夜半歌声1937版影评

夜半歌声1937版影评 【背景与内容】 1926年，美国拍摄了一部由罗伯特?约里安执导的惊悚片《歌剧院的幽灵》。原作作为一部好莱坞类型片，着重塑造阴森恐怖的气氛，虽然年代久远，造型与音乐在今天来看仍然堪称经典，甚至还被美国《时代周刊》评为电影史上25部最佳恐怖片之一。内容是讲一个被硫酸毁容、形同骷髅般的歌剧演员，躲进歌剧院的地下室，每晚都在剧院中游荡，故而被人们看作是幽灵。然而，他为了让自己的女儿能成为明星，干出了许多不同寻常的事情。扮演剧中男主角的影星隆?恰尼曾因怪异的演技而受到好评。这部影片后来在美国多次重拍上映。不仅在美国，而且在1937年抗日战争爆发前夕的中国，也经改编后将它搬上了银幕，成为中国恐怖电影中具有代性的杰作之一。这就是马徐维邦执导的《夜半歌声》。 虽然《夜半歌声》改编自美国电影，但故事情节与之相比有了很大的不同。当然，基本背景仍取材自美国原作——在一条街上，有一座歌剧院，那里夜夜都会出现一个有着骷髅般容貌的怪人。这个怪人的装束明显地是美国电影角色的打扮，而不像中国人，这一点虽然令人产生某种奇怪的感觉，但剧中人的悲惨遭遇，却完全是中国式的。 影片以辛亥革命后陷于内战苦难的中国为背景描写了这个怪人。在那个看上去已十分破败的歌剧院中，每天半夜都传出阵阵奇怪的歌声。唱歌者穿着一件神秘的黑斗篷，据说谁也没有见过他的脸。 一个巡回剧团租借剧院演出。一天夜里，剧团的一个年轻演员孙小鸥和那个怪人相遇，他询问怪人的姓名。原来怪人叫宋丹萍，曾经是一个热情宣传革命的人物，当运动受挫折后，他进入剧团当了一名演员。后来，他和当地一个地主的女儿李小霞相爱热恋。然而，已经向姑娘求婚的一个地主恶少汤俊，指使流氓在后台口等着他，向他的脸上泼硝镪水。毁容后，他悄悄住进了这座歌剧院，只在半夜里才露出骷髅般的面容，用美声唱出甜蜜的恋歌，歌声中充满了哀怨。另一方面，那位被迫与他分手的恋人发了疯，每天夜里在花园中等待他的归来。这种苦难悲情的浪漫主义，以及围绕着革命的主人公的活动，使这部根据《歌剧院的幽灵》改编的影片，增加了超越单纯恐怖电影的复杂情节。 怪人宋丹萍想让孙小鸥继承自己对艺术的追求，就把自己写的剧本交给了他。然而，当孙小鸥因剧本而出名并赢得剧团女演员爱慕的时候，宋丹萍从阁楼上看到了演出的成功，他一方面祝贺成功，同时也因嫉妒而心如刀绞。曾经指使流氓向他脸上泼硝镪水的恶少汤俊，这次又对孙小鸥的恋人起了邪念。在汤俊的挑衅中，女演员死去。而怪人宋丹萍最终实现了复仇的愿望，惩罚了不仅迫害自己，而且还迫害了孙小鸥他们的恶少。然而，由于他在大众面前暴露了自己可怕的面容，结果被大家当作怪物追赶，最后逃到了村外一座旧塔的顶上，从那里跳海自尽。 ——————————————————————————————————————— 【恐怖的理解】 影片虽然戴着恐怖电影的面具，但在它的深处，却相当认真地描绘了当时中国人民的苦难。从当时当地有权有势者的残暴行为中，我们可以看到中国近代初期的社会状况。为了推翻这种社会而发生的革命不断遭受挫折，而民众亦无法保护受挫折的革命者，对这一切现象的绝望，就凝聚在躲进破房子里的怪人那种奇异形象之中。然而，实际上他们并没有真正绝望，或者说还怀有恋恋不舍的一线希望，怪人顽强地留在那里，歌声成了向已疯恋人发出呼唤的咏叹调。仿佛与此相呼应，疯姑娘在花园中彷徨，成了向往歌剧和年轻恋人之梦，让我们真切地体会到怪人揪心裂肺的痛感。那种叹息也许只属于革命运动的脱离者，但它仍激起了观众真实的深切情感。 《夜半歌声》可以被称为一部地道的作者电影，阴郁、冷峻的基调秉承了马徐维邦导演的一贯风格。而且，在那样动乱的年代能够造成万人空巷的社会轰动，让观众要颤抖着欣赏、流着冷汗赞誉不绝，都归功于马徐维邦导演对于恐怖元素的巧妙运用，他渲染恐怖气氛的能力 在当时的电影界是无人能及的。 《夜半歌声》之于中国恐怖片的意义，不仅在于向西洋恐怖片、怪兽片学到了一种商业模式(还在于它捕捉到了某种关于人的、深沉而忧郁的气质，传承了中国传统的阴郁恐怖氛围营造和“恐怖美学特色”，用影像的方式呈现了独具中国世俗性和民间性悲剧精神和符合中国传统凄婉含蓄审美习惯的恐怖经典。 《夜半歌声》的成功不是意外，在它之后出现的各种版本都未能在恐怖效果上超过马徐导演。即使是最著名的是1995年由香港导演于仁泰执导，张国荣、吴倩莲主演的版本，虽然演员的表演精湛，技术也有所突破，但是侧重点放在了对两人情感的细腻表现上，逐渐脱离了恐怖片的躯壳。所以说，1937年的《夜半歌声》无论在当时还是现在，都是一个值得把玩和研究的经典。 影片《夜半歌声》作为当时少有的恐怖片在当时应该是备受争议的，但是之所以还能够得到一致的好评，也归功于它对于反封建主的深化。借古讽今，再加之《热血》、《黄河之恋》的歌词充满革命味道、斗志昂扬，使它走在了革命的大潮中，正好顺应了大趋势。而且，影片中充满了对于黑暗丑恶的人性进行了抨击和警醒，用恐怖片的手法深挖恶势力扭曲的内心和旧社会牺牲品的惨痛遭遇，这应该才是最恐怖的地方吧。 保留了原作的故事梗概，还加入了中国电影一贯的浓厚教化色彩和导演个人化的审美观念。虽然无论是在技术层面还是艺术层面，《夜半歌声》都显得粗糙和幼稚，在电影史上也没有原作的地位，但作为中国中国恐怖电影的成熟之作，它还是具有相当的关注度和研究价值。 影片叙述了某个雨夜一个剧团几经辗转来到一所神秘的剧院，话剧演员孙晓鸥在独自排练中受到神秘歌声的指导，进而发现了了剧院闹鬼的秘密——十年前，话剧演员宋丹萍和富家女李晓霞相恋却遭到女方父亲和恶霸的迫害，遭到镪水泼面后因为面容极其恐怖假装死亡，但是因为关心疯了的恋人，每当夜晚宋丹萍都会在剧院唱起悲愤的歌。孙晓鸥受到宋丹萍的委托安慰李晓霞，后来恶霸汤俊因为再此作恶被宋丹萍推下楼梯摔死，宋丹萍最终烧死在大火中。 其实单说故事本身，算不上非常恐怖，但马徐维邦运用视觉影像和音乐成功的营造了阴郁诡异的气氛。尤其是视觉造型元素的运用，显示出导演对这一题材的娴熟。剧中人物造型对比效果强烈， ——————————————————————————————————————— 【背景音乐】 《夜半歌声》与一般恐怖片的区别之处还体现在音乐的使用上。影片主要有三首歌《夜半歌声》、《热血》和《黄河之恋》，它们不但配合了影片不同的气氛，更是引领故事发展的主线。田汉作的词极富中国古典意境，冼星海做的曲忧郁绵长又充满抗争的激情，这些歌曲使影片在塑造恐怖气氛时，相当奇特的保持了一份中国古典的文人气质，使得电影即使被认为是恐怖片也依然具有美学价值，这也是这部电影不同于其他同时期神魔鬼怪的恐怖片之处吧。 冼星海为电影《夜半歌声》创作的“热血”“夜半歌声”“黄河之恋”三首插曲都曾传唱一时。由田汉所填的一段“人儿伴着孤灯，梆儿敲着三更”更是成为了当时小青年写情诗必引之句。旋律之悠扬、词句之琅琅上口可见一斑。可以说，配乐与插曲，是此次观影经历最大的收获。 除去画面感，《夜半歌声》的另一个重要元素就是音乐。由田汉作词、冼星海作曲的三首电影插曲《热血》《黄河之恋》和主题曲《夜半歌声》也随着电影的热映风靡一时。音乐和音效在电影中起到了迎合剧情、烘托氛围的作用，尤其是几段争斗的场景中，配合着相应的音乐，不禁是观众的心随之一紧。 激进的批评者往往认为马徐维邦在国家危亡之时脱离于社会现实之外，创作的《夜半歌声》就是其淡漠态度的代表，因此电影与导演本人引起了很大争议。其实在影片的观看过程 中，我们会发现潜隐在恐怖外壳中的，是一段痛楚的关于年代的记忆:恶霸实力隐喻着当时的侵略者，而小霞的父亲则被置于国内封建势力的位置上，真挚的爱情和宋丹萍的面孔被联合摧毁，似乎预示着国内悲惨的境况，最后玉石俱焚的结局成为了创作者压抑情感的发泄，也是对新的秩序的期望。 由于时代条件所限，严格说来1937年拍摄的《夜半歌声》在今天看来简‎‎直颇具喜剧色彩:演员还没有走出舞台戏剧的表演方式，说起台词来字正腔圆十分滑稽，动作僵硬死板，尤其是女主角不是呆滞就是激动过了头，让人无限缅怀同时代阮玲玉的精湛演技:个别演员造型如老仆夸张到了离谱的地步，难逃制造噱头之嫌;拍摄技术和设备的缺陷，使当年动听的歌曲现在听来变了调，画面也过分偏暗，再加上电影的缓慢节奏，视觉与听觉享受成了奢谈…不过考虑到年代因素，这些缺陷就不必苛责了。 自从马徐维邦创作了这部《夜半歌声》，至今重拍此题材的电视电影已有4部，除了于仁泰还有杨延晋1985年的电影版本和黄磊的2005年电视剧版本，美国的《歌剧魅影》也前前后后拍摄了五版。这个最初的恐怖片在不断的翻新中成为了爱情片，娱乐性也不断增强。不说电影，仅仅是这么一个故事被搬上这么多次大银幕，本身也算得上一段传奇。 《夜半歌声》是由马徐维邦根据西方剧作《歌剧魅影》改编并导演的‎‎反封建电影，虽然不是中国电影史上第一部恐怖片，但是几乎可以成为中国式恐怖片成熟发展的滥觞。 ——————————————————————————————————————— 【演员形象与布景】 有恐怖如开场一袭白衣面无表情的李晓霞，忠心老仆极度夸张到翘起的尖下巴，更不用说舞台上光鲜亮丽的沈丹萍。在青年演员孙小鸥与李晓霞林中相见的一场戏中，光影的运用相当有中国特色——雾气迷蒙的森林中移来白裙女子，打在她身上的光若隐若现，老树暗色的轮廓映在微微波动的湖面上，虽然恐怖却又饱含诗意的感伤情怀，暗合了中国的传统美学。 美工出身的马徐维邦被誉为“东方郎却乃”(郎却乃是好莱坞著名演员，以擅长化妆各种形象而著称，有“千面人”之誉”)， 非常善于运用造型和布景演员的化妆和服装都是导演亲自设计指导的，甚至连宋丹萍毁容后恐怖的妆容都是由马徐导演亲自用蜡油一点一滴塑造的。因此，片中的几个经典人物造型:面目恐怖神出鬼没的宋丹萍、驼背瞎眼的守门人、披头散发的霞妹、苍老的老嬷嬷……成为了吸引观众的一大亮点。丹萍的黑色长袍、霞妹的一袭白衣堪比神怪故事中“黑白无常”的造型，对比强烈，两个封建社会的牺牲品形成了一双极具悲情意味的象征造型。同时，剧院的设计和内部构造也能看出导演的良苦用心，在新剧团初来乍到的一场戏中充分表现出布景带来的恐怖效果:在幽暗的灯光中，守门人缓缓打开门，引领他们一步步前进，主观视角慢慢推进，镜头摇摇晃晃，狭窄的长廊好像怎么也走不完，拐角处似乎随时会出现些什么，破败的楼阁、随处可见的蜘蛛网、遍地的老鼠、房梁上悬挂的面具和帷幔，无一不让人感觉毛骨悚然。与之相比之后几版的《夜半歌声》虽然在技术上有所提高，演员造型更逼真了、剧院也变得华丽颓美，但是在对于影片的帮助上远不及从前。 马徐维邦导演有一双“慢手”:这一方面是说马徐导演拍电影时要求严格、锱铢必较、从不挑拍、经常重拍，导致电影的进度总是很慢;另一方面则是赞誉他对于作品严谨精细的态度，每一个镜头都慢慢琢磨，绝不糊弄。为了等一片云，马徐导演可以带着全局组等18天，为了斟酌布景设计，片场的一草一木几乎都被马徐导演抚摸了一遍。正是基于这样的态度，《夜半歌声》中的每一个镜头都充满意味，也许粗糙、也许有些在现在的拍摄技术中略显生硬，但是在三十年代中国稀缺的恐怖片中，它们足以使影迷瞠目结舌。单是电影开头简简单单的几个镜头就已经将萧瑟、凄厉的气氛营造了出来:惨白的月光被乌云遮盖，古老的剧院看上去荒凉冷清，镜头慢推拉近剧院大门，一个破烂的招标启示看上去十分扎眼，仅仅十几秒种，一个骇人的又充满神秘色彩的故事环境就展示给观众了。影片中还大量的运用空镜头，表现月、枯藤、浮萍、波涛、乌云、雨夜，在表现歌曲意境和人物心境上起到很大作用。与 此同时，马徐导演还十分擅用光线和阴影。在表现宋丹萍的人物形象时，第一次出现就是以影子的形式，一方面制造悬念、留足神秘感，另一方面就是表现恐怖气氛，而且他之后的多次出现也多是一半在亮光中、一半在阴影里，这也暗示着他躲藏隐蔽的身世和内心。 仅仅是听了冰山一角。古早的旋律，随着时代的推移早盖上了厚厚的灰，鲜有人知。 电影开场，在钢琴伴奏下，云开月现，一盏孤灯从门缝隙中缓缓伸出，引出一位貌丑陋的老者。而后，风声大振，黑影攀上高墙。歌声渐起“人儿伴着孤灯，梆儿敲着三更，风凄凄 ，雨淋淋，花乱落，叶飘零。”在配乐与画面的共同作用下荒凉、阴森的气场渐渐铺展开来。韵律美与造型美的结合创造出的效果。放到今天来看依然震撼。