才明白过来，原来我少的就是那些描绘的方法，所以才会使得我的画感觉有点生硬，缺少生动，和形象。在我的理解里，中国画是紧紧抓住了传统艺术的精髓不放。他的山山水水都被笼罩在一种迷茫而混沌的整体之中，文气淋漓，神秘得很。具有音乐般抽象味道的世界。应当说，中国画山水的艺术已经离开(来自::国画作品观后感)了具体的自然形态的模拟，对传统绘画拥有的艺术有了更好的诠释。点、线、面实现的是一种抽象意义的表述。这些国画完全是形式感得没，完全是由点，线，面的搭配。象那山，那树的轮廓都是用线勾画出来的，线的长短，粗细都能表达意境和抒发自己的情感，表达出画家的心理和他的想法，让现在的我们看了来能感受到他的情怀。象那用丁头鼠尾描所描绘的人物衣服，就给人粗软相间的感觉，让人感到非常的真实，象那铁线描，使用它来画兵器，就能给人以锐利之气，用在一些器皿上，也更加生动形象，而用它来画人物就表现的太过呆板，还有那兰叶描，用它来画人物的头发，就能体现它的柔软，而画手和皮肤的时候，就能表现人物的一种富态等。我并不欣赏那种浮浅的自我。他们对艺术片面的澎涨与局部极端化的做法，并不是艺术真正的开拓，至少是不完美的艺术。我更不欣赏那种浮浅的仿效，取自然肌里形态而代替艺术构成，取逻辑断想的构成而代替心灵真实。我仍然信奉中国民族文化艺术体所实践着的那些美学范畴，仅管它们被人庸俗地滥用。东洋人把"绘事后素"当成画面背后留空白，但他们本身并不浮浅，他们始终把握着艺术的本质与整体。当全盘西化、模仿成灾的中国画坛已进入八十年代的时候，我认为正确"五?四"以后觉醒的民族文化精神，剃除以西代中的偏颇，是中国画发展的当务之急。是的，中国的山水画在把握着以上这种关系的基础上所给予我们的启示是深刻的。在他近期的许多作品中，我们能够完整地看到一个二十世纪青年画家民要表述的一切。我为我们国家的美术艺术而感到骄傲。多少年来，西方现代文化的冲击使东方古老的文化发生了深刻的变化。当中国这一禁锢的房屋被敲开了它展望世界的窗口；当人们窥见西方文化文明眩目的光辉；不勇敢的人们沿着先驱们所开辟的那荆棘的路走向世界时，人们惊讶地看到了自己的落后，他们开始求教于西方，如饥似渴地吞食着西方的文化营养……。但是，现代文明本身告诉我们，中国文化的发展，有赖于中国文化的自身飞跃。如同冲锋队般地扫荡自己的文化，只能导致皮扫荡的后果。现在，中国画坛风行断裂与代沟的喊叫，他们同破"四旧"一样，他们所破坏的正是中国文明本身，实际上他们也正在破坏着自己。而在这个问题上，我们大学生就应该有所作为。许多有为的画家不取民族虚无主义的态度，在中西文化频繁的交往中，在勇敢攀登和进取的艺术进程中，他无比珍视自己民族的那些最可贵的东西，我以为他的态度是高明的。采矿的为采矿而要砍伐森林，然而我们是种地的，我们需要种树。农民知道，矿山也许会给我们带来暂时繁荣，而被毁掉的却是我们的世世代代。那么，我想胡晓森又是取农民立场的，我深深地为他高兴，今天的学习让我了解了更多的作画技巧，也更了解了中国画的发展，让我为有这样的艺术而感到骄傲。11软件2班11120601陈示建篇二：国画观后感中国山水画观后感我无法统计出中国画画坛上有多少位画家。可以说，中国画画坛上从来没有过这么人丁兴旺，中国画艺术从来没有过这么姹紫嫣红。当然，多了的东西不免就有俗气的。仅管中国画的确在激烈变改，而变革中的庸俗尤其丰富多采，中国画坛上缺乏的仍然只是画才。而对于富有创造性作品的鉴赏，则是若干争执的关键所在在这之前，我自己也非常的喜欢的画画，喜欢用墨来临摹近代的，古代的山水画，每次自己感觉画的挺不错的，但仔细的看的时候，就会发现它缺少了点什么，这个问题一直困扰着我到现在，直到老师你在讲哪些作画的手法、技巧的时候我才明白过来，原来我少的就是那些描绘的方法，所以才会使得我的画感觉有点生硬，缺少生动，和形象。在我的理解里，中国画是紧紧抓住了传统艺术的精髓不放。他的山山水水都被笼罩在一种迷茫而混沌的整体之中，文气淋漓，神秘得很。具有音乐般抽象味道的世界。应当说，中国画山水的艺术已经离开了具体的自然形态的模拟，对传统绘画拥有的艺术有了更好的诠释。点、线、面实现的是一种抽象意义的表述。这些国画完全是形式感得没，完全是由点，线，面的搭配。象那山，那树的轮廓都是用线勾画出来的，线的长短，粗细都能表达意境和抒发自己的情感，表达出画家的心理和他的想法，让现在的我们看了来能感受到他的情怀。象那用丁头鼠尾描所描绘的人物衣服，就给人粗软相间的感觉，让人感到非常的真实，象那铁线描，使用它来画兵器，就能给人以锐利之气，用在一些器皿上，也更加生动形象，而用它来画人物就表现的太过呆板，还有那兰叶描，用它来画人物的头发，就能体现它的柔软，而画手和皮肤的时候，就能表现人物的一种富态等。我并不欣赏那种浮浅的自我。他们对艺术片面的澎涨与局部极端化的做法，并不是艺术真正的开拓，至少是不完美的艺术。我更不欣赏那种浮浅的仿效，取自然肌里形态而代替艺术构成，取逻辑断想的构成而代替心灵真实。我仍然信奉中国民族文化艺术体所实践着的那些美学范畴，仅管它们被人庸俗地滥用。东洋人把绘事后素当成画面背后留空白，但他们本身并不浮浅，他们始终把握着艺术的本质与整体。当全盘西化、模仿成灾的中国画坛已进入八十年代的时候，我认为正确总结五?四以后觉醒的民族文化精神，剃除以西代中的偏颇，是中国画发展的当务之急。是的，中国的山水画在把握着以上这种关系的基础上所给予我们的启示是深刻的。在他近期的许多作品中，我们能够完整地看到一个二十世纪青年画家民要表述的一切。我为我们国家的美术艺术而感到骄傲。多少年来，西方现代文化的冲击使东方古老的文化发生了深刻的变化。当中国这一禁锢的房屋被敲开了它展望世界的窗口；当人们窥见西方文化文明眩目的光辉；不勇敢的人们沿着先驱们所开辟的那荆棘的路走向世界时，人们惊讶地看到了自己的落后，他们开始求教于西方，如饥似渴地吞食着西方的文化营养??。但是，现代文明本身告诉我们，中国文化的发展，有赖于中国文化的自身飞跃。如同冲锋队般地扫荡自己的文化，只能导致皮扫荡的后果。现在，中国画坛风行断裂与代沟的喊叫，他们同破四旧一样，他们所破坏的正是中国文明本身，实际上他们也正在破坏着自己。而在这个问题上，我们大学生就应该有所作为。许多有为的画家不取民族虚无主义的态度，在中西文化频繁的交往中，在勇敢攀登和进取的艺术进程中，他无比珍视自己民族的那些最可贵的东西，我以为他的态度是高明的。采矿的为采矿而要砍伐森林，然而我们是种地的，我们需要种树。农民知道，矿山也许会给我们带来暂时繁荣，而被毁掉的却是我们的世世代代。那么，我想胡晓森又是取农民立场的，我深深地为他高兴，今天的学习让我了解了更多的作画技巧，也更了解了中国画的发展，让我为有这样的艺术而感到骄傲。11软件2班11120601陈示建篇二：国画有感国画有感轻化0801陈和英记得第一次开始画水墨画，是美术课时老师要求绘画的一幅花鸟图。简单的几笔浓墨画出树枝，再抽象的运用水和墨的比例调配出浓厚浅淡，最后只是几笔就勾勒出一只不太像又有点像的小鸟。那时，水墨画在我的心里就是神秘而有趣的，又可以说是神似形非似的绘画。简单的黑白灰，寥寥的数笔，就给人一个广阔的空间去想象，去描绘。真正的喜欢上国画是上的时候吧！应该是简单意义上的山水画泼墨画吧。这都得益于初中时候学的一首古诗《江雪》。“千山鸟飞绝，万径人踪灭。孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪。”只是粗糙缭乱的数笔，让我仿佛身临其境，更让我体会到了：垂钓者的旷达胸怀及寄情山水的闲适心情。让人觉得生活可以这样空灵高远，这样与世无争。只有浅淡的水墨才能描绘的画卷，是黑白灰的世界。那时知道了，水墨不仅仅可以给人美的想象空间，还能给人精神上的感染。上了老师的国画课后才知道，以前对于国画的理解是多么的浅薄。从颜色上来讲，它原来不仅仅只是黑白的世界，它也是五彩缤纷的。表达的也不仅仅是那时“独钓寒江雪”的旷达，也可以是欢快的、喜悦的、悲伤的、愤怒的??甚至于华丽的，朴素的??感觉到，这个五彩的世界都可以是用水墨表现出来的。深的就是：水墨画并不是简单的勾勒！它是那么注重细节。每个细小的部分都处理的很好，无论是用笔轻重，线条的粗细，还是水墨的浓淡。由这张《江雪图》就可看出，国画的用笔细腻之处。从近处水中倾斜的芦苇可以看出，似乎寒风凛冽。茫茫的江面上，之余一条乌篷船，船头，一个披着蓑衣戴着斗笠的老翁正在垂钓。它蜷缩的身子以及斗笠、蓑衣还有乌篷船上的点点积雪可以看出是个寒冷的雪国画的细腻与旷达均在此中清晰可见。让我们感受到了江雪独钓的孤寂以及寄情山水的旷达，是多元的感情载体。记得唐代诗人王维说过一句话:诗中有画,画中有诗.从柳宗元的《江雪》里我看到了一幅美丽的水墨画；而在上面的两张《江雪图》里，我读到了:茫茫天地，唯我独立的旷达诗情。古有“诗情画意”之说，我觉得，每一幅水墨画作品都是一首韵味久远的诗歌，需要我们细细体味——品出其形，味出其境！篇三：学国画有感胡祖荣第三次老年教育理研会交流材料学国画有感大足县老年大学大足县老年大学胡祖荣一、提高了绘画的技艺掌握一些绘画的基础知识是学好绘画的前题。我自幼爱画，特别是国画，只要见到一幅好画，总是爱不释手，然而苦于不会画。退休后听说老年大学开设有国画班，于是我就报名学习国画。通过几年学习，，在几位国画名师指导下，懂得了什么国画，怎样画国画的一些基础知识，掌握了绘画的一些技巧。国画的门类很多，形式风格多样，有人物、山水、花鸟之分；有工笔、写意、重彩、金碧之别，还包括书法、篆刻、壁画和民间绘画等。国画还讲究“神”、“能”、“妙”、“逸”四品。神者得其意，能者得其状，妙者得其趣，逸者得其气。例如，教我们山水画的高老师讲山水画的技法是勾、皴擦、点、染，他强调“石为山之骨，树为山之衣，水为山之脉，云为山之神”。还讲了石、山的画法，以及云水法、点景法、设色法等等知识。同时，通过刻苦练习，我的墨技法也有很大提高。2004年上期，我校参加中国《老年教育》杂志社举办的《老年教育》杂志创刊20周年的书法、国画、摄影展，我的一幅国画被收入《翰墨飘香》一书，今年上期，我的一幅国画参加第三届“巴渝杯”《西部魅力》全国书画摄影文学作品邀请大赛获得铜奖。二、增进了热爱大自然的感情艺术来源于生活，又高于生活，大自然是艺术创作取之不尽的源泉。以前在我眼里看到的山、看到的水、看到的花、鸟、草、虫也不过如此而已，平平的、淡淡的，没有什么感觉，更谈不上什么激情了，然而，现在可不同了，通过对山水、花鸟的描绘，特别是对山水的写生，使我对大自然的认识大大改观了。如2003年上期，老师带领我们去县城南山开展了题为“绘棠城美景，赞家乡石刻”的写生活动。老师先指导我们仔细观察周围景色，看到了这里的树木葱郁，群山环绕，高楼林立，风景秀丽幽静，是我们写生的好素材。然后，老师示范作画，他边讲边画，启发我们仔细观察山石的形象、走势、裂纹以及树木的结构、穿插，并提醒大家，仅用课堂学过的勾、皴、擦、染、点的传统技法是不够的，还必须结合实际创造新的技法。接着，大家开始写生作画，最后老师集中点评，大家反复修改，一幅幅家乡优美的景色跃然纸上。通过这次写生，不仅提高我们绘画的技巧，还培养了我们的观察力和欣赏力。现在，我每走到一个地方不是泛泛地看看山水，而是要细细地观察一番，对这里的山，这里的水，这里的花、草、树木总觉得越看越好看，越看越喜欢。那郁郁葱葱的林木、那阵阵的花香鸟语，那明净的蔚蓝天空，那壮丽的锦绣河山是那么诱人，这就是大自然，它无处不激发我们对大自然的热爱，对家乡的热爱，对祖国的热爱。三、促进了身心健康发展绘画不仅能强身健体，而且对人的心理还有着深刻的影响。在课堂上，我全神贯注听老师讲课，反复临摹，不断修改，由于对画产生了浓厚的兴趣，不仅上课时画，回家一有空也画，有时绘画连饭都忘了吃。由于迷上了绘画，在绘画时常常进入画的境界，如在画梅花、牡丹时，就像走进了鸟语花香、万紫千红的百花园中，仿佛在同鸟儿对歌，与花儿起舞；在写生画桃花时，就好像进了世外桃园。这时，一切烦恼、忧虑、病痛忘得一干二净。同时，在练习作画时，身体也得到锻炼。在执笔、运笔、运腕中身体力行，端庄的姿势，右手执笔左手摆平，端坐挺胸，两脚落实，身躯平衡，思想安静，精神集中，一呼一吸配合密切，发挥出气势功力，起到了气功养生的作用。的确，绘画能净化人的思想，增强人的体质，对身心健康大有稗益。四、培养了高尚的情操画国画首先要有一个良好的品质，否则，是很难画出什么好画来的。古人云：“画如其人”就是这个道理。每一幅国画都应有一个健康的主题。如画山水，就要表现祖国河山的壮丽；画牡丹，就要反映它雍容华贵国色天香的本质；画梅花，要表现它那品霜傲雪、铁骨铮铮的迎春精神；画竹，要表现它高风亮节虚心向上的品德；画兰，要显示它不显不露长远幽香的品质；画荷花，要突出它出淤泥而不染的境界；还有菊花的晚节香，松柏的长青，鹤的长寿等等，都应表现出它的高尚境界。画好一幅国画不仅是一种美的享受，而且能升华人的品德修养，培养人的高尚情操，这就叫细雨润无声。2005年5月10日篇四：画展观后感画展观后感篇一：画展>观后感共青城市“两会”隆重召开之际，在市委、市政府高度重视和市政协的大力支持下，市政协委员曹文军个人画展被安排在了“两会”主会场的入口处，格外引人注目。这也是共青城市第三位政协委员在“两会”期间成功举办个人书画展，既是共青城市高度重视文化艺术事业的具体表现，也可谓是为“两会”胜利召开而锦上添花之举。在曹文军个人举办画展期间，共青城市委、市政府领导及“两会”代表与员，利用休会时间观看了曹文军近年来潜心创作的66幅国画作品，其中包括写意山水、工笔花卉等种类。从这些作品中不难看出，曹文军的山水画创作，不仅严格遵循中国画的传统，留足了空白，真正做到了“以白计黑，虚实结合”，其作品更是若现“云在山中飘，水在石上流”之感；而且正如他自己所说，他爱艺术，也爱大自然。爱艺术也爱大自然的曹文军说，因儿女们都在共青城工作，在星子县中学从事了大半生教师职业的他，便和老伴搬到了共青城里定居，也正是定居共青城后他发现，共青城优美的生态环境让他和老伴安享>幸福晚年生活的同时，也再次激发了他书画创作的激情。于是，他又开始潜心研习中国画，加上长期对自然山水的情有独钟，因此他在山水画创作中投入了更多的精力。由于儿女们在共青城工作都不错，收入也不菲，加上他和老伴都有退休工资，没有任何生活压力的他在订阅《中国书画报》供自己刻苦研习的同时，还经常到全国各地“游山玩水”，走出去与书画界的名家们交流学习，并先后参观了深圳何香凝美术馆等各大美术馆和书画展，仅去云南省参加书画展就有10多次，尤其是在参观张大千画展时更是让他大开了眼界；在昆明市他还拜访过云岑书画院院长及其他画院多位着名山水画家，使他的山水画创作同样受益非浅。说到此次在市“两会”期间举办个人画展的初衷，曹文军说共青城市是一座知名高很高的绿色生态美城，近几年来经济社会发生了翻天覆地的变化，文化艺术事业发展也要同步才行，作为一个分享了共青城市经济社会发展成果的普通市民，同是又是一名市政协委员的他，觉得共促共青城市文化艺术事业发展是每一个文化艺术创作者义不容辞的责任。让曹文军没有想到的是，他在市“两会”期间举办个人画展之举，市委、市政府不但高度重视，而且市委宣传部和市政协更是给了大力支持，让他感动的同时对自己今后的创作更加有了信心。他表示，在今后的国画创作中不仅要传承中华民族的>传统文化，还会融入更多“大美共青”元素，用自己的画笔记录并展现共青城日新月异的大变化。篇二：画展观后感今天我们去参观了一个特殊的画展，这个画展的主题是“童心有爱，七彩梦想”。年少的我们，心中充满了稚嫩的梦想。我怀揣着这样的心情，走进了位于科技宫四楼的画展展厅。一进展厅，我便看见了琳琅满目的绘画作品：素描、水彩画、儿童画、沙画、国画，应有尽有，还有别具风格的手工制品。一件件美丽而精致的手工作品吸引了我的眼球，但更令我叹为观止的是一副夏日荷花图，是一幅国画。这幅画画得十分逼真：亭亭玉立的荷花优雅的站在池塘中央，淡粉色的花瓣将柠檬黄的花蕊轻柔的包住，十分美丽。左侧一朵荷花含苞待放，宛如羞涩的小姑娘。荷花下方，几片嫩绿的小荷叶刚刚长成，两侧的墨色的荷叶更衬托出小荷叶的生机勃勃。一只如画龙点睛般的蜻蜓停在盛放的荷花旁，仿佛被荷花淡雅的香气迷住了，久久不愿离开。池塘中，几条顽皮的小鱼在荷叶下嬉戏，十分生动可爱。看到这幅画，我便想起了南宋诗人杨万里的一句诗：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”我觉得，这幅画的作者想告诉我们的和杨万里一样：我们一定要做一个像荷花一样的人，出淤泥而不染，濯清涟而不妖。这次画展，我不仅体会到了大千世界的美丽，还知道了做人的道理。这次画展，我真是受益匪浅！篇三：画展观后感12月18日，我一天参观了两个画展。因为是本市非名流画家群作品展，也就是每年年终照例举行的文化政绩展示。所以我就不邀请朋友同行，只是自己一人随便走走看看。我先去南溪山看市美术馆的《首届桂林市十二县美术作品联展》，然后出来南溪山公园门口乘11路公交车到终点站，在七星公园门口的桂林市展览馆看《桂林女子书画研究会书画作品展》。观展的人不多，每一个展览场地，走一圈也不过半个钟头。《首届桂林市十二县美术作品联展》获得金奖的作品是一幅油画《古镇》，画面是古民居和石板巷道。画面的色调有旧居情调。但是，色彩的明度、纯度缺乏丰富区别，只是在笔触大小和明暗上下了功夫，所以整幅画面就感觉不到纵深和色彩透视的对比。作者用笔画出的石板路也没有用油画刀画的那种坚硬质感，缺少响亮强烈的虚实对比。当然，这只是技术层面的观感。至于画面氛围蕴涵的作者人文历史心态，那将是更高一个层面的内涵了。对此只能偶遇而不可期待，更不能迷信权威专家的应时高论。这一帖评论的意思就是：学摄影（其实学什么都一样）只能跟老师学技术技巧的基本功夫，一但到了艺术处理和创作的层面和领域，就绝不能再迷信老师（特别是自我感觉永远良好而又好为人师的所谓权威专家）的指手划脚。老师的指导和建言，只能作为自己终生学习的参考意见之一。一定始终要保持自己独立的感觉，才能走好属于自己的独特之路。这就像我们对待家中的父母一样，父母虽然是我们的至亲至爱，但我们要想获得比父母更成功地自立，那就既要深藏并尊重父母的爱，又要修正甚至背离父母教导的人生经验，才能获得比父辈更大的成功。如果人生永远停留在严父、慈母和恩师的襁褓中，那自己天赋独立的生命就会永无成熟之日。学艺、为文、做人，其成长、成熟、独立之道，又何尝不是如此呢？篇五：读国画大师张大千有感读《国画大师张大千》有感资中县陈家镇拥共六年级：周佳慧读了《国画大师张大千》之后，我的心里有很深的感受。张大千，四川内江人，是二十世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师，是一位深受爱戴的伟大艺术家，特别在艺术界更是深得敬仰和追捧。无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通，特别在山水画方面卓有成就。一生中取得了光辉巨大的艺术成就。他对于中国文化艺术的繁荣与发展，和提高中国文化艺术在世界上地位及影响，都堪称是功勋卓著，贡献至伟。张大千让我懂得：任何人要取得成功，不仅要有明确的目标，刻苦的努力，而且需要有科学的方法，这才能够事半功倍，早日达到预期的目的。绘画一道，亦是这样。张大千走过的艺术道路，也正证明了这个道理。张大千从他的师古人中，吸收了丰富的营养，继承了优秀的传统，张大千的这种“视艺术有若性命”，高度的敬业、乐业、爱业精神，他的一辈子刻苦学习与不懈的攀登精神，他的终生学而不厌、精益求精的奋进态度与作风，坚持不懈地努力，数十年如一日地刻苦用功，真值得我们学习。篇三：中国美院毕业作品观后感这个周末去了中国美术学院毕业创作展示周。不得不说，对这里的每一个作品的作者，我都表示衷心地敬佩并且祝愿他们以后的艺术生涯越走越远。虽然说我不是很懂艺术，但是在那么巨大的画面前还是会不由地心生敬意。进去后不久就看到了这幅画。这幅画画的应该是一个高原中几户人家，还有蜿蜒的山路和缭绕在山间的云雾。妙在哪里我也不能说的很明确，但是山路通往哪里没有画出来，而是被山挡住了，不禁让人浮想联翩，包括山顶广袤、看不到边的平原，还有稀少的住户，都让人对这幅画里的内容产生好奇，或者说是给我们留下了想象的空间。另外，用笔也十分巧妙，虽然用的是黑色的墨，但是画出来的颜色却很丰富，颜色变化，深浅把握都十分完美。接着是许多扇子上的书画，这里只选出三幅。这三幅都是古风，画在扇子上，就别有感觉。第一幅浓淡把握好，构成了远景近景之分，再在远处放一个亭子，这种感觉自然就出来了。第三幅则是树枝粗细有致，而且底部颜色较浓，越往上越淡，线条柔和，有一种淡雅恬静的感觉。这一系列的画作名字是《十月禾岛的下午》，作品由十几幅画构成。虽然整幅画变得像是不完整的碎片，但是刚好中间粗细变化的空间让人自己用想象填补，看见围墙上的花花草草瓶瓶罐罐，仿佛真的就置身于那种环境，一个安静的午后，坐在庭院里，靠着椅子，懒洋洋地晒着太阳看着天空，惬意地睡，享受着微风。这可能就是艺术的魅力，让我看到画就能感觉到其中想向我们传达的感情吧。这幅画的名字叫做《众生相》人生百态，亦喜亦悲，善恶美丑，是非黑白。这幅画首先给我带来的是阴暗负面的印象，红色作为画中的凸显部分，用于画各个角色的脸部，由此每个人的表情就格外地鲜明生，画中人物的眼睛和嘴巴最能体现其性格，而每个细节都被刻画得淋漓尽致，由此体现他们或狰狞或谄媚，或冷硬或淡然。这幅画的名字是《双城》画是由左右两幅组成的，就是一辆火车经过山洞前后城市景观的变化。我本以为这作品的寓意是讲地区发展的不平衡，一些城市尽管发达，但是多数城市仍然处于落后状态。没想到作者画这幅画就是为了传达两座城市不同的景物，由于气候地理环境造成人文差异而使得城市景色的不同，而景物又暗含着文化的不同。篇四：名画观后感姓名：肖溪学院（系）：艺术学院美术系学号：1862002204541历代名画记读后感唐代张彦远是中国绘画史上的一大理论家，《历代名画记》为其穷尽毕生精力的力作，现今画记中所载许多画作早已荡然无存，留下一堆名录及妙评供人遐想。张彦远字号爱宾，出生河东门阀望族，张家三氏为相，从高祖河东公张嘉贞、曾祖魏国公张延赏，再到镇守太原的祖父高平公张弘靖，世代显宦，传到张彦远已是第五世贵族。张氏的这一身世为其收藏与家学奠定了基础。作为将相家门及当朝尚书祠部员外郎的他开篇即论：“夫画者：成教化，助人伦”。于是教化子民、培养伦理的观点让人误以为立论之精神，于是颇费周折的思量其“成”在何处、“助”又在何处，然而张氏并无细述，只遥遥论及庖牺、轩辕、苍颉等人，概因华夏沿袭象形文字，字、画同源，所以牵强的带有“助”与“成”的功能。本文将从三个方面论述该书对于中国艺术以及中国艺术史的巨大价值。一,张彦远首次以系统的学术方式提出“书画同源”的观点。在卷一《叙画之源流》中，他写到：“古先圣王受命应，则有龟字效灵,龙图呈宝??造化不能藏其秘??是时也,书画同体而未分。”他认为，书的作用在于传达意思，而画的作用在于显现形状，都是天地圣人的意思，一开始并没有明显的区分。事实上，书画同体的观点，一直流传至今，纵观一千多年的中国艺术史，乃是一部是书法和绘画交织的艺术史，米芾、宋徽宗、赵孟頫、齐白石??他们不仅是大画家也是书法高手。而在艺评上，中国也有着书画评论双管齐下的传统：苏轼虽被誉为“书法史上的宋四家之一”，但对宋代文人画也有深刻的洞见；张怀瓘的《画论》和《书断》在画界和书界都享有极高的声誉。张彦远本人除了著有绘画史论著《历代名画记》以外，还著有书法专著《法书要录》。就中国古代绘画实践来看，绘画创作、评定等始终与书法互为参照，笔法被认为是艺术家一种造型结构观念的表现。张彦远在书中盛赞顾恺之，并形容其画是“意在笔先,画尽意在”。无独有偶，王羲之的老师卫夫人(272—349)在《笔阵图》中，讲到书法家的必须要做到“意前笔后者胜”。“画圣”吴道子之所以受推崇,并不是因其受佛教和域外影响而成就的善擅道释故事画的写实才能,而是因其书法用笔的非凡表现力。“曹衣出水，吴带当风”，一方面是形容二者画中人物的不同造型，另一方面，“出水”与“当风”的直观感受也是由笔法、笔力所决定的。在卷二《论顾陆张吴用笔》一文中，张彦远对书画同体的观点有了进一步的挖掘。他首先描述了书法从张芝到王羲之的发展，并认为陆探微的“一笔画”是借鉴了气势连绵的“一笔书”；而后，他又指出卫夫人《笔阵图》书法的“钩戟利剑森森然”与张僧繇“点曳斫拂”之间的呼应；最后，他又将当朝的“书颠”张旭和“画圣”吴道子相提并论。从中我们可以得知，张彦远是根据笔墨技巧来描述人物画的发展——将从顾恺之(四世纪)到张僧繇(六世纪)再到吴道子(八世纪)比之于书法演变——从钟繇在二世纪的古风书写，到四世纪卫夫人和王羲之的“法书”再到八世纪张旭的“狂草”。或者因果之链”。显然，张彦远对艺术史的理解，只关注到了风格的转变，而缺乏对普适的非历史性的艺术的关注。三张彦远在《历代名画记》中所蕴含的中国美学与哲学思想，体现了中西方文化源流与的不同。张彦远总结了后汉到晚唐绘画的三次大变革：即从“简澹”(四至五世纪)到“细密”(六世纪至七世纪初)再到“完备”(八世纪)。“上古之画，迹简意澹而雅正，顾陆之流是也；中古之画，细密精致而臻丽，展郑之流是也；近代之画，焕烂而求备??唯观吴道玄之迹，可谓六法俱全，万象必尽，神人假手，穷极造化也。”由于张彦远将“完备”与“尽其所有”相提并论，所以，他贬低今人之画(九世纪)是“错乱而无旨,众工之迹是也”。这里，我们看到以张彦远为代表的中国艺术史观，将绘画的发展视为一个不断退步和退化的历史。然而传统的西方美术史却将绘画发展视为一个不断进步、趋于完善的进步过程，是一个线性向上的历史。事实上，中西方的绘画史观之所以存在如此鸿沟，其根源在于背后迥异的文化传统。西方古典主义哲学以主客体的二元对立为基础。先哲柏拉图为人类创造了一个理念的世界，他认为现实中的世界是对理念世界的模仿，而艺术则是对现实世界的模仿，因此艺术是模仿的模仿。怀特海所说的“两千年来的西方哲学史都可以看作是对柏拉图的一连串注脚”大概是正确的。柏拉图之后的哲学家亚里士多德、笛卡尔、康德、黑格尔无不继承了这种二元论的传统。亚里士多德把戏剧等同于模仿而非动作的表现，便是在表现者与被表现者、艺术家本身与其投入工作后的忘我状态之间划下一条分隔线，任何概念下的模仿都隐含了这种差别。而中国人看来，表意文字与图绘表现的功能是“图载”，是用来表达含义的。这就又回到了文章第一部分，张彦远对古老传说的解释，文字和图像被认作是传播天命的媒介，而非视其为两种不同的艺术形式。因为图像的表意实践乃是出自于形象创作者的身体动作和心灵思维，所以，中国人认为书法与绘画同时具有再现和表现的功能。按照颜延之的说法,有三种符号：《易经》的卦象，其表示“图理”；其次是字学，表示“图识”；再就是绘画,是表示自然形象的“图形”。理解中国画的关键不是强调色彩与明暗,而是以书法性用笔(线条),呈现出作者的心迹。由是，既然是运用线条对心迹的表达，是再现与表现的结合，因此，绘画史就未必会随着人类认知水平、科学技术的发展而一同进步了。《历代名画记》树立了一个线性向下的正统的中国艺术史观，苏轼受此影响，对当时的艺术界做出了如下总结，他认为：一切可能的风格都已尽善尽美了，如要复兴艺术，必须返回到早期大师的古代语汇，方可有创新的表现。苏轼的论调与亚瑟?丹托对于“艺术史的终结”之论颇为类似，只是，丹托的认识要比苏轼晚了上千年。然而，即使中西方均推翻了艺术史沿着一条线“不断进步”的观念，受各自传统文化影响，彼此仍然选择了不同路数：在中国，宋代以后中国艺术一波一波书写“以复古为革新”的历史，在西方艺术中则开始了无休止实验求新。总结艺术史作为一门专门史，其研究自然脱离不开历史本身的框架，而艺术史家也无法忽视作为历史学家的基本要求。布洛赫在《历史学家的技艺》一书中指出，历史是一门饱含“诗意”的学科，它比其它学科更能激发人们的想象力，而历史学家所要做的就是努力恢复想象；另一方面，他又格外注重对史料的应用和考证，以经验主义的作风仔细观察特定的事实。这便是历史学家的技艺——“真正的历史综合或概括所依赖的，正是对事物质经验实在的敏锐感受力与自由的想象力天赋的结合。”《历代名画记》将一个通览古今视野，拥有着超高技艺的历史学家呈现给后人：一方面，他从大处着眼，卷一中的论述统领全书，对中国绘画的过去、当下有着完备的把握，并为未来艺术史趋势提供方向；另一方面，他小处着手，不仅将三百七十二位史皇至大唐会昌年间的画家留名史册，并悉心再现了两京外州的寺观画壁，保存并还原了历史。篇二：中国美术观后感中国美术观后感其中有几幅画深深地印在我的脑海中，我一直喜爱徐悲鸿画的马，当天得见《奔马》一幅，十分兴奋。我在画前久久驻足，细细观赏。那豪放的笔法，厚重稳健的造型，使这匹马栩栩如生，仿佛要跃出画来，跑到我面前一样。记得唐代大诗人李贺有《马诗》一首，云：“此马非凡马，房星本是星。向前敲瘦骨，犹自带铜声。”徐悲鸿的马正是这样，瘦骨嶙峋，但却是一身傲骨，不可羁勒，令人有一种敬畏之感。徐悲鸿常说：“人不可有傲气，但不能无傲骨。”我想这奔马正是他自己的写照。“独持偏见，一意孤行”的他，在艺术道路上，就是一匹不可羁勒的奔马。与此有异曲同工的作品就是马踏飞燕，其形象矫健俊美，别具风姿。马昂首嘶鸣，躯干壮实而四肢修长，腿蹄轻捷，三足腾空、飞驰向前，一足踏龙雀。一匹躯体庞大的马踏在一只正疾驰的龙雀背上，小龙雀吃惊地回过头来观望，表现了骏马凌空飞腾、奔跑疾速的雄姿。其大胆的构思，浪漫的手法，给人以惊心动魄之感，令人叫绝。艺术家巧妙地用闪电般的刹那将一只凌云飞驰、骁勇矫健的天马表现得淋漓尽致，体现出汉代奋发向上、豪迈进取的精神。该作品不仅构思巧妙，而且工艺十分精湛；不仅重在传神，而且造型写实二世纪城市生活的面貌。从《清明上河图》中可以看到几个非常鲜明的艺术特色：第一、内容丰富。大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐地组织成统一整体，在画中有仕、农、商、医、卜、缆夫等人物及驴、马，牛、骆驼等牲畜。画中大街小巷，店铺林立，酒店、茶馆、点心铺等百肆杂陈，还有城楼、河港、货船，官府宅第和茅棚村舍密集。如此丰富多彩的内容，为历代古画中所罕见。各色人物从事的各种活动，不惟衣着不同，神情气质也各异而且穿插安排着各种活动，其间充满着戏剧性的情节冲突，令观者看业，饶有无穷回味。第二、结构严谨，繁而不乱，长而不冗，段落分明，画中每个人物、景象、细节，都安排得合情合理，充分表现了画家对社会生活的深刻洞察力和高度的画面组织和控制能力。第三、在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。十分细致入微的生活观察，刻划每一位人物、道具。每个人各有身份，各有神态，各有情节。房屋、桥梁等建筑结构严谨，描绘一笔不苟。令人叹为观止。看完这张宏伟的画，我又看到了著名的四大石窟之一，也是世界上现存规模最宏大，保存最完好的佛教艺术宝库。的莫高窟，莫高窟俗称千佛洞，被誉为20世纪最有价值的文化发现、“东方卢浮宫”，坐落在河西走廊西端的敦煌，以精美的壁画和塑像闻名于世敦煌石窟艺术是集建筑、雕塑、绘画于一体的立体艺术，古代艺术家在继承中原汉民族和西域兄弟民族艺术优良传统的基础上，吸收、融化了外来的表现手法，发展成为具有敦煌地方特色的中国民族风俗的佛教艺术品，为研究中国古代政治、经济、文化、宗教、民族关系、中外友好往来等提供珍贵，是人类文化宝藏和精神财富。好作品太多了，每一幅都值得回味，上完这门课，使我有不少收获。王国维说：“能写真景物，真感情者，谓之有境界，否则谓之无境界。”“境界有大小，然不以是而分高下”。好作品来源于生活，生活中处处有美。罗丹说：“美是到处可寻的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来。每一幅佳作都是前辈艺术家努力耕耘的结果，他们勤奋刻苦的精神，值得我永远学习。在人生道路上，我会把前辈艺术家们的名字铭记在心里，永远激励着自己前进篇三：触不可及观后感“时而欢笑，时而泪下，人生何求。”这是一家法国媒体对这部电影的评价，同样的，这句话也很精确的形容了我看完这部电影后的第一感受。影片改编自真实故事，即法国人菲利普所写的自传小说《第二次呼吸》。整部影片的格局非常传统，是典型的法国“二人转”喜剧，两个来自不同阶层的人，由于性格脾性的截然不同，在一次机缘巧合中碰撞出火花，亦庄亦谐，从冲突走向理解，最后皆大欢喜。可这个看似简单的故事，却在为你展现生活点滴的小事中，让你的内心泛起波澜，感受到生活中的美好。一个是身体有残疾的贵族后裔菲利普，另一个则是来自底层的小混混德瑞斯，就是这样两个几乎没有任何共同之处的人，却在相处中建立了深厚忠诚的友谊，同时，两个人也不约而同的发掘出另一个自己。菲利普开始变得“幽默”，不在羞于面对自己对爱慕女性的情感；而德瑞斯，也用正直和真诚体现了自我价值，并且还成为了一名“艺术家”。两人相处的过程——抽烟，散步，刮胡，看起来是那样的平淡无奇，却让人犹如在天空中翱翔一般，给内心一种自由的感受，甚至生活中的不顺和忧虑，在这一刻都能暂时忘却。这样一个披着愉悦外衣的故事，有着足以拉近内心距离的能量。同时，整个故事的“非虚构”，则让人们乐于相信这些感动的存在，并让它留存于自己的内心。我们每天都在忙碌着，并且或多或少的抱怨着生活的不顺；菲利普刚开始因为身体的残疾，无法独立面对生活，不愿同外人接触，面对总“欺负”他的邻居和那些“只关心他是否还活着”的亲戚，他都选择无视，放着豪车“不敢”乘坐，无奈远离自己最爱的跳伞运动（他就是因为跳伞而残废的）；而德瑞斯，刚刚出狱，宁愿拿失业救济金也不愿工作，自己的养母因对他失望而将他赶出家。可以说，两人都有着失败的生活，但在相处的时光里，他们互相影响着对方，从而都再次成长，生活中的不顺固然无法消除，但只要换种生活态度，我们依然可以让自己发生改变，让生活变得快乐起来。法国人高雅，浪漫，却在电影中对那些“高雅”艺术进行了“不留情面”的讽刺。德瑞斯在大庭广众下说出那场歌剧是“一棵会唱歌的树”，还有将那些高雅音乐鉴赏为“猫和老鼠主题曲”、“咖啡广告曲”、“失业补助中心电话铃声—等候时间约为2年”等都让人捧腹大笑。而他给菲利普刮胡时对于“希特勒”“奥巴马”的玩笑，和他对于那副名画（有“污迹”的画布）的形容，则可以称得上全片里最高明的讽刺；当然，如同影片“温情而不煽情”一样，片中的“讽刺”也并非一味的否定以至于让人不快，在最后德瑞斯能够跟人大谈“艺术”，创作“画作”，也算是一种对于之前“讽刺”的平衡。更难能可贵的是，就是在这些“讽刺”的对话中，两个生动的人物形象显现在了观众面前。这部电影在法国上映时，连续十周获得票房冠军，同时两位男主角也分获法国恺撒奖和东京电影节的影帝殊荣，可以说，两位演员的精彩表现，是这部电影获得成功的不可或缺的因素之一。虽然电影没有在中国上映，但通过豆瓣和时光的评分我们也可以看出，好电影是没有国界的。喜剧有很多种，在我看来，装疯卖傻的无厘头喜剧，屎尿横流的重口味喜剧，“炮声”连绵的性喜剧，都比不上这种温馨的高雅喜剧——在谈笑风生间，带给你欢笑和感动，让你在无法触碰的距离之间，也能在心灵中感受到生活中的美好。篇四：一场震撼百年的演讲观后感一场震撼百年的演讲————观后感也许，我们都应忏悔；也许，我们都应沉思。为那些被我们残害的孩子，为那些被我们障碍的心灵。三字经有云：“人之初，性本善；性相近，习相远”。他们就像一颗种子，我们的播种，我们的养育，才会使他们成为未来的模样。他们的未来，取决于我们今天的教育。那么如何教育？怎样才能不阻碍我们孩子的发展。认知教育学告诉我们，教育要根据孩子们的认知过程，合理地进行，边需教学，懂了才教。孩子三岁以前，就如一块海绵，广泛的吸收知识。此时的学习能力是黄金时期。好的，也是耳濡目染，不好的，也是耳濡目染。孩子早期的教育对其以后的发展起着十分重要的作用。因此，在孩子的早期教育中，我们应用健康的养料使其茁壮成长，并抓住时机。机不可失，时不再来。有教就有，没教就没有。耳聪目明即为聪明。所谓耳聪，即在孩子早期的成长过程中，使其耳濡世界经典之作，例如：各国的古典音乐。这样，不仅能使孩子得到优秀文化的熏陶，而且还能刺激他们大脑的发展，使之大脑对各种不同的语言和文化作出相应的反应，也为日后的学习奠定良好的基础。从日常的生活中，北京的人说得一口标准的北方普通话，各个地方的人说得一口标准的地方方言，北京人不会说其他地方的方言，是因为早期的发展中，他们的大脑没有得到相关的刺激，所以我们不难看出，早期的培养对一个人的成长是何其重要。学习一种语言，他们的学习能力就是一倍，；学习两种语言，他们的学习能力就是两倍。尚未开发的大脑，播种越多收获也就越多，有教就有，没教就没有。而让他们听各国的古典音乐，更是明智之选，在接受不同语言的刺激的同时，还接受美的熏陶。也让孩子更能接受。所谓目明，即在孩子早期的成长过程中，使其目染世界经典之作，例如世界名画，各国的经典文化。其中的道理和耳聪一样。孩子的心理是纯洁的，接受力也比较强，因此此时背诵一些名家之作，这样就可以让优秀的文化，优秀的思想根植于我们的心理，给我们的一生带来巨大的利益。孩子是我们教育出来的，他们的明天，取决于我们今天的教育。有教就有，没教就没有。篇五：科学新体验观后感“科学新体验”观后感上学期我参加了市里组织的艺术总辅导员培训，完成了“科学新体验”的培训环节，通过这几次的培训和外出参观，我感觉收获很多。以前对于艺术教师而言，科学似乎离我们比较遥远，科学的严谨性与艺术的率真性伴虽然都是人们在面对世界时给出一种属于人的特殊表达，而这种表达在两者那里却是有区别的。但通过本的培训使我感受到艺术与科技是紧密相关的。我觉得科学与艺术之间一直存在着互动。关于科学与艺术，李政道教授在主编的大型画册《科学与艺术》中说“艺术和科学的共同基础是人类的创造力，它们追求的目标都是真理的普遍性。”“科学家追求的普遍性不同于自然现象的普遍性，是人类对自然现象的抽象和总结，适用于所有的自然现象。它的真理性植根于科学家以外的外部世界，科学家和整个人类只是这个外部世界的一个组成部分。艺术家追求的普遍真理性也是外在的，植根于整个人类，没有时间和空间的界限。尽管科学的普遍性和艺术的普遍性并不完全相同，但它们之间有着很强的关联。因此，科学和艺术的关系是同智慧和情感的二元性密切相联的。”在此次培训中我们参观了上海大学数学学院，讲座的内容给我留下了深刻的印象。其中老师就讲到了黄金分割，黄金分割是数学中的一项比例关系，但在艺术世界中那些我们耳熟能详的名作名画中却也处处存在着它的身影。讲座中老师还让我们动手制作了莫比乌斯带，这个在数学中的拓扑学有趣的规律我们也常常能在艺术作品甚至文学作品中看到。艺术美感在科学创造中往往能给人们意想不到的启迪。特别当你在科学创造过程中遇到困难，思路受阻，百思不得其解时，某些艺术美感的启示，能使你茅塞顿开，接通已经失掉和忽略的线索，沟通“已知”与“未知”的联系，促使你浮想连翩，触发灵感，使难题迎刃而解。那为什么艺术与科学这看似不相干的两大领域却能有着和谐共生的能力呢？吴冠中先生说：“科学揭示宇宙的奥秘，艺术揭示情感的奥秘”，基本上把科学和艺术的各自特性说得比较明白。因为艺术家和科学家之间有着不同的思维方式和表现方式，艺术家的“情感偏向，正是科学家所要克服的，也正是科学家所要学的，一个优秀的科学家，他是思维应该是一位艺术家的思维，感性和理性的结合，抽象和具象的综合考虑，生产和设计出来的产品可能就