俄罗斯历史知识（俄文）

俄罗斯历史知识（俄文） В разделе "Материалы к аттестации" есть информация о требованиях к зачету. Вы можете посмотреть , вопросы, т.е. темы, которые вам надо будет осветить на зачете , условия, которые необходимо выполнить для успешной сдачи зачета , регламент самого зачета Итогового теста пока нет. Он будет в первых числах января. Внимание: 31.12.2014 будут закрыты все текущие тесты для того, чтобы подвести итоги. Поэтому те, кто до сих пор их не выполнил, поспешите. Что касатся романсов, то вы можете подготовить коллективное выступление. Не волнуйтесь. Мне важно ваше понимание материала, желание понять и старание. Информация о зачете Дорогие друзья! Чтобы успешно сдать зачет вам необходимо 1. Посетить не менее 5 музеев из предложенного в разделе ?Музеи…? списка. 参观至少5个博物馆 2. Посмотреть не менее 3 кинофильмов в разделе ?Игровое кино?.看3电影 3. Выполнить все тестовые задания.完成网上作业 4. Выполнить итоговое тестовое задание (оно будет размещено на сайте, в разделе ?Материалы к аттестации?)完成新出的网上作业 5. Выучить 2 стихотворения или спеть 2 романса (по вашему выбору, необязательно из тех, которые представлены на сайте, но обязательно относящиеся к изучаемой нами эпохе)背两首诗，白银时代的 6. Сформулировать свои вопросы к преподавателю по пройденному материалу 根据学过的资料，达出自己的问,,, 7. Написать небольшое эссе о своих впечатлениях о том, что вы узнали из курса, о курсе (критические замечания по существу приветствуются).写一个随笔， 关于自己从课堂中获得的知识的印象。。关于这门课程的实质,批判,评论, Во время зачета вам надо будет a) осветить темы, предложенные в билете;抽签答题 b) принять участие в беседе с преподавателем по темам предложенным в разделе ?Дискуссионный клуб?.参与讨论 c) ответить на вопросы преподавателя, касающиеся музеев и фильмов (сюжет, идея, интересный эпизод, ключевые эпизоды)回答关于博物馆和电影的—情节，思想， 有趣的片段，关键的片段 Вопросы к зачету В билете будет 2 вопроса: первый вопрос – обобщающего概括的, теоретического理论的 характера性质特 (вам необходимо в общих чертах在总的特点中 охарактеризовать描征，典型人物 то или иное явление现象，事件); 述说明 второй вопрос касается творчество конкретных具体的 художников (вам надо будет отметить指出 характерные具有代表性的，特有的 творческие особенности 创作特点художника, назвать его основные произведения说出主要作 , обозначить этапы его творческой эволюции. 指出阶段时期创作的发展品 Первые вопросы 1. Расскажите об эпохе ?Серебряного века? как феномене现象 переломного 转折времени 答:Серебряный век - феномен переломного времени русской культуры XX в. – переломное время не только в политической, социально-экономической жизни России, но и в духовном состоянии общества. Индустриальная эпоха диктовала свои условия и нормы жизни, разрушающие традиционные представления людей. Интенсивное развитие производства приводило к нарушению гармонии между природой и человеком, к сглаживанию человеческой индивидуальности, к торжеству стандартизации всех сторон жизни. Это порождало растерянность, тревожное чувство надвигающейся катастрофы. Все выстраданные предшествующими поколениями представления о добре и зле, истине и лжи, прекрасном и безобразном казались теперь несостоятельным и требовали срочного и кардинального пересмотра. Процессы переосмысления принципиальных проблем человечества затронули, в той или иной степени, и философию, и науку, и литературу, и искусство. И хотя подобное положение было характерно не только для нашей страны, в России духовные искания проходили более болезненно, более пронзительно, нежели в странах западной цивилизации. Расцвет культуры в этот период был беспрецедентным. Он охватил все виды творческой деятельности, породил выдающиеся художественные произведения и научные открытия, новые направления творческого поиска, открыл плеяду блестящих им?н, ставших гордостью не только русской, но и мировой культуры, науки и техники. Этот социокультурный феномен вошел в историю под названием Серебряного века русской культуры. К этому времени многие народы, населявшие Российскую империю, получили свой алфавит, у них появилась своя литература, своя национальная интеллигенция. Многие исследователи связывают авторство названия ―Серебряный век‖ как смысловой формулировки эпохи с именем философа Н. Бердяева. Серебряный век – не просто набор русских поэтических имен, но явление русской культуры, основанное на глубинном единстве всех ее творцов. Оно представлено во всех областях культурной жизни России, эпоха, отмеченная необычайным творческим подъемом не только в поэзии, но и в живописи, музыке, театральном искусстве, в гуманитарных и естественных науках. В этот же период бурно развивается русская философская мысль: достаточно назвать В. Соловьева, П. Флоренского, Н. Бердяева, Г. Федотова, И. Ильина, С. Булгакова, Е. и С. Трубецких. К этому списку можно добавить имена ученых, чьи достижения дали заметный толчок к дальнейшему развитию науки – А. Попов, И. Павлов, С. Вавилов. Настроение всеобщего культурного подъема нашло глубокое, проникновенное отражение в творчестве композиторов – С. Рахманинова, А. Скрябина, И. Стравинского. Принципиально изменились способы воспроизведения действительности в произведениях художников. М. Врубель, М. Нестеров, В. Борисов-Мусатов, К. Перов-Водкин создали новый художественный язык. В изобразительном искусстве возникали целые художественные школы, направления, и среди них – ―Мир искусства‖ во главе с А. Бенуа. На сцене играли В. Комисаржевская, Вас. Качалов, Ф. Шаляпин, А. Павлова; К. Станиславский создал современный репертуарный театр, позже блистал Вс. Мейерхольд. С. Дягилев, организатор знаменитых ―русских сезонов‖ в Париже, чей высочайший талант импресарио утвердил достижения человеческой культуры в Европе, открыл для мира русский балет. Философ Н. Бердяев, пытаясь охарактеризовать это культурное явление, писал: ―Это была эпоха пробуждения в России самостоятельной философской мысли, расцвета поэзии и обострения эстетической чувственности, религиозного беспокойства и искания, интереса к мистике и оккультизму… Но все это происходило в довольно замкнутом круге, оторванном от широкого социального движения. Изначально в этот русский ренессанс вошли элементы упадочности… Культурный ренессанс явился у нас в предреволюционную эпоху и сопровождался острым чувством приближающейся гибели старой России. Были возбуждение и напряженность, но не было настоящей радости… Культурно-духовное движение того времени было своеобразным русским романтизмом, оно менее всего было классическим по своему духу‖. Поэзия как наиболее тонкий и чувствительный элемент культуры улавливала эти тревожные противоречия кризисной эпохи, предощущение близкой катастрофы. В поэзии, как, впрочем, и в других областях культуры начала ХХ века, получило распространение декадентство. Так принято называть явление в культуре , характеризующееся оппозицией к общепринятой ―мещанской‖ морали, культом красоты как самодовлеющей ценности, сопровождавшимся нередко эстетизацией греха и порока. В области сознания декадентство – это чувство тревоги, страха перед жизнью, неверие в возможность человека познать мир, изменить его и самому измениться. Декаденство сформировало модернизм как художественный стиль. Основной чертой модернизма в различных течениях искусства является метафорическое построение образа по принципу разветвленной ассоциативности, свободного соответствия выразительности формы характеру запечатлеваемых настроений. По отношению к поэзии модернизм воплотился в самостоятельных художественных направлениях и течениях, характеризующихся ощущением дисгармонии мира, разрывом с традициями реализма, бунтарско-эпатирующим восприятием, преобладанием мотива утраты связи с реальностью, одиночества и иллюзорной свободы художника, замкнутого в пространстве своих фантазий, воспоминаний и субъективных ассоциаций. Известный литературовед М. Л. Гаспаров замечает, что ―модернизм … не исчерпывает русскую поэзию начала ХХ века. Стихи модернистов количественно составляли ничтожно малую часть, экзотический уголок тогдашней нашей словесности. Массовая печать наполнялась массовой поэзией, целиком производившейся по гражданским образцам 1870-х годов и лирическим образцам 1880-х годов…‖. Тем не менее, когда речь заходит о явлении, именуемом ―Поэзия Серебряного века‖, то имеется в виду в первую очередь поэзия русского модернизма, состоящая главным образом из трех крупнейших поэтических направлений – символизма, акмеизма и футуризма. Несмотря на значительные внешние и внутренние противоречия, каждое из них дало миру немало интересных имен и превосходных стихотворений, которые навсегда останутся в сокровищнице русской поэзии и найдут своих почитателей среди последующих поколений. 2. Объясните, что такое декадентство颓废主义 答В области сознания декадентство – это чувство тревоги, страха перед жизнью, неверие в возможность человека познать мир, изменить его и самому измениться. Декаденство сформировало модернизм как художественный стиль. Основной чертой модернизма в различных течениях искусства является метафорическое построение образа по принципу разветвленной ассоциативности, свободного соответствия выразительности формы характеру запечатлеваемых настроений. По отношению к поэзии модернизм воплотился в самостоятельных художественных направлениях и течениях, характеризующихся ощущением дисгармонии мира, разрывом с традициями реализма, бунтарско-эпатирующим восприятием, преобладанием мотива утраты связи с реальностью, одиночества и иллюзорной свободы художника, замкнутого в пространстве своих фантазий, воспоминаний и субъективных ассоциаций. 3. Расскажите о хронологических рамках时间范围 ?Серебряного века? 1.2 Хронологические границы Серебряного века Вопрос о хронологических границах Серебряного века является довольно спорным. Его началом принято считать 1890-е годы, когда стали пробиваться на свет первые ростки символизма. Точкой отсчета считают публикацию в 1893 году программной статьи Д. Мережковского ―О причинах упадка и новых течениях современной русской литературы‖. Своего апогея поэзия символистов достигла в годы первой русской революции (1905–1907), когда к вступившим в пору наивысшей поэтической зрелости основателям направления К. Бальмонту, Д. Мережковскому, З. Гиппиус, Ф. Сологубу (старшим символистам) добавляются имена А. Блока, А. Белого, Вяч. Иванова (младших символистов). К концу первого десятилетия XX века символизм как школа утрачивает ведущую роль. Возникают новые литературные течения: позиции символистов активно оспаривают их фактические наследники – акмеисты и прямые оппоненты – футуристы. В эти годы на поэтическом небосклоне загораются новые звезды – А. Ахматова, Н. Гумилев, О. Мандельштам, С. Городецкий, М. Кузмин, И. Северянин, М. Цветаева, В. Хлебников, В. Маяковский, С. Есенин, Б. Пастернак, В. Шершеневич и др. Таким образом, исходный рубеж и период расцвета Серебряного века подлежит достаточно точному определению. А вот вопрос о его окончании до сих пор является предметом дискуссий. Поэт Н. Коржавин полагал, что ―Серебряный век начался в 10-е годы ХХ века и закончился… с Первой мировой войной‖. Критик Е. Г. Эткинд пишет: ―1915 – высший подъем Серебряного века и, в то же время, конец его‖. Другие исследователи указывают иные хронологические границы: 1917-й, 20-е и даже 30-е годы XX века. Литературовед В. Крейд достаточно образно высказывается на эту тему: ―Все кончилось после 1917 года, с началом гражданской войны. ... В двадцатые годы еще продолжалась инерция .... Еще живы были большинство поэтов, писатели, критики, художники, философы, режиссеры, композиторы, индивидуальным творчеством и общим трудом которых был создан серебряный век, но сама эпоха кончилась. Каждый ее активный участник понимал, что, хотя люди и остались, характерная атмосфера эпохи, в которой таланты росли, как грибы после грибного дождя, сошла на нет ... Серебряный век эмигрировал в Берлин, в Константинополь, в Прагу, в Софию, Белград, Гельсингфорс, Рим, Харбин, Париж. Но и в русской диаспоре, несмотря на полную творческую свободу и изобилие талантов, он не мог возродиться. Художники-эмигранты лишились родной почвы, оставшиеся в России лишились воздуха свободы…‖. После революции новая власть национализировала все типографии и запасы бумаги. Издавать стихи стало негде. Только футуристы и имажинисты, пошедшие на компромисс с властями, смогли публиковать свои сборники в 1919 и 1920 годах. С 1921–1923 гг., с введением НЭПа и разрешением частных издательств, произошло некое возрождение Серебряного века. Поэтами символизма, акмеизма и футуризма было сделано очень много: язык был обновлен, а вместе с языком – ритмика стиха и образное мышление. В это трехлетие возникло небывало большое количество ―измов‖ и школ, и каждое направление со своим манифестом, И все-таки основным рубежом, верхней границей Серебряного века, очевидно, следует считать октябрьские потрясения 1917 года, трагически отразившиеся не только на поэзии, но и на всей русской культуре в целом. Октябрьский переворот и последовавшая за ним гражданская война, с ее разрухой и голодом, развитию поэзии ни в коей мере не способствовали. Первые годы после этих событий если и продолжались какие-либо искания в области поэтического искусства, то с созданием РАППа (Российской ассоциации пролетарских писателей) и с принятием в 1925 году постановления ―О политике партии в области литературы‖ все они были приостановлены. На долгие десятилетия в советском искусстве в качестве единственно возможных утвердились пролетарская литература и метод соцреализма. Биографии почти всех творцов Серебряного века сложились трагически. Поэтам Серебряного века пришлось до дна испить чашу страданий: кровь, хаос и беспредел революционных лет и гражданской войны уничтожили духовную основу их существования. Вскоре после революции ушли из жизни Блок, Хлебников, Брюсов. Многие эмигрировали. Мережковский, Гиппиус, Бунин, Вяч. Иванов, Бальмонт, Адамович, Г. Иванов, Бурлюк, Ходасевич, Саша Черный, Северянин, Тэффи, Цветаева и многие другие. Большинство из них прожили остаток жизни за границей, мечтая вернуться в Россию. Кто-то трагически ушел из жизни: до сих пор непонятно были убиты или свели счеты с жизнью Есенин и Маяковский. Многие из тех, кто остался в России, были уничтожены: расстрелян по ложному обвинению Гумилев; сгинули в лагерях Клюев, Мандельштам, Нарбут, Лившиц, Клычков, Введенский, Хармс. Те же, кто уцелел в этой мясорубке, до последних дней своей жизни оставаясь на родной земле, как Ахматова и Пастернак, были практически обречены на безмолвие. А поэтов, решившихся сотрудничать с новой властью, тоже ждала незавидная литературная судьба: для Маяковского, Каменского, Городецкого она обернулась утратой таланта и потерей творческой индивидуальности. Некоторые сознательно приговорили себя к молчанию, уйдя от стихотворчества в иные области литературы, занявшись журналистикой, прозой, драматургией, переводами. 4. Расскажите о символизме как литературном направлении文学—象征主义 Символизм (от греч. symbolon – знак, символ), возникший как в европейском искусстве 1870–1910-х годов, на рубеже XIX–XX веков проявился в русской поэзии. Символизм в России был явлением неоднородным, пестрым и достаточно противоречивым. Он объединил в своих рядах поэтов, придерживавшихся порой самых разных взглядов. По времени возникновения и по философской основе их традиционно принято делить на ―старших‖ (Н. Минский, Д. Мережковский, З. Гиппиус, В. Брюсов, К. Бальмонт, Ф. Сологуб) и ―младших‖ (А. Блок, А. Белый, Вяч. Иванов). Близки символистам были также И. Анненский и М. Волошин. Творчество в понимании символистов заключалось в подсознательно-интуитивном созерцании тайных смыслов, доступном лишь художнику-творцу. Размежевание на ―старших‖ и ―младших‖ символистов происходило не столько в силу возраста, сколько из-за разницы мироощущения и направленности творчества. ―Старшие символисты‖ не ставили целью создание системы символов; они в большей степени эпатажные декаденты, импрессионисты, которые стремились передать тончайшие оттенки настроений, движения души. Однако постепенно слово как носитель смысла для символистов утратило цену. Оно стало восприниматься только как звук в мелодическом построении стихотворения. ―Младосимволисты‖ опирались на учение философа-идеалиста и поэта Вл. Соловьева с его идеями о вечной женственности, всеобщей любви. Поэтому в их стихах много место отводится любви во всех ее проявлениях – от чувственности и эротики до романтического и почти религиозного мечтания о Прекрасной Даме, Незнакомке. Общим является широко распространенный среди ―младших символистов‖ образ – современный город, ощущаемый ими как живое существо с сатанинским характером, ―город-вампир‖, олицетворение бездушия и порока. Особое внимание символисты проявляли к преобразованию значений поэтического слова, развитию ритмики и рифмы. Поэзия точных слов и конкретных значений в практике символистов уступила место поэзии намеков и недомолвок. Основным в их поэтике становится символ, а не реалистический художественный образ. Большое значение для создания смысловой размытости и словесной зыбкости стала играть метафора, построенная не на сходстве описываемых предметов или явлений, а на ассоциативных связях. Использование ассоциативных значений поэтической речи привело к новому отношению поэта-символиста с его аудиторией. Поэт не стремился быть понятым всеми, поскольку обращался не просто к читателю, а к читателю-творцу, соавтору. Его стихи были призваны не доносить чувства и мысли автора, а пробуждать в читателе ответную реакцию, обострять и утончать его восприятие, помогать в постижении―высшей реальности‖. Годы первой русской революции (1905–1907) существенно изменяют лицо русского символизма. Большинство поэтов откликаются на революционныесобытия. Блок создает образы людей нового, народного мира. Брюсов пишет знаменитое стихотворение ―Грядущие гунны‖, где прославляет неизбежный конец старого мира, к которому, однако, причисляет и себя, и всех людей старой, умирающей культуры. Сологуб создает в годы революции книгу стихотворений ―Родине‖ (1906), Бальмонт – сборник ―Песни мстителя‖ (1907), изданные в Париже и запрещенные в России и т. д. Еще важнее то, что годы революции перестроили символистское художественное миропонимание. Если раньше Красота понималась как гармония, то теперь она связывается с хаосом борьбы, с народными стихиями‖. В 1909 году почти одновременно закрылись два главных символистских журнала – ―Вехи‖ и ―Золотое руно‖. К концу первого десятилетия XX века символизм как школа исчерпывает себя. Еще появляются отдельные произведения поэтов-символистов, но влияние их в значительной степени утрачено.Символизм больше не дает новых имен. Взлет творческой энергетики трагическим образом совмещался с социальным и политическим распадом. Отвергнув эстетику ―общественной пользы‖, люди, строящие русский ренессанс, недооценили тяжесть социальной правды левой интеллигенции. 5. Расскажите об акмеизме как литературном направлении文学---阿克梅派 Акмеизм (от греч. akme – высшая степень чего-либо, расцвет, зрелость, вершина, остри?) сформировался как реакция на крайности символизма. Преодолевая пристрастие символистов к ?сверхреальному?, многозначности и текучести образов, усложненной метафоричности, акмеисты стремились к вещной ясности образа и точности, четкости поэтического слова. Их ?земная? поэзия склонна к камерности, эстетизму и поэтизации чувств первозданного человека. Для акмеизма была характерна крайняя аполитичность, полное равнодушие к злободневным проблемам современности. Акмеисты, пришедшие на смену символистам, не имели детально разработанной философско-эстетической программы. Но если в поэзии символизма определяющим фактором являлась мимолетность, сиюминутность бытия, некая тайна, покрытая ореолом мистики, то основой акмеизма был реалистический взгляд на вещи. Высшей точкой в иерархии ценностей для них была культура, тождественная общечеловеческой памяти. Поэтому столь часты у акмеистов обращения к мифологическим сюжетам и образам. Если символисты в своем творчестве ориентировались на музыку, то акмеисты – на пространственные искусства: архитектуру, скульптуру, живопись. Тяготение к трехмерному миру выразилось в увлечении акмеистов предметностью: красочная, порой экзотическая деталь могла использоваться с чисто живописной целью. ?Преодоление? символизма происходило не столько в сфере общих идей, сколько в области поэтической стилистики. Отличительной чертой акмеистского круга поэтов являлась их ?организационная сплоченность?. Это была группа талантливых и очень разных поэтов, объединенных личной дружбой. У символистов ничего подобного не было: попытки Брюсова воссоединить собратьев оказались тщетными. То же наблюдалось у футуристов — несмотря на обилие коллективных манифестов, которые они выпустили. Акмеисты, или ?гиперборейцы? (по названию их печатного рупора, журнала и издательства ?Гиперборей?), сразу выступили единой группой. Своему союзу они дали знаменательное наименование ?Цех поэтов?. А начало новому течению положил скандал. Осенью 1911 года в поэтическом салоне Вячеслава Иванова, знаменитой ?Башне?, где собиралось поэтическое общество и проходило чтение и обсуждение стихов, вспыхнул ?бунт?. Несколько талантливых молодых поэтов демонстративно ушли с очередного заседания ?Академии стиха?, возмущенные уничижительной критикой в свой адрес ?мэтров? символизма. А через год, осенью 1912 года шестеро основных членов ?Цеха? решили не только формально, но и идейно отделиться от символистов. Они организовали новое содружество, назвав себя ?акмеистами?, т. е. вершиной. Главные идеи акмеизма были изложены в программных статьях Н. Гумилева ?Наследие символизма и акмеизм? и С. Городецкого ?Некоторые течения в современной русской поэзии?, опубликованных в журнале ?Аполлон? (1913, ? 1), издававшемся под редакцией С. Маковского. Акмеизм насчитывает шестерых наиболее активных участников течения: Н. Гумилев, А. Ахматова, О. Мандельштам, С. Городецкий, М. Зенкевич, В. Нарбут. На заседаниях ?Цеха?, в отличие от собраний символистов, решались конкретные вопросы: ?Цех? являлся школой овладения поэтическим мастерством, профессиональным объединением. Как литературное направление акмеизм просуществовал недолго – около двух лет. В феврале 1914 г. произошел его раскол. ?Цех поэтов? был закрыт. Акмеисты успели издать десять номеров своего журнала ?Гиперборей? (редактор М. Лозинский), а также несколько альманахов. ?Символизм угасал? – в этом Гумилев не ошибся, но сформировать течение столь же мощное, как русский символизм, ему не удалось. Акмеизм не сумел закрепиться в роли ведущего поэтического направления. Причиной столь быстрого его угасания называют, в том числе, ?идеологическую неприспособленность направления к условиям круто изменившейся действительности?. В. Брюсов отмечал, что ?для акмеистов характерен разрыв практики и теории?, причем ?практика их была чисто символистской?. Именно в этом он видел кризис акмеизма. Однако попытки возобновить деятельность объединения впоследствии предпринимались не раз. Второй ?Цех поэтов, основанный летом 1916 г., возглавил Г. Иванов вместе с Г. Адамовичем. Но и он просуществовал недолго. В 1920 г. появился третий ?Цех поэтов?, который был последней попыткой Гумилева организационно сохранить акмеистическую линию. Под его крылом объединились поэты, причисляющие себя к школе акмеизма: С. Нельдихен, Н. Оцуп, Н. Чуковский, И. Одоевцева, Н. Берберова, Вс. Рождественский, Н. Олейников, Л. Липавский, К. Ватинов, В. Познер и другие. Третий ?Цех поэтов? просуществовал в Петрограде около трех лет (параллельно со студией ?Звучащая раковина?) – вплоть до трагической гибели Н. Гумилева. Творческие судьбы поэтов, так или иначе связанных с акмеизмом, сложились по-разному: Н. Клюев впоследствии заявил о своей непричастности к деятельности содружества; Г. Иванов и Г. Адамович продолжили и развили многие принципы акмеизма в эмиграции; на В. Хлебникова акмеизм не оказал сколько-нибудь заметного влияния. В советское время поэтической манере акмеистов (преимущественно Н. Гумилева) подражали Н. Тихонов, Э. Багрицкий, И. Сельвинский, М. Светлов. В сравнении с другими поэтическими направлениями русского Серебряного века акмеизм по многим признакам видится явлением маргинальным. В других европейских литературах аналогов ему нет. Основные принципы акмеизма: , освобождение поэзии от символистских призывов к идеальному, возвращение ей ясности; , отказ от мистической туманности, принятие земного мира в его многообразии, зримой конкретности, звучности, красочности; , стремление придать слову определенное, точное значение; , предметность и четкость образов, отточенность деталей; , обращение к человеку, к ?подлинности? его чувств; , поэтизация мира первозданных эмоций, первобытно-биологического природного начала; , перекличка с минувшими литературными эпохами, широчайшие эстетические ассоциации, ?тоска по мировой культуре?. 6. Расскажите о футуризме как литературном направлении文学—未来主义 Футуризм в отличие от акмеизма, как течение возник отнюдь не в России. Это явление целиком привнесенное с Запада, где оно зародилось и было теоретически обосновано. Его родиной была Италия, а главным идеологом – известный литератор Филиппо Томмазо Маринетти (1876-1944), выступивший 20 февраля 1909 г. с первым ?Манифестом футуризма?, в котором была заявлена ?антикультурная, антиэстетическая и антифилософская? его направленность. Футуризм претендовал на построение нового искусства – ?искусства будущего?, выступая под лозунгом нигилистического отрицания всего предшествующего художественного опыта. Маринетти провозгласил ?всемирно историческую задачу футуризма?, которая заключалась в том, чтобы ?ежедневно плевать на алтарь искусства?. Футуристы проповедовали разрушение форм и условностей искусства ради слияния его с ускоренным жизненным процессом XX века. Для них характерно преклонение перед действием, движением, скоростью, силой и агрессией; возвеличивание себя и презрение к слабому; утверждался приоритет силы, упоение войной и разрушением. В этом плане футуризм по своей идеологии был очень близок как правым, так и левым радикалам: анархистам, фашистам, коммунистам, ориентированным на революционное ниспровержение прошлого. Слова футуристических произведений полностью освобождались от жестких рамок синтаксических периодов, от логических связей. Они свободно располагались в пространстве страницы, отвергая нормативы линейного письма и образуя декоративные композиции или разыгрывая целые драматические сцены, построенные по аналогии между формой буквы и какой-либо фигурой реальности: гор, людей, птиц и т. д. Таким образом, слова превращались в визуальные знаки. Футуристы писали манифесты, проводили вечера, где манифесты эти зачитывались со сцены и лишь затем — публиковались. Вечера эти обычно заканчивались горячими спорами с публикой, переходившими в драки. Так течение получало своюскандальную, однако очень широкую известность. Учитывая общественно-политическую ситуацию в России, зерна футуризма упали на благодатную почву. Именно эта составляющая нового течения была, прежде всего, с энтузиазмом воспринята русскими кубофутуристами в предреволюционные годы. Для большинства из них ?программные опусы? были важнее самого творчества. Хотя прием эпатажа широко использовался всеми модернистскими школами, для футуристов он был самым главным, поскольку, как любое авангардное явление, футуризм нуждался в повышенном к себе внимании. Необходимым условием существования для футуристов являлась атмосфера литературного скандала. Период расцвета авангарда, 1912-1916 годы – это сотни выставок, поэтических чтений, спектаклей, докладов, диспутов. Все эти мероприятия были платными. Цены варьировались от 25 копеек до 5 рублей – деньги по тем временам очень немалые. (разнорабочий зарабатывал 20 рублей в месяц). Футуристы умели зарабатывать деньги. В своей основе русский футуризм был все же течением преимущественно поэтическим: в манифестах футуристов речь шла о реформе слова, поэзии, культуры. А в самом бунтарстве, эпатировании публики, в скандальных выкриках футуристов было больше эстетических эмоций, чем революционных. Одной из примет русского футуризма стало восприятие всевозможных стилей и направлений в искусстве. ?Всечество? стало одним из важнейших футуристических художественных принципов. Русский футуризм не вылился в целостную художественную систему; этим термином обозначались самые разные тенденции русского авангарда. Системой был сам авангард. А футуризмом его окрестили в России по аналогии с итальянским. И течение это оказалось значительно более разнородным, чем предшествующие ему символизм и акмеизм. Поэзия русского футуризма была теснейшим образом связана с авангардизмом в живописи. Не случайно многие поэты-футуристы были неплохими художниками – В. Хлебников, В. Каменский, Елена Гуро, В. Маяковский, А. Крученых, братья Бурлюки. В то же время многие художники-авангардисты писали стихи и прозу, участвовали в футуристических изданиях не только в качестве оформителей, но и как литераторы. Живопись во многом обогатила футуризм. К. Малевич, П. Филонов, Н. Гончарова, М. Ларионов почти создали то, к чему стремились футуристы. Основные признаки футуризма: , бунтарство, анархичность мировоззрения, выражение массовых настроений толпы; , отрицание культурных традиций, попытка создать искусство, устремленное в будущее; , бунт против привычных норм стихотворной речи, экспериментаторство в области ритмики, рифмы, ориентация на произносимый стих, лозунг, плакат; , поиски раскрепощенного ?самовитого? слова, эксперименты по созданию ?заумного? языка; , культ техники, индустриальных городов; , пафос эпатажа. 7. Расскажите о символизме в русской живописи俄罗斯写生画—象征主义 Символизм в России существенно отличается от данного направления в искусстве других стран Европы. Возникший в конце девятнадцатого века, русский символизм имеет свои характерные особенности, которые делают его узнаваемым и уникальным. Его зарождение связывают с деятельностью известных публицистов и поэтов - З. Гиппиус, Д. Мережковского, В. Брюсова. Символизм в их творчестве в первую очередь религиозно-мистический, христианский. Иными словами, постижение символа является актом богопознания. Яркими представителями этого направления можно считать С.М. Соловьева и Ф.М. Достоевского. В основном литературный символизм представляет собой единство идеи, общую направленность и смысл. Символизм в живописи противоречив и неоднозначен, и в некотором роде вступает в идеологический конфликт с литературной основой. Ответом на духоввные искания писателей служит чистое отображение духовности ("Видение отроку Варфоломею", "Пустынник", "Труды преподобного Сергия" М. Нестерова), на чрезмерно пафосный настрой - ирония и гротеск ("Весна" М. Шагала, "Купание красного коня" Петрова-Водкина и так далее). Символизм в живописи первым стал использовать М. Врубель. Яркая, напряженная, можно сказать, мозаичная живопись этого великого мастера эпична, монументальна. В ней чвствуется противоречие между реальным окружающим миром и фантазией автора. Его работы погружают нас в эпоху героев былин, седую древность, которая предстает перед нами как нечто сказочное и фантазийное. Яркий пример того, как показывается символизм в живописи, - известная работа Врубеля "Жемчуг". Бесконечная вселенная, мерцающая таинтвенно и сказочно перламутровыми тонами, отражается в крошечном жемчуге. Или другая, не менее известная, "Демон сидящий". Благодаря композиционным приемам, взгляд изображенного на картине персонажа гипнотизирует и завораживает, навевая чувство страха и внутреннего дискомфорта. Но, несмотря на столь смешанные чувства, от него невозможно отвести взгляд. Дальнейшее развитие символизм в живописи получил благодаря творчеству объединения художников под названием "Голубая роза". Самым ярким представителем этой группы был В. Э. Борисов-Мусатов. Период творчества этого художника совпадает с рубежом столетий, что отразилось на его манере письма. Начиная от импрессионистических этюдов, он постепенно пришел к новому стилю картин-панно, органично передающих образность, которой наполнен символизм в живописи. Знаменитая работа "Гобелен" кажется на первый взгляд обыденной и не привлекает простотой сюжета. Однако в той манере, в которой изображены две беседующие женщины, скрыта неизмеримая глубина. Зрителю передается особая напряженность композиции. Возникает ощущение, что "Гобелен" скрывает таинственные знаки высшего бытия и чего-то неизведанного. Со временем художники-символисты объединяются вокруг журнала "Мир искусства". Переломный момент в истории государства как бы предсказывался в самом духе символизма, а позже передавался и осмыслялся в живописи художников. В постреволюционное время приемы этого стиля служили инструментом выражения новой эры: "Новая планета" К. Ф. Юон, "Большевик" Б. М. Кустодиева и т.д. 8. Расскажите об авангардных направлениях русской живописи俄罗斯写生画--- 先锋主义 серебряный век-Русский авангард Авангардизм-это художестверный стиль с конца 19 века до первой половины 20 века Объясните, что такое авангард----футуризм живописи(футуризм-широкое явление-разных сфер искусства- , слово авангард произходит из французского слова， что значит?передовой отряд? , авангард-это обобщающее название течений европейское искусство。 , Авангард возник на рубеже XIX и XX веков , Он выражаться в поле мически(сспор)-боевой форме. , Временные рамки (时间界限авангарда ограничены В 1870-1938 годам для авангарда характерен экспериментальный подход к художественному творчеству; , выход за рамки超出..范围界限классической эстетики; , Использование оригинальных, новаторских средств выражения; , подч?ркнуты символизм и условность художественных образов Ссора на пустой месте{ (мелкая причина)-не стоит ссориться}-всякое явление не возникает на пустой месте. Авангардизм возник не в пустой местеббыли определ?нные предпосилки(前提条件)。 , Почему понятие авангард эклектично (смещение разных стилей.но отрицательная характер всегда)по своей сути? , потому что Этот термин обозначает школы и направления искусство，которое имеет диаметрально противоположную идейную основу。 , Назовите предпосылки возникновения авангардистских течений в Европе,, , .Переомысление общиеевропейских культурных ценностей.(традиционные классические эстетика，которые основовалась на том ，что изображать(描绘) явление реальные действидельности，но авангард сказал， нет ，это уже не интересно。мы не бутем это изображать， мы бутем искать что -то новое) Как (критически批判怀疑.осудить， негативно否定的，怀疑的) русская художественная критика отнеслась к авангарду? , русская художественная критика впервые употребила слово ?авангард? В 1910 году , А. Бенуа писала статьи о выставкой ?Союза русских художников? в которых он осудил ?авангардисов? Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) - русский художник, историк искусства,(символизм) художественный критик, основатель и главный идеолог объединения ?Мир Искусства? Расскажите о русском авангардизме , Причины появления, , Общество реагировало На революционные движения и настроения.Появляеться идея "революция в искусстве" , Но художники искусстве модернизма отличает на революционные настроения Эстетические представления авангардистов , , Это искусство должно быть независимым От окружающой действительности , художественные задачи и пути их решения? , Они Видели свою задачю В создании форм которые являются плодом фантазии. , Они Разрушали традиционные формы искусства И предлагали свои пути обновления. , (авангард это явление мотернизма) Мотернизма(в литературе символизм футулизм 少一个) , в живопись символизм(мяхкая.л?хкая революция) авангардизм , стилистические особенности ? , авангардизм сочетал эпатирующий бунт и поиски новые формы Они Строили свои произведения на традициях "неклассического" ( архаического или фольклорного) искусства. ( Фольклорный-это народное тв?рчество) архаический-это совем древнее Осень желтая (?Осень счастливая?). 1912 Венера (Венера и Михаил). 1912 В русском авангардизме было несколько различных направлений В 1910 году группа художников организовала выставку, а затем и творческое объединение "Бубновый валет". , До 1917 г. ?бубновый валет? называли каторжники: тюремное одеяние представлять собой длинный серый балахон, на спине которого был ч?рный ромб. 9. Расскажите об архитектурных стилях на рубеже веков.建筑风格 Архитектура建筑学，建筑艺术 Во второй половине XIX в. русская архитектура не знала единого художественного стиля, каким раньше был классицизм古典主义 или ампир帝 国风格. Каждый архитектор выбирал тот стиль прошлого, который больше нравился его заказчику定制人. Одни зодчие建筑师 строили, подражая模仿 готике哥特式, другие – барокко 巴洛克, третьи – классицизму и т.д. Особое распространение传播，推广 в отечественной本国的 архитектуре получил уже русский стиль. Такое явление, характерное не только для русской, но для европейской архитектуры в целом, получило название историзм历史主义, или исторические стили. Историзм был характерен и для русской архитектуры начала XX в. В этом смысле показательно творчество видного杰出的 московского зодчего建筑师 Романа Ивановича Клейна. Он построил здание большого универсального包罗万象的，广博的 магазина ?Мюр и Мерилиз? (ЦУМ) в готическом 哥特式的стиле. Музей изящных优雅的 искусств (Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина) спроектировал в духе древнегреческой希腊的 архитектуры, а в оформлении外观，装饰 доходного盈利的 дома чаеторговца茶叶商 Перлова воспроизвел模仿 характерные черты китайских построек. Некоторые архитекторы, украшая свои постройки, смешивали различные стили. На фасаде одного и того же здания можно было увидеть орнаменты装饰图案, характерные, например, для барокко巴洛克 и классицизма古典主义. Похожим образом оформлялись и интерьеры: одно помещение украшалось в стиле барокко, другое — в духе классицизма, третье — в русском стиле и т.д. Смешение разных стилей в архитектуре получило название эклектика折中. На рубеже在...的交合点 XIX–XX вв(веков). в Европе появился новый художественный стиль, получивший в России название модерн现代派 . Большую роль в переходе к модерну сыграл мамонтовский художественный кружок. Церковь教会, построенная в Абрамцеве, уже несла на себе некоторые черты модерна. Самый известный памятник стиля модерн — московской гостинице ?Метрополь? . Асимметричные 不对称的 фасады гостиницы богато украшены живописью и скульптурой. На стенах ?Метрополя? можно увидеть декоративные装饰用的 панно 墙壁，天花板的镶边部分，有图画或雕刻из майолики 彩陶制品(расписной 绘有彩画的керамической плитки). Самое большое из них – ?Принцесса 公主Греза? — выполнено по эскизу草图，画稿 участника мамонтовского кружка художника М.А. Врубеля. Модерн любит капризно别出心裁的 изогнутые曲线形的, текучие不固定的 линии线 и плоскости平面曲线. Об этом наглядно明显 свидетельствует证明 изломанная曲折的 линия карниза 房檐крыши ?Метрополя?. Архитекторы модерна широко использовали самые современные строительные материалы: железобетон钢筋混凝土, металл金属, керамику陶瓷艺术, стекло玻璃 В России сложились形成 две основных архитектурных школы модерна: московская и петербургская. Крупнейшим представителеммосковского модерна был зодчий Федор Осипович Шехтель. Он происходил из семьи обрусевших俄语化的 немцев. Отец его был купцом. Ф.Шехтель некоторое время обучался на архитектурном отделении 班，部门， 分支机构Московского училища живописи, ваяния и зодчества, но не закончил его. Сначала Ф.О. Шехтель попробовал свои силы как театральный художник-оформитель装潢者，装饰者. Занимался также книжной и журнальной графикой线条画. Все это не прошло даром 徒然的для архитектора. Впоследствии后来 интерьеры 内部装饰своих построек, включая мебель, осветительные приборы照明器, ткани и даже посуду, Ф.О. Шехтель будет проектировать сам. Как архитектор, Ф.О. Шехтель не сразу пришел к модерну. Одна из первых его построек — особняк独家住宅，公馆 С.Т. Морозова, богатого московского купца и мецената科学和文艺事业的资助人, — является блестящей 豪华的，富 丽的вариацией на тему готики: здание напоминает средневековый замок城堡 со стрельчатыми окнами尖拱窗, характерными для готики скульптурными украшениями и орнаментами装饰图案，雕塑图案. В убранстве陈设，摆设 интерьеров内部装饰 особняка принял участие М.А. Врубель. Он создал для его залов несколько живописных панно и скульптур雕塑. Подлинным原本的，原样的(настоящий) архитектурным шедевром стал построенный Ф.О. Шехтелем особняк С.П. Рябушинского, другого богатого московского купца и коллекционера. Фасады здания асимметричны不对称的. Причудливы奇妙的，新奇别致的 формы его окон. Снаружи从外面 стены украшает майоликовое马约利卡彩陶的 панно с изображением цветов ириса鸢 尾花, любимого в искусстве модерна. Внутри дома центральное место занимает изумительной令人惊叹的 красоты каменная лестница. По форме она напоминает морскую волну波浪, на гребне которой установлен стеклянный玻璃制品的 светильник照明器的总称 в виде медузы水母. Двери комнат украшены резьбой雕刻, потолки天花板，顶棚 — росписями壁画，装饰画. Некоторые помещения имеют витражи彩色玻璃拼绘 而成的图画，花纹，图画 — декоративные装饰用的 картины из цветного стекла. Мастера модерна стремились создать вокруг человека художественно привлекательную среду обитания居住. Они придавали красоту даже чисто утилитарным实用的 вещам: дверным ручкам, ограждениям栅栏 балконов и лестниц, оконным перепл?там.窗扇，窗格子 Большой работой Ф.О. Шехтеля стало строительство建筑 в Москве здания Ярославского вокзала. Его асимметричный 不对称的фасад украшен скульптурными рельефами浮雕 и живописными панно装饰镶板. В архитектуре вокзала использованы мотивы средневекового русского зодчества 建筑学: высокие шатровые圆锥形的 кровли屋顶, расписная彩绘的 керамическая плитка陶瓷砖, напоминающая старинные изразцы瓷砖，面砖. Русский стиль получил свою линию развития в отечественном本国的 модерне. По заказу Саввы Морозова Ф.О. Шехтель построил здание Художественного театра. Его фасад достаточно прост и скромен, если не считать украшающие его светильники照明器 в стиле модерн и горельеф ?Волна?, выполненный известным скульптором А.С. Голубкиной. Над волной летит чайка, которая после постановки одноименной чеховской пьесы 拍同名剧作стала эмблемой标 志，象征 Художественного театра. Петербургский модерн отличался от московского. На него большое влияние оказало скандинавское斯堪的纳维亚的 и финское芬兰的 зодчество. Петербургский модерн более суров阴沉的 и менее красочен彩色的, чем московский. Столичные首都的 архитекторы отдавали предпочтение работе с грубым粗糙的，不精致的 природным камнем, преимущественно 主要是，特 别是，大部分是серым гранитом花岗石, гармонирующим协调 с бледным северным небом.淡色的天空 Если московский модерн формировался во многом на материале средневековой русской архитектуры, которой так много сохранилось в первопрестольной用作 名词，京城，首都, то петербургский — на материале классицизма и ампира帝国 风格(法国拿破仑一世帝国时代兴起的艺术风格，特别是在建筑物和家具的式样 方面，称为后古典主义), в значительной степени определявшим лицо столицы Российской империи. В полной мере черты петербургского модерна воплощает 体现 в себе здание Азовско-Донского банка. построенного одним из видных русских архитекторов Федором Ивановичем Лидвалем. Его фасад отделан серым гранитом и украшен колонным有圆柱的 портиком(建筑物正面的带圆 柱的)门廊，柱廊, скульптурой и орнаментами图案, близкими ампиру. И все-таки это не ампир, а только его стилизация风格模拟 в духе модерна. Ф.И. Лидваль построил в Петербурге несколько доходных 盈利的домов, фасады которые отделаны характерными для модерна лепными украшениями. Ярким памятником петербургского модерна является особняк М.Ф. Кшесинской, спроектированный设计出来的 архитектором А.И. Гогеном для известной русской балерины. Как и особняк С.П. Рябушинского, он имеет асимметричную композицию结构. Декоративные 装饰用的мотивы модерна сочетаются здесь с элементами自然元素, заимствованными 外来的из классицизма. Правда, в отделке装饰 ，装潢интерьеров内部装饰 преобладает占主要地位 эклектика 折中Стиль модерн существовал недолго, но оставил яркий след в русской архитектуре XX в. 答案2 Модерн в архитектуре Стиль "модерн" возник в европейской архитектуре в последнем десятилетии XIX века как протест против использования в искусстве существующих приемов и форм. Этот стиль был связан с попыткой создания новых художественных форм промышленным способом. Из сферы прикладного искусства модерн вскоре распространяется на архитектуру и изобразительное искусство. Модерн, задуманный как стиль для городских особняков и загородных вилл, вскоре получил распространение и в строительстве доходных домов и общественных сооружений. Крайний индивидуализм модерна, заключающийся в стремлении зодчего создавать оригинальные, неповторимые в своем облике произведения, исключающие всякую возможность использования их форм в других постройках, был по существу связан с декадентскими течениями в художественной культуре того времени. Он не вдохновлялся большими идеями и просуществовав в Европе в качестве модного течения немногим более 10 лет, окончательно исчезнул к началу Первой мировой войны. В России модерн появился во второй половине 1890-х годов. Самые известные представители модерна в России: Ф.О. Шехтеля, Л.Н. Кекушев и И.А. Иванов-Шиц. Модерн в архитектуре отличается применением прихотливых кривых линий и форм, искажающих исторически сложившуюся архитектонику. Затейливые кривые, по которым строятся очертания оконных и дверных проемов, лестниц, ограждений балконов, оконных проемов, подчеркнутая асимметрия, бесчисленные башенки, венчающие крыши, своеобразные орнаментальные композиции – таков запас художественных средств, которыми пользуется архитектор, работающий в стиле модерн. 10. Расскажите о развитии театрального искусства на рубеже веков.戏剧艺术的 发展 3 Театр и музыка в России на рубеже XIX–XX вв. Важнейшим событием в театральной жизни страны стало открытие в Москве Художественного театра (1898), основанного К.С. Станиславским и В.Н. Немировичем-Данченко. Московский Художественный театр реформировал все стороны театральной жизни – репертуар, режиссуру, акт?рское искусство, организацию театрального быта. В МХТ впервые в истории была создана методология творческого процесса. Ядро труппы составили воспитанники драматического отделения Музыкально-драматического училища Московского филармонического общества (О.Л. Книппер, И.М. Москвин, В.Э. Мейерхольд), где акт?рское мастерство преподавал В.И. Немирович-Данченко, и участники любительских спектаклей руководимого К. С. Станиславским ?Общества искусства и литературы? (М.П. Лилина, М. Ф.Андреева, В.В. Лужский, А.Р. Арт?м). Позднее в труппу вошли В.И. Качалов, Л.М. Леонидов. Первым спектаклем Московского Художественного театра стал ?Царь Федор Иоаннович? по пьесе А.К. Толстого; однако подлинное рождение нового театра связано с драматургией А. П. Чехова и М. Горького. Поняв жизненную правду и поэтичность, новаторскую сущность драматургии Чехова (?Чайка? (1898), ?Дядя Ваня? (1899), ?Три сестры? (1901), ?Вишн?вый сад? и ?Иванов? (1904), Станиславский и Немирович-Данченко нашли особую манеру е? исполнения, открыли новые при?мы раскрытия духовного мира современного человека. В 1902 г. Станиславский и Немирович-Данченко поставили пьесы М. Горького ?Мещане? и ?На дне?, пронизанные предчувствием назревавших революционных событий. В работе над произведениями Чехова и Горького сформировался новый тип акт?ра, тонко передающего особенности психологии героя, сложились принципы режиссуры, были выработаны сценические средства передачискрытого в обыденных словах так называемого подтекста (внутреннего содержания). Впервые в мировом сценическом искусстве МХТ поднял значение режисс?ра – творческого и идейного интерпретатора пьесы. В 1904 г. в Петербурге возник театр В.Ф. Комиссаржевской – театр передового современного репертуара. Здесь ставились пьесы М. Горького, А. П. Чехова, Г. Ибсена, произведения русских драматургов, группировавшихся вокруг издательства ?Знание? (С.А. Найденов, Е.И. Чириков и др.). Сама Комиссаржевская с неизменным успехом выступала в главных ролях. Увлекшись идеями символистского условного театра, Комиссаржевская пригласила в театр главным режисс?ром В. Э. Мейерхольда. Однако свойственное Мейерхольду предельное господство режисс?ра, полная зависимость от него акт?ра привели Комиссаржевскую к разрыву ним. После смерти Комиссаржевской в 1910 г. труппа театра распалась. Развитие лучших традиций музыкального театра связано с императорским Мариинским театром в Петербурге и Большим театром в Москве, а также Московской частной русской оперой, основанной на средства мецената С.И. Мамонтова. Частная опера Мамонтова популяризировала произведения русских композиторов. Мариинский и Большой театры переживали в начале ХХ века период расцвета – там пели талантливые певцы мирового класса: Ф.И. Шаляпин, затем Л.В. Собинов, Н.В. Нежданова. Русский балет на рубеже XIX–XX вв. был одним из наиболее развитых видов театрального искусства. Танец достиг высокой выразительности и технического совершенства. Значительным явлением в истории балета был приход в балетный театр композиторов-симфонистов. Такие постановки, как ?Спящая красавица? П. И. Чайковского (1890), ?Раймонда? А. К. Глазунова (1898), поставленные Петипа, ?Щелкунчик? (1892) и ?Лебединое озеро? (1895) Чайковского, поставленные Л. И. Ивановым и М.И. Петипа, – были вершиной русского балета уходящего XIX века. Балетмейстер М.М. Фокин ввел балет в круг идей и образов, характерных для искусства начала ХХ века. Его ?Жар-Птица? и ?Петрушка? на музыку И.Ф. Стравинского (1910–1911 гг.) стилистически и тематически были близки художникам ?Мира искусства?, перекликались с современной поэзией, исканиями театральной режиссуры. В одноактных балетах Фокина на смену каноническим танцевальным композициям пришла новая хореография: динамическая танцевальная пантомима, танец, проникнутый мимической выразительностью. Борьба академического и нового направлений отразилась на исполнительском искусстве. В экспериментах Фокина прославились Т.П. Карсавина, В.Ф. Нижинский. Однако выдающаяся русская балерина А.П. Павлова предпочитала все же классические формы балета. К этому времени балет как самостоятельный и творчески развивающийся вид искусства существовал только в России.Поэтому достижения русских мастеров сказались на развитии мировой хореографии. Большой резонанс в Европе получили ?Русские сезоны? – выступления отечественных оперы и балета за границей, организованные С.П. Дягилевым. Ярчайшей страницей в истории русской музыки является творчество композитора Н.А. Римского-Корсакова. Его музыка глубоко самобытна и вместе с тем развивает классические традиции. Его произведения погружают в мир сказочности, народной фантастики. Со второй половины 1890-х гг. творчество Римского-Корсакова приобрело исключительную интенсивность и разнообразие. На начало ХХ века приходится расцвет дарования композитора С.В. Рахманинова. В его сочинениях тесно сосуществуют страстные порывы непримиримого протеста и тихое созерцание, трепетная насторож?нность и волевая решимость, мрачный трагизм и восторженность гимна.Тема родины, центральная в зрелом творчестве Рахманинова, с наибольшей полнотой воплотилась в его крупных инструментальных произведениях, особенно во 2-м (1901) и 3-м (1909) фортепьянных концертах. Рахманинов известен также как талантливый пианист и один из крупнейших оперных и симфонических дириж?ров своего времени. Значительное воздействие на развитие фортепианной и симфонической музыки XX века оказало творчество А.Н. Скрябина. Смелый новатор, он создал свой звуковой мир, свою систему образов и выразительных средств. Его музыка воспевает мощь человеческого духа, пафос борьбы и ликование победы, героическое дерзание и лучезарный свет. В 1900-е гг. ярко обозначается философская концепция композитора.От идей преобразования мира посредством искусства (1-я симфония с хоровым финалом-апофеозом на собственный текст, 1900) Скрябин приш?л к утопическому, но величественному замыслу "Мистерии" – некоего вселенского художественно-литургического действа, объединяющего все виды искусства. Идея обновления, становления творческого духа, гордого самоутверждения лежит в основе 3-й симфонии ("Божественной поэмы", 1904) и получает законченное художественное выражение в одночастных симфонических поэмах - "Поэма экстаза" (1907) и "Прометей" ("Поэма огня", 1910). Творчество И.Ф. Стравинского,русскогокомпозитора и дирижера, отличается образно-стилистической множественностью. В начале XX века композитор переживал так называемый ?русский период?, вершинными произведениями которого являются балеты ?Жар-птица? (1910), ?Петрушка?(1911), ?Весна священная? (1913). В те годы Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. Вторые вопросы 1. Расскажите о творческих исканиях 艺术创作上的探索М.Врубеля и В.Борисова-Мусатова. Борисов-Мусатов, Виктор Эльпидифорович Ви?ктор Эльпидифо?рович Бори?сов-Муса?тов (2 (14) апреля 1870 — 26 октября (8 ноября) 1905) — русский художник, живописец, мастер символических изображений ?дворянских [1]гн?зд?. Виктор Борисов-Мусатов родился в Саратове 2 (14) апреля 1870 года в семье Эльпидифора Борисовича и Евдокии Гавриловны Мусатовых, бывших крепостных, приписавшихся к мещанскому сословию. Отец был железнодорожным служащим. Незаурядной личностью был дед будущего художника, Борис Александрович Мусатов — его имя впоследствии художник присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой, отсюда двойная фамилия мастера — Борисов-Мусатов. В 1873 году, в возрасте тр?х лет, Виктор, неудачно упав со скамейки, получил тяжелую травму позвоночника. В результате этого несчастного случая у него начал расти горб; проблемы со здоровьем не прекращались у художника в течение всей его жизни. В 1890-х учился изобразительному искусству в студии Саратовского изящных искусств, затем в общества Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в петербургской Академии художеств, где его учителем был Павел Петрович Чистяков. Учился также в студии Ф. Кормона в Париже. Был близок художникам ?Мира искусства?. С 1898 год жил в основном в Саратове, с 1901 года — в имении Зубриловка Саратовской губернии. Уже тогда усадьба пребывала в запустении, редко посещаемая тогдашними хозяевами. В 1902 году Борисов-Мусатов вновь посетил усадьбу вместе с сестрой Еленой и художницей Еленой Владимировной Александровой — будущей женой. Его сестра Елена вспоминала: Глубокая осень в Зубриловке также увлекла брата по своим блеклым тонам красок умирающей природы… Возле дома, где он нас писал в солнечные летние дни, краски уже были печальные, серые, все гармонировало с темным осенним небом, покрытым тучами. Казалось, что и дом замер с окружающей его увядающей зеленью. Это и дало настроение брату написать картину — Призраки?… Он лично пояснял нам, как я ? помнюбудтосокончаниемжизни, опустевшего помещичьего дома — ?все уходило в прошлое?, как изображены им на первом плане картины удаляющиеся призрачные фигуры женщин. Эти две поездки в усадьбу нашли отражение в работах ?Гобелен? (1901), ?Прогулка при закате? (1903), ?Призраки? (1903), ?Сон божества? (1904—1905). С 1903 года он жил в Подольске и Тарусе. Борисов-Мусатов скончался в Тарусе 26 октября (8 ноября) 1905. Похоронен на окраине Тарусы, на высоком берегу реки Оки. На могиле художника в 1910 году был памятник работы его установлен однокашника-саратовца скульптора [2]А. Т. Матвеева. Основные работы , Автопортрет с сестрой, , Встреча у колонны, , Гобелен, 1901; , Весна, 1901; , Водо?м, 1902; , Призраки, 1903; , Изумрудное ожерелье, 1903—1904 , Осенняя песнь, 1905 Врубель, Михаил Александрович Михаи?л Алекса?ндрович Вру?бель (5 [17] марта 1856, Омск, Область Сибирских Киргизов, Российская империя — 1 [14] апреля 1910, Санкт-Петербург) — русский художник рубежа XIX—XX веков, работавший практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре и театральном искусстве. С 1896 года был женат на известной певице Н. И. Забеле, портреты которой неоднократно писал. Н. А. Дмитриева сравнивала творческую биографию Врубеля с драмой в тр?х актах с прологом и эпилогом, прич?м переход к новому этапу каждый раз совершался резко и неожиданно. Под ?прологом? подразумеваются ранние годы учения и выбора призвания. Акт первый — 1880-е годы, пребывание в Академии художеств и переезд в Киев, занятия византийским искусством и церковной живописью. Акт второй — московский период, начатый в 1890 году ?Демоном сидящим? и Демоном завершившийся в 1902 году ? поверженным? и госпитализацией художника. Акт третий: 1903—1906 годы, связанные с душевной болезнью, постепенно подтачивавшей физические и интеллектуальные силы живописца. Последние четыре года, ослепнув, [1]Врубель жил уже только физически. В 1880—1890-е годы творческие искания Врубеля не находили поддержки Академии художеств и критиков искусства, однако его постоянным заказчиком сделался С. И. Мамонтов. ?Своим? сделали Врубеля художники и критики, объединившиеся позднее вокруг журнала ?Мир искусства?, его работы стали постоянно выставлять на экспозициях мирискусников и дягилевских ретроспективах, и в начале ХХ века живопись Врубеля стала органической частью русского модерна. ?За известность на художественном поприще? 28 ноября 1905 года ему было присуждено звание академика живописи — как раз к моменту полного прекращения художественной активности 2. Расскажите о творческих исканиях В.Серова и В.Поленова. Васи?лий Дми?триевич Поле?нов русский художник, мастер исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог. Молодые годы • Василий Поленов родился в многодетной(多子女的), культурной дворянской семье 20 мая 1844 года в Петербурге. • Его отец был известным архео?логом(考古学家) и библио?графом(图书 编目). Мать писала книги для детей, занималась живописью. • Ярким детским впечатлением Поленова были поездки на север, в Олонецкий край с его девственной(原始的，处女的) природой, и в Ольшанку Тамбовской губернии, в имение(地产) бабушки В. Н. Воейковой. Вера Николаевна, дочь известного архитектора Н. А. Львова, хорошо ориентировалась в русской истории, знала народную поэзию, любила рассказывать внукам русские народные сказки, были?ны(勇士赞歌), преда?ния(传说). В этой атмосфере сформировался художественный вкус Поленова • B 1856—1861 годах Поленовy были наняты(雇用的) педагоги по живописи из Академии художеств. Встреча с П. П. Чистяковым стала судьбоно?сной(前途命运的) для таланта Поленова. • В 1863 году, поступил на физико-математический факультет Петербургского университета. По вечерам Поленов в качестве вольноприходящего(旁听生) ученика посещал Академию Художеств. • Вскоре Поленов стал постоянным учеником натурного(写生的) класса Академии художеств. В 1867 году окончил ученический курс в Академии художеств, получив серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвовал в двух конкурсах на золотые медали. С января 1868 года возобнови?л(恢复) занятия в университете, теперь — на юридическом факультете. Обзор творчества • в 1872 году ,Поленов отправился за границу.Посетил много европейских городов, длительное время жил в Париже. • Возвратившись в том же 1876 году в Россию, вскоре отправился на русско-турецкую войну, в продолжение которой состоял (任 职)официальным художником при главной квартире насле?дника(继承 人)-цесаре?вича(皇太子) (впоследствии императора Александра III). • В 1882-1895 годах художник преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его учеников были И. И. Левитан, К. А. Коровин и др. • В 1877 Поленов поселился в Москве, где написал картину ?Московский дворик?, написанную с натуры в арбатском переулке. После е? оглушительного(震耳欲聋) успеха художник становится родонача?льником(始祖) нового жанра — ?интимного(隐秘的) пейзажа?. • С 1879 года состоял членом Товарищества передвижных художественных выставок. • В 1881—1882 отправляется в сво? первое путешествие на Ближний Восток и по библе?йским(圣经中的) местам: в Константино?поль(君士坦 Палести?ну(巴勒斯坦), Си?рию(叙利亚) и Еги?пет(埃及) откуда 丁堡), привозит эски?зы(草图) и набро?ски(速写图) к масштабному полотну ?Христос и грешница.》. Интимный пейзаж • Пейзажи носят меланхоли?ческуюнового (抑郁质的)окраску, где человеческая фигура всегда оказывается зыбкой и на втором плане. Дом на Оке • В 1890 на высоком берегу над Окой построил дом по собственному оригинальному проекту. Усадьба была названа Борок. Там Поленов много и продуктивно работал, охотно приглашал к себе сельских детей, проводил для них познавательные(认识) занятия и представления, развивал художественный вкус. • В 1899 во второй раз отправился на Ближний Восток с целью сбора материала для грандиозной евангельской серии ?Из жизни Христа?, которую завершил в 1909. Выставка этих картин имела большой успех и на момент экспозиции, стала центральным событием в мире живописи. Усадьба Поленово ?Московский дво?рик? 1878 Тот самый дворик, из поленовской Москвы ?Бабушкин сад? 1878 ?Заросший пруд? 1879草木丛生的池塘 ?Цезарская забава? 1879罗马皇帝的消遣 ?Христос и грешница? 1888基督和女罪人 ?Золотая осень? 1893 2.3 Художественные искания В.А.Серова Детство Валентина Александровича Серова прошло в артистической среде. Отец – А. Н. Серов – был знаменитый в то время композитор и музыкальный критик. В 43 года он женился на своей семнадцатилетней ученице В.С. Бергман. Будущий художник был их единственным сыном. Серовы жили открыто, их дом всегда был полон гостей. "Много было лохматого студенчества, – вспоминал Репин, – манеры у всех были необыкновенно развязны". Подобного рода публика приглашала хозяйка дома, убежденная нигилистка, приверженная идеям Чернышевского о свободе и равенстве: она с презрением усмехалась, когда Репин пытался уступить ей стул. Общество же Александра Николаевича было самое интеллигентное: И.Тургенев, скульптор М. Антокольский, художник Н. Ге и др. Поскольку у Серовых было много народа, Валентин с раннего детства был не избалованным родительским вниманием ребенком. После смерти отца (Валентину было шесть лет) для Серова началась жизнь скитальца. Мать, страстно увлеченная музыкой и общественной деятельностью, не хотела бросать ни того, ни другого. Обнаружив серьезное пристрастие маленького сына к рисованию, она направилась в Париж, где тогда жил Репин, чтобы отдать сына ему в обучение. В 1875 году Серовы – мать и сын – вернулись в Россию, но кочевая жизнь для Серова продолжалась. В 1878 году он возобновил систематические занятия у Репина, вернувшегося к тому времени из Парижа и поселившегося в Москве. Серов жил у Репина на правах члена семьи. В 1880 году Серов поступил в Академию художеств, чтобы оказаться в классе профессора Павла Чистякова, учителя Сурикова, Поленова, Репина, Врубеля. Чистяковская педагогическая манера была весьма жестокой, но именно он делал из талантливых юношей настоящих художников. Чистякову Серов обязан своей "вдумчивой" манере письма. Круг друзей Серова сложился помимо Академии. Еще в 1875 году, когда его мать гостила в Абрамцеве, он познакомился с семьей знаменитого мецената Мамонтова. Серов быстро стал одним из участников абрамцевского кружка, всеми любимым "Антошей" (так его называли близкие друзья). В Абрамцеве он не только занимался живописью, но и принимал активное участие в домашних спектаклях Мамонтовых: Серов обладал незаурядным дарованием комического актера. Две картины, написанные им в Абрамцеве: "Девочка с персиками" и "Девушка, освещенная солнцем" – сделали его знаменитым. В начале 1890-х годов частыми моделями Серова были актеры, писатели, художники. Серов нашел увлекательную задачу в передаче разнообразных проявлений творческой индивидуальности. Им было написано огромное количество портретов творческих людей: И. Левитана, К. Коровина, Ф. Шаляпина, М. Ермоловой и др. Вскоре он стал авторитетным портретистом и стал получать все больше заказов. Со второй половины 1890-х годов Серов много работает по заказам буржуазной и аристократической знати. Прежде чем приступить к портрету, художник долго возился с моделью, изучая ее быт, обстановку, манеру держаться, заставляя менять туалеты и т. д., пока не находил то "мгновенье", которое требовалось "остановить". "Поиск случайного" стал у Серова не только художественной манерой, а принципом: случайное для него – лишь форма проявления неслучайного. Сохранились воспоминания Софьи Олсуфьевой о том, как создавался ее портрет. Супруг Олсуфьевой хотел, чтоб она была изображена в черном бархатном платье. Серов пришел, посмотрел исподлобья, попросил переменить несколько раз позу и сказал, как отрезал: ?Вы не привыкли в бархате ходить. Надо другое платье?. Это было правдой: она не любила богатых платьев. Композиция картины была найдена совершенно случайно... Однажды, когда Серов пришел к Олсуфьевым было свежо, Софья Олсуфьевой сидела дома одна, в сереньком будничном платье, накинув на плечи теплый шарф. Неожиданно вошел Серов: – Вот так и буду вас писать. ?Я подошла погреться к печке... и положила руки на теплые изразцы. Серов... быстро стал делать наброски, и сколько мы с ним ни спорили, настоял на своем и выбрал эту позу?. Часто, уже сочинив композицию и даже почти закончив портрет, на взгляд заказчика удачный, Серов мог вдруг ни с того ни с сего порвать рисунок и начать все сначала. Отличительной чертой русского пейзажа является его "невидность", простота мотива. Эта тенденция русского пейзажизма доведена Серовым до предела. Его пейзажи совершенно пустынны. Дороги и тропинки, зимние, осенние, в серовских пейзажных этюдах выглядят забытыми: по ним давно никто не ходит и не ездит. В 1900 году, порвав с Товариществом передвижных выставок, Серов стал официальным членом объединения "Мир искусства". Со свойственной ему добросовестностью он участвовал в мирискуснических мероприятиях: готовил выставки, пропагандировавшие достижения новейшего русского и в особенности западноевропейского искусства, добывал у меценатов деньги на издание журнала ?Мир искусства?. На редакционных собраниях "Мира искусства" Серов обыкновенно помалкивал, изредка вставляя меткие и подчас ядовитые замечания. Много времени проводил с карандашом в руках, и целая стена в квартире Дягилева была увешана серовскими карикатурами на мирискусников. Немногие работы Серова в области театрально-декорационного искусства также связаны с деятельностью мирискусников. Так, в 1909 году по заказу Дягилева был исполнен рисунок для афиши балетных спектаклей Русских сезонов в Париже, изображающий балерину Анну Павлову. В 1910 году Серов исполнил портрет Ида Рубинштейн. Пожалуй, ни одно его произведение не вызвало такого недоумения публики и не доставило художнику стольких волнений. Хотя критика подвергла портрет настоящему поношению: "декадентщина", "уродство", "скверное подражание Матиссу", художник – редкий для Серова случай – был портретом не только доволен, но гордился им. Серов воспринимал свое амплуа портретиста в известной мере как проклятье редкой творческой способности (дар портретиста – редчайший дар) и как фатальное стечение обстоятельств, и было бы странным, если бы художник, ощущающий себя мастером универсальным, способным работать в разных жанрах (и таким он и был), не сделал попытки прикоснуться к "вечному" источнику творческого вдохновения, каким была во все времена античность Получилось так, что картины античного цикла – последнее специфическое новшество, которым завершается творческий путь художника, как бы точка его творческой эволюции. В 1907 году Серов вместе со Львом Бакстом совершил поездку в Грецию и на Крит, где художники изучали раскопки английского археолога Эванса, обнаружившего руины Кносского дворца, – открытие, в очередной раз изменившее представление о греческой цивилизации. Античность была увидена Серовым как отрадное видение-галлюцинация, сон, соперничающий по своей убедительности с реальностью. Несмотря на то, что работа над произведениями античного цикла осталась незавершенной, серовские импровизации на тему Античности можно считать вполне сопоставимыми с теми версиями Античности, которые предлагались прежними эпохами. 3. Расскажите о творческих исканиях В.Васнецова и М.Нестерова 2.2 В.Васнецов: Поиски национального характера Виктор Михайлович Васнецов прожил большую и многотрудную жизнь. Его называли "истинным богатырем русской живописи". Это определение родилось не только благодаря образной связи с "богатырской" темой его живописи, но благодаря осознанию современниками значительности личности художника, пониманию его роли как родоначальника нового, "национального" направления в русском искусстве. В становлении нового общественного идеала огромную роль играло происхождение художника и его детские и юношеские годы. Виктор Васнецов родился в Вятском крае 15 мая (н. ст.) 1848 года в семье сельского священника Михаила Васильевича Васнецова, широко образованного человека, старавшегося дать детям разностороннее образование, развить в них пытливость и наблюдательность. В семье читали научные журналы, рисовали. Здесь получили первое признание рано проявившиеся художественные наклонности будущего живописца. Вятский край с его суровой и живописной природой, своеобразным укладом, сохраняющим устои далекого прошлого, с древними народными поверьями, старинными песнями, сказками и былинами стал основой для формирования ранних жизненных впечатлений Васнецова. Впоследствии попытка Васнецова выразить национальные представления о добре и красоте будет основываться именно на этом детском восприятии крепких основ крестьянской жизни с их вековыми художественными традициями. В 1858 году он едет учиться в Вятку - вначале в духовном училище, затем в духовной семинарии: детей священников принимали туда бесплатно. Из семинарии Васнецов вынес глубокое знание сложной православной традиции, которое использовал потом в монументальной живописи, в своих храмовых росписях. В августе 1867 года с благословения отца Виктор Васнецов оставил семинарию за полтора года до ее окончания и с вырученными от лотереи деньгами уехал в Петербург поступать в Академию художеств. Первый год Васнецов не учился в Академии по недоразумению: после сдачи экзаменов он не понял, что был принят. Зиму 1867-1868 годов он занимался в Школе Общества поощрения художеств, где преподавал Иван Крамской, ставший впоследствии его другом и советчиком. Начав в следующем году учебу в Академии, Васнецов познакомился с Репиным, общение с которым переросло и крепкую дружбу, сблизился с Архипом Куинджи, Василием Максимовым, Василием Поленовым, Василием Суриковым, Марком Антокольским, братьями Праховыми. Тесное дружеское общение с ними имело большое значение для развития молодого художника. После года учебы в академии Васнецов получает две малые серебряные медали, а через два года удостаивается большой серебряной медали за рисунок "Христос и Пилат перед народом". Время это для Васнецова очень трудное. Он переживает смерть отца, заботится о брате Аполлинарии, будущем художнике, который приезжает из Вятки, много работает ради заработка, иллюстрируя книги. Вне академии, "для себя", он рисует "типы", городские, столичные. Это в основном курьезные сценки на улице, в театре, в трактире, на рынке и т.п. В 1874 году за рисунки "Книжный лавочник" и "Мальчик с бутылкой вина" Васнецов получает бронзовую медаль на Всемирной выставке в Лондоне. В том же году впервые участвует в III выставке Товарищества передвижных художественных выставок картиной "Чаепитие в трактире", и критика считает, что в будущем он будет "одним из лучших русских художников". Все картины того времени - и "Нищие певцы", и "Книжная лавка", и "С квартиры на квартиру" говорят о Васнецове как о мастере бытового жанра, тонком психологе, знатоке народных типов. Постепенно Васнецов охладевал к учению в академических стенах. "Хотелось писать картины па темы из русских былин и сказок, а они, профессора, этого желания не понимали. Вот мы и расстались", - позднее объяснял он. В то время как Васнецов обретал творческие силы для работы с фольклорной тематикой, в русском обществе нарастало начавшееся еще в 1850-е годы внимание к национальной старине и истории, что проявилось в росте собирательства, изучении и публикациях памятников письменности и фольклора. Особенное значение для художника имели исторические исследования русского быта XVI-XVII веков в трудах Ивана Забелина, с которым Васнецов был знаком лично и который был близок ехудожнику тем, что видел в народном искусстве проявление "живой души его создателей". В художественной практике 1860-1870-х годов эти устремления нашли выражение в историко-бытовой живописи В. Шварца, в работах В.Максимова - "Бабушкины сказки" (1867), "Приход колдуна на крестьянскую свадьбу" (1875), в интересе В. Перова к сказочным сюжетам в конце 1870 - начале 1880-х годов. Эти, в общем-то эпизодические, увлечения свидетельствовали, между тем, о движении изобразительного искусства к национальному наследию. Мотивы фольклора и народного искусства использовались в оперных произведениях композиторов "Могучей кучки" - А. Бородина, А. Даргомыжского, М. Мусоргского, архитектурных работах В. Гартмана и И. Ропета. Весной 1876-го Васнецов уезжает на год в Париж, где уже работают И.Е. Репин и В.Д. Поленов. Он рисует французские типы с тем же удовольствием, с каким писал русские, находя в них сходные черты. А весной 1876 года участвует в парижском "Салоне" двумя картинами - "Чаепитие в трактире" и написанном на местный сюжет полотном - "Акробаты". Благодаря Репину Васнецов по приезде в Париж тотчас был вовлечен в изучение и уяснение насыщенной, наполненной острой борьбой художественной жизни французской столицы.. Споры, жаркие дебаты, затеянные на выставках, переносились в мастерскую А.П. Боголюбова, где часто собирались русские живописцы. Все это интенсивно подвигало российских художников к мыслям о национальной живописной школе. Парижское полотно Репина "Садко в подводном царстве" (1876), где Васнецов позировал для Садко, хоть и осталось у него единичным в этой тематике, ясно говорило о возможных путях национальных исканий. В свою очередь Васнецов, зайдя однажды в парижскую мастерскую Поленова, быстро написал знаменитый эскиз "Богатырей" (1876), выплеснув как вполне зрелое и сложившееся свою "грезу" об эпической русской истории. Васнецов вернулся на родину зрелым живописцем. Его кругозор расширился, он обогатил свою технику, а главное, твердо осознал свой путь. Вместе с Репиным и Поленовым, немногим раньше переехавшими в Москву, Васнецов окунулся в московскую жизнь. Все свободное время друзья тратили на знакомство с архитектурными памятниками, искусством и бытом первопрестольной, посещали монастыри в окрестностях Москвы, сельские ярмарки, народные гуляния. В этих прогулках, по словам художника, он "набирался московского духа". Через Поленова Репин и Васнецов получили доступ в художественные коллекции К. Солдатенкова, Д. Боткина, А. Хлудова, в которых были собраны памятники прошлой и современной художественной культуры. Но главное их внимание сосредоточилось на галерее П.Третьякова. Важную роль в жизни художника сыграло знакомство с другой московской семьей - крупного промышленника и предпринимателя, известного мецената Саввы Ивановича Мамонтова, сумевшего объединить вокруг себя крупнейших русских художников в содружество, названное впоследствии Абрамцевским кружком. Музыкальные вечера, постановки живых картин и вечерние чтения драматических произведений и памятников народного эпоса, разговоры о проблемах искусства и обмен новостями соседствовали в доме Мамонтовых с лекциями историка Василия Ключевского о прошлом России. В мамонтовском сообществе Васнецов с новой силой ощутил эстетическую ценность русской культуры. Аленушка, Снегурочка, Елена Прекрасная - эти вымышленные образы и портреты близких Васнецову "по духу" женщин - Елены Праховой, Веры и Елизаветы Григорьевны Мамонтовых, портреты жены, дочери, племянницы с разных сторон высветляют то, что называется русская женская душа, которая становится для Васнецова олицетворением Родины, России. Если портреты близких людей помогали Васнецову в создании идеала национальной красоты, национального типа, то в Абрамцеве и его окрестностях с их характерными для средней полосы России дубовыми, еловыми, березовыми лесами и рощами, причудливо-извилистой с темными заводями речкой Ворей, прудами, поросшими осокой, вырабатывался тип национального пейзажа. Здесь были задуманы и осуществлены полностью или частично многие произведения художника. Здесь была написана и "Аленушка", картина, в которой Васнецов наиболее полно и проникновенно воплотил лирическую поэзию родного народа. В начале 1885 года Виктор Михайлович Васнецов получает от А.В. Прахова приглашение принять участие в росписи только что построенного Владимирского собора в Киеве. У него уже есть опыт - абрамцевская церковь Спаса, эпические полотна. Более десяти лет трудился Васнецов над росписью в соборе: около 400 эскизов, непосредственно стенопись при участии помощников - свыше 2000 кв. м), не имеет равных в русском искусстве всего XIX века. Основной идеей программы, разработанной Адрианом Праховым для внутренней отделки Владимирского собора, посвященного 900-летию крещения Руси, было осмысление религиозной истории России, ее включенности через Византию во всемирную историю культуры. Работая в соборе, Васнецов, безусловно, не мог опираться лишь на свои собственные представления, художественный опыт и знания. Он должен был постоянно проверять согласны ли его работы с духом Церкви, с каноном и многое уже нарисованное он должен был отбрасывать, если эскизы казались ему недостаточно церковными. Ведь помимо всего, эскизы должны были приниматься церковным Советом. Художник болезненно осознавал несоответствие своих сил грандиозности задачиЕму было дано воплотить образ Божьей Матери по-новому, никого не повторяя, "с теплотой, искренностью и смелостью". Богоматерь Васнецова стала одним из любимейших образов сразу же после освящения Владимирского собора. Репродукции с него можно было встретить во многих домах России в конце XIX - начале XX века. Работая над воплощением образов князей Владимира, Андрея Боголюбского, Александра Невского, Михаила Черниговского, Михаила Тверского, княгини Ольги, летописца Нестора, иконописца Алипия и многих, многих других, художник продолжил свои размышления об историческом прошлом России. Когда сняли леса и в августе 1896 года в присутствии царской семьи и двора собор был освящен, Успех васнецовских росписей был огромен Анализируя вклад Васнецова в решение новых живописных задач, художественный критик Сергей Маковский отмечал следующее. ?Глядя на образа Васнецова, понимаешь связь между русской сказкой и русской верой?. Характерно сохранившееся в воспоминаниях мнение самого художника о своей деятельности в соборе, высказанное им уже в конце жизни: "Я сам думал, что я проник в дух русской иконы и что я выразил внутренний мир живописца того времениОказалось, однако, что я глубоко заблуждался. Дух древней русской иконы оказался во много раз выше, чем я думал По окончании работ в киевском Владимирском соборе Васнецов получил многочисленные заказы на оформление храмов в Петербурге, Гусь-Хрустальном, Дармштадте, Варшаве. Наиболее значительной среди них была декорировка церкви завода хрустального стекла в имении Нечаева-Мальцева в Гусь-Хрустальном в 1904 году. Васнецовский талант монументалиста-декоратора с наибольшей силой проявился в полотне "Страшный суд". У Васнецова была особенность, не раз удивлявшая окружавших его людей. Он мог одновременно выполнять самые разнообразные, несовместимые на первый взгляд задания. Так, среди напряженной работы над росписями Владимирского собора он находил время и для размышлений над громадным полотном "Богатыри", которое перевез с собой из Москвы в Киев, и для работы над картиной "Иван-Царевич на Сером Волке", которую показал в 1889 году на выставке Товарищества передвижников в Петербурге; выполнял театральные эскизы и делал книжные иллюстрации, не говоря уже о многочисленных пейзажах и портретах, написанных им в годы "сидения в Киеве". В апреле 1898 года Васнецова посетил Павел Третьяков. Несколько минут молча он всматривался в картину, закрывавшую всю правую стену мастерской художника, и вопрос о приобретении "Богатырей" в галерею был решен. Картина заняла свое постоянное место в Третьяковской галерее. С окончанием картины стала насущной мысль о персональной выставке художника. Такая выставка была организована в марте-апреле 1899 года в помещении петербургской Академии художеств. На ней было представлено тридцать восемь произведений живописи. Васнецов, страстно искавший эстетический и нравственный идеал в национальном характере русского народа, в его духовных традициях.. Его называли "первопроходцем". И как первооткрыватель, творчество которого является переходным, сочетающим в себе разные элементы, Васнецов вызывал у современников противоречивые чувства и оценки - недоумение и восторг, резкую критику и преклонение, но он никогда и никого не оставлял равнодушным, всегда был предметом размышлений и споров. " Для всех деятелей русской культуры, размышлявших о путях развития национального искусства, Васнецов был одной из ключевых фигур в процессе перехода от эпохи передвижничества к искусству начала XX века и, конечно же, одним из главных деятелей русской художественной культуры XIX века. 2.1 Первая жизнь художника М.В. Нестерова Творчество Михаила Васильевича Нестерова, одного из крупнейших русских живописцев, олицетворяет собой преемственность между искусством XIX века и современным искусством. Нестеров воистину прожил две жизни в искусстве: ко времени Октябрьской революции художник пришел уже широко известным в России и Европе мастером, чье имя связывалось с поисками нравственного идеала. В последнее двадцатилетие своей жизни он становится видным портретистом, признанным главой советской портретной школы. Детство художника прошло в одном из старейших городов Урала – Уфе, в религиозной, патриархальной, но не чуждой современной культуры купеческой семье. Христианское мироощущение Нестерова, его любовь к России определяются во многом семейной атмосферой, в которой он вырос. Близость с родителями сохранилась у Нестерова до конца их дней. В каждый свой приезд в Уфу он вел с ними, особенно с матерью, долгие задушевные разговоры, а разлучаясь, писал подробные письма. По семейной легенде, Нестеров выжил благодаря чудесному вмешательству святого. Младенец был "не жилец". Его лечили суровыми народными средствами: клали в горячую печь, держали в снегу на морозе. Однажды матери, как говорил Нестеров, показалось, что он "отдал Богу душу". Ребенка, по обычаю, положили под образа с небольшой иконкой Тихона Задонского на груди и поехали на кладбище заказывать могилку. Но мать заметила, что он дышит... ". Ум и чуткость родителей М. Нестерова проявились в том, что они разрешили сыну поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, несмотря на то что в Уфе к художникам относились как к неудачникам и людям третьего сорта, Начало занятий Нестерова в училище, куда М.Нестеров поступил в 1876 году, совпадает с периодом передвижничества, находившегося в резкой оппозиции к омертвелому традиционализму Петербургской Академии художеств. Московское училище было как раз той школой, где передвижники первого поколения воспитывали преемников. Самым крупным среди таких учителей был "истинный поэт скорби" – Василий Перов.Искусство Перова волновало начинающего художника умением проникнуть в человеческую душу. Начиная с 1880 года тяжело болевший Перов перестает преподавать. И Нестеров переводится в Петербургскую Академию художеств. Однако этот переход –1881 года – не принес Нестерову ни удовлетворения, ни прямой пользы. Скучая в классах, получая низкие оценки, Нестеров находил утешение лишь в посещениях Эрмитажа. Это приобщение к шедеврам мирового искусства, а также неожиданное знакомство в залах Эрмитажа с И. Крамским было единственным положительным результатом переезда в Петербург. Крамской, не разрушая "перовского настроения" Нестерова, учил молодого художника прежде всего серьезному, вдумчивому подходу к профессии живописца. В 1883 году Нестеров возвращается в Москву. Последние два года его пребывания он занят поисками своего места в искусстве. Конец 1880-х годов стал переломным в жизни и творчестве художника. В 1886-1889 годах он родился как живописец – создатель своей, нестеровской, лирической темы. Первая и самая истинная, как считал Нестеров, любовь и потрясение от смерти молодой жены совершили в нем психологический и творческий переворот. Он находит, наконец, свою тему и свой художественный почерк. Он встретил юную Марию Ивановну Мартыновскую на летних каникулах в Уфе. Родители Нестерова были против их брака. Нестеров уехал в Петербург зарабатывать звание свободного художника и тяжело заболел, а Мария Ивановна в весеннюю распутицу на лошадях из Уфы бросилась его выхаживать. Они обвенчались без благословения родителей. Через год родилась дочь Ольга, но через сутки после родов жена умерла. Нестеров пытался изжить горе, воскрешая любимые черты на бумаге и холсте. Он писал и рисовал портреты жены, и ему казалось, что она продолжает быть с ним. Он написал ее портрет в подвенечном платье, вспоминая, какой цветущей, стройной, сияющей внутренним светом она была в день свадьбы. Нестеров писал: "Любовь к Маше и потеря ее сделали меня художником…". Первой значительной картиной раскрывшей самобытность нестеровского творчества стала работа "Пустынник", написанная в 1888 году в Вифании близ Троице-Сергиевой лавры. Нестеров первым с такой искренностью и силой поэтизировал человека, отказавшегося от суетных страстей и нашедшего счастье в уединении и тишине природы. Картина "Видение отроку Варфоломею", на которой изображен один из эпизодов жизни Сергия Радонежского, стала сенсацией 18-ой передвижной художественной выставки в Петербурге. Работу молодого М. Нестерова решил приобрести тонкий ценитель русской живописи, знаменитый московский коллекционер Павел Михайлович Третьяков. Юношеские мечты провинциала о признании, о славе начинали сбываться. Его отец полушутя говаривал, что лишь тогда он поверит в успех сына, когда его работы будут приобретены самим Третьяковым. Попасть в Третьяковскую галерею значило больше, чем иметь академические звания и награды. И вот уже две картины Нестерова куплены Третьяковым: "Пустынник" (еще до открытия 17-й передвижной выставки 1889 г.) и "Видение отроку Варфоломею". Сам того не желая, Нестеров выступил как бунтовщик против передвижнических устоев: материализма, позитивизма, реализма. Передвижническому искусству отражения жизни в формах самой жизни Нестеров противопоставил искусство преображения действительности во имя выражения внутреннего мира человека. Для передачи этой новой реальности он обратился к новому художественному языку. С появлением "Видения отроку Варфоломею" можно говорить не только о слиянии в картинах Нестерова человека и природы, но и о появлении совершенно особого, "нестеровского" пейзажа. Тонкие, трепетные белоствольные березки, пушистые ветки вербы, кисти рябины, почти незаметные осенние или первые весенние цветы... Недвижные воды, в которых отражаются такие же замершие леса... Бесконечные дали… Почти всегда на картинах Нестерова – весна или осень. И никогда, или почти никогда, не бушуют бури, не льют дожди, не гнутся под порывами ветра деревья. Все тихо, безмятежно. К теме монашества и отшельничества Нестеров обращался еще не раз. Самыми сильными, произведениями такого рода стали картины "Тихая жизнь", "Мечтатели", "Молчание", написанные в результате путешествия художника в Соловецкий монастырь в 1903 году, где северная природа, белые ночи, строгие, молчаливые люди покорили его своим спокойным благородством и сдержанным достоинством. Еще одна тема, волновавшая художника – судьба русской женщины. Картина "Великий постриг" была написана Нестеровым под впечатлением личной драмы. Он испытал, по его словам, "молниеносную любовь". В Кисловодске он встретился с девушкой. Она была певицей и выступала с гастролями в местной опере. Он был захвачен не красотой ее, а тайной внутренней жизни. Девушка согласилась стать его женой, но вдруг отказала ему. В письме она объяснила свое решение тем, что не сможет дать художнику счастье, что ее любовь помешает осуществлению его творческой мечты. В дальнейшем, не желая расставаться с темой женской души, Нестеров создал ряд небольших картин, пронизанных чисто русской "любовью-жалостью" к их героиням: "Думы", "Усталые", "Лето". Свыше двадцати двух лет своей жизни Нестеров отдал церковным росписям и иконам. Все началось с того, что его картина "Видение отроку Варфоломею" понравилась Виктору Васнецову. Нестеров принял предложение Васнецова работать во Владимирском соборе Киева. Его манила задача создания современной монументальной живописи, достигшей высот в творениях древних мастеров и превратившейся в официозное богомазание в XIX веке. Влекла к себе молодого художника и личность Васнецова. На первых порах Нестеров начинает подражать религиозными росписями Васнецова, но затем находит свой собственный язык. Помогает ему в этом поездка в Италию, совершенная ради изучения византийского искусства. Но Нестеров был не монументалистом по характеру своего дарования, а лириком. Поэтому даже на стенах церкви он стремится создать станковую картину. В Марфо-Мариинской обители он задумывает написать на стене трапезной картину "Путь ко Христу". Для многих русских художников второй половины XIX века недосягаемым идеалом представлялась картина Александра Иванова "Явление Христа народу". Нестеров решил перевести на русскую почву и показать явление Христа русскому народу. Картина "На Руси" (Душа народа) завершила поиски монументальной картины, выражающей заветные нестеровские мысли о России. Нестеров работал над этим полотном в период между первой русской революцией 1905 года и первой мировой войной 1914 года. Картина отразила тревогу художника за судьбы родины. Нестеров пытается ответить на вопросы: "Кто мы? Откуда мы? Куда идем?" Художник показывает Россию во всей ее духовной и интеллектуальной мощи. В картине вместе с народом идут писатели Достоевский, Толстой, Вл. Соловьев. Нестеров особенно почитал Достоевского. За фигурой писателя он поместил его героя, "русского инока" Алешу Карамазова. В Толстом он видел прежде всего мастера слова, но иронически относился к его христианским мудрствованиям. Толстой помещен стоящим вне народа. Все идут вдоль берега Волги – главной реки исторической России. Впереди идет мальчик в крестьянском платье. Это смысловой центр картины. Художник хотел сказать словами Евангелия: "Не войдете в царство небесное, пока не будете как дети". Картина еще находилась в мастерской, когда разразилась Февральская революция. Вслед за ней прогремела Октябрьская, и Святая Русь Нестерова ушла. И начался второй период творчества художника. 答案2Нестеров Михаил Васильевич (Nesterov Mikhail) (1862–1942), русский художник. Родился в Уфе 19 (31) мая 1862. Михаил Нестеров получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, а также в Академии художеств (1881–1884). Жил Михаил Нестеров преимущественно в Москве, а в 1890–1910 годах – в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности). Если ранние исторические картины Нестерова еще передвижнически достаточно бытописательны ("Избрание Михаила Федоровича на царство", 1886, Третьяковская галерея, Москва), то позднее, художник усиливает в своих образах фольклорные черты ("За приворотным зельем", 1888, Художественный музей, Саратов), атмосферу религиозной легенды ("Пустынник", 1888–1889, Третьяковская галерея). Знаменитое полотно "Видение отроку Варфоломею" (будущему Сергию Радонежскому; 1889–1890, Третьяковская галерея), – картина, где чувством чудесного проникнуты и фигуры, и среднерусский пейзаж. Нестеров активно работал и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве, мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге, росписи храма Александра Невского в Абастумани, росписи Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве. Здесь закрепляется традиция ?церковного модерна?, наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом. По-своему монументально-лиричны портреты художника; наиболее выразительны созданные Нестеровым образы родных и духовно-близких людей (О.М.Нестерова, или т.н. "Амазонка" (дочь художника), 1906; П.А.Флоренский и С.Н.Булгаков, или "Философы", 1917). В больших, ?соборных? картинах Нестеров стремится выразить чаемые рубежи великого духовного обновления ("Великий постриг", 1897; "Святая Русь", 1901–1906). Самое большое полотно мастера - "На Руси" ("Душа народа", 1916) - включает в толпу ?очарованных странников? фигуры Достоевского, Льва Толстого и Владимира Соловьева. Неизменно весьма важную, порой самоценную роль играет лирический пейзаж (написанная по соловецким впечатлениям картина "Молчание", 1903). Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на ?экспорт?, а единственная постреволюционная выставка картин Нестерова (1935) носит закрытый, ?спецпропускной? характер. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой силы и энергии (портреты художников П.Д. и А.Д.Кориных (1930), академика И.П.Павлова (1935), скульпторов И.Д.Шадра (1934) и В.И.Мухиной (1940; все работы – в Третьяковской галерее) и другие портреты. Умер Михаил Нестеров в Москве 18 октября 1942 года. 4. Расскажите о творческих исканиях К.Малевича, М.Шагала. 5. Расскажите о творческих достижениях创作成就 О.Шехтеля, Р.Клейна Клейн, Роман Иванович 1958,Москва – 1924, Москва Архитектурный стиль:Эклектика Модерн Ретроспективизм Клейн был в числе первых архитекторов московской школы, обратившихся к применению железных конструкций, бетона 混凝土 и стекла в общественных зданиях. Его поиски в области архитектурной композиции во многом близки поискам архитекторов нового стиля (модерн) и неоклассикам. хотя, строго говоря, его постройки нельзя отнести только к одному из этих направлений. цум К 1906 году относится начало строительства Дома торгово-промышленного Товарищества公司 ?Мюр и Мерилиз?. Этот универсальный магазин европейского типа с фасадом, решенным в англо-готическом стиле, был построен в 1908 году на углу улицы Петровки и Театральной площади, на месте сгоревшего в 1900 году старого торгового дома. Другим значительным сооружением Клейна этого ремени был Бородинский мост (совместно с инженером Н.И. Осколковым, при участии архитектора Бархина). Конкурс на постройку моста был объявлен Академией художеств в связи со столетней годовщиной 周年Отечественной войны 1812 года. Новый мост должен был заменить понтонный浮桥, по которому проходила старая дорога из Москвы на Смоленск. Тема оформления моста – победа русской армии в битве на Бородинском поле. Постройка Бородинского моста разрешала одну из важных транспортных проблем растущего города – соединение его центра с Брянским (ныне 现在 Киевский) вокзалом. • Средние торговые ряды (Красная площадь, д. 5) — комплекс зданий в центре Москвы, построенный в 1889—1893 годах по проекту архитектора Р. И. Клейна. Являлись частью архитектурного ансамбля 建 筑群вместе с Верхними и Нижними торговыми рядами. Занимают целый квартал街区, ограниченный улицами Варварка, Ильинка, Хрустальным и Москворецким проездами. Одним углом выходят на Красную площадь. Памятник архитектуры. В настоящее время здание находится на реконструкции.修复 Доходный дом князя А. Г. Гагарина • Доходный дом c магазинами князя А. Г. Гагарина — историческое доходное здание торгового назначения, расположено в Москве на улице Кузнецкий Мост. Построено в конце XIX века в две очереди по проекту архитекторов В. А. Коссова и Р. И. Клейна. В основе доходного дома находятся палаты富邸 XVIII — начала XIX веков. Здание является выявленным объектом культурного наследия遗产 Особняк профессора В.Ф.Снегирева был построен в 1893-1894 года по проектуР.И.Клейна Тр?хгорный пивоваренный酿酒 завод • в 1904—1907 годах — водонапорная башня水塔 по проекту архитектора Р. И. Клейна (совместно с Г. П. Евлановым) и в 1909 году — старый элеватор.喷水泵 Храм-усыпальница墓地 Юсуповых1910--1914 Федор Осипович Шехтель (1859-1921) разный стиль Федор Осипович Шехтель(Франц-Альберт)- русский архитектор, живописец, график, Сценограф美工师. Один из наиболее ярких представителей стиля модерн в русском и европейском зодчестве建筑学, принадлежит к числу крупнейших зодчих рубежа XIX—XX столетий. Многие из памятников архитектуры созданные Шехтелем в Москве вошли в Золотой фонд отечественной архитектуры и находятся под охраной государства. По его проектам в столице создано более 50-ти зданий, и многие из них сохранились до наших дней В период 1880-1890 г.г., карьера Федора Осиповича Шехтеля была связана с театром. Ведущую роль в его творчестве играло театрально –декоративное искусство. Он был талантливым художником, создавал костюмы, декорации…В данный период стал формироваться собственный творческий метод Шехтеля, определились его художественные интересы, сложился круг основных заказчиков ?В 1894 году, чтобы иметь право производства строительных работ и возможность работать самостоятельно, Шехтель в 35 лет сдал экзамены на техника-строителя и получил диплом. Пик творчества Ф.О. Шехтеля выпал на дореволюционный период (1894-1907). Его трудолюбию не было предела. Он проектировал и строил: особняки, вокзалы, банки, театры, гостиницы, типографии印刷厂, памятники, церкви, часовни и даже бани, создавал уникальные интерьеры. Но славу и популярность лучшего архитектора Москвы получил за строительство особняков. Одними из лучших работ Шехтеля в Москве считаются особняки: Морозовой , Рябушинского, Дерожинской, Перестройка Московского Художественного театра в Камергерском переулке (1902) и Ярославский вокзал Ранний период творчества (1880-е — начало 1890-х годов) • Многообразие多样性 направлений Шехтеля является его деятельности. • Основная область--Архитектурная практика • Вторая область--создание декораций布景 и костюмов для театральных постановок戏剧演出 и народных гуляний游园会 • Третья область--работа в качестве художника-оформителя装潢人员и рисовальщика图画创作的人. • 1882—1883 годы стали поворотным рубежом转折点 в биографии Шехтеля- архитектора: он стал формироваться собственный творческий метод Шехтеля, определились его художественные интересы, сложился形成了群体 круг основных заказчиков • Частные дома и загородные усадьбы • 1850 Шехтель был приглаш?н для обновления革新 усадеб семьи железнодорожных в Сохе. Ансамбли布局整齐的建筑群 усадеб магнатов地主— ?Соха? и ?Кирицы? с парками и многочисленными постройками были возведены被建起 по проектам Ф. Шехтеля. • В. Е. Морозова была радикально急进的 перестроена усадьба в подмосковном Одинцове-Архангельском. В конце 1880-х — начале 1890-х годов по проектам Шехтеля были осуществлены также две усадебных постройки в селе Великом Ярославской губернии省 — дом А. А. Локалова и П. Д. Иродова. • Существенное место в начале творческого пути Ф. О. Шехтеля занимало также проектирование церковных построек. • В начале 1890-х годов по проектам Шехтеля была установлена железная сень 住所над фамильным世代相传的 участком Морозовых на Рогожском кладбище墓地, а также возведена часовня со сторожкой при Соборе Святых Петра и Павла. • В том же году Шехтель работал для Лентовского над строительством从事 致力于 открытого ?Фантастического театра? в саду ?Эрмитаж? и над декорированием Московского Манежа для проведения装饰 святочных圣诞的 гуляний ?Иван-царевич?, выполнил декорации и костюмы к постановкам演出 ?Лесной бродяга? 森林里的流浪者 и ?Уриэль Акоста? 1890-е годы: готика и русский стиль • Составленный в 1897 году по просьбе А. П. Чехова проект Народного дома предусматривал строительстсво эллипсовидного 椭圆的 в плане здания, включавшего в себя театр, библиотеку, читальню阅览室, аудитории для занятий, лекторий, магазины и чайные. Фасад дома был запроектирован Шехтелем в формах. Особняк П. П. Смирнова Особняк П. П. Смирнова — жилой дом в стиле модерн, известный москвичам в последние годы как Дом при?мов и торжеств "Империя", реконструирован в 1901—1905 годах по проекту архитектора Ф. О. Шехтеля. 6. Расскажите о творческих достижениях петербуржских圣彼得堡的 архитекторов (Фон Гогена, Лидваля) (архитектор-художник и строитель) ---один из ведущих мастеров петербургского модерна ТВОРЧЕСТВО Градостроительные сооружения: Азовско-Донской банк ДЛТ(列宁格勒百货商场) в Петербурге Гостиница "Астория" в Санкт-Петербурге 1897-1907северный модерн главная тема:доходны дом Доходный дом М. П. Толстого доходных домов Э. Л. Нобеля Доходный дом Лидваль Дом Шведской церкви основной тип: зданий капиталистического Петербурга 1907-1918главная тема: крупный жилой комплекс Северный модерн • ------направление в русской архитектуре модерна, получившее развитие в основном в Санкт-Петербурге в начале XX века под влиянием шведской и в особенности финской архитектуры национального романтизма. В более широком понимании —переосмысление национальной средневековой архитектуры в контексте стиля модерна в странах Балтийского региона. Проводником идей от первого источника стал представитель шведской диаспоры Петербурга Федор (Фридрих) Лидваль. Здания, построенные по его проектам в период с 1901 по 1907 год, и особенно принадлежавший семье Лидвалей жилой комплекс на Каменноостровском проспекте, стали качественной альтернативой распространению в Петербурге немецкого и австрийского (сецессион) вариантов модерна. Алекса?ндр Ива?нович фон Го?ген • Архитклассический пример северного модерна • отличается асимметричным планом и композицией разновысоких объ?мов • Свободная ритмика разных по размерам окон • Использовано контрастное сочетание отделочных материалов • • памятник периода архитектурной эклектики .Усадьба построена в вольно трактованном псевдорусском 假俄罗斯的，(以某些外部特征)， 冒充俄罗斯的 стиле Санкт-Петербургская соборная мечеть --- крупнейшая мечеть в европейской части Российской империи, памятник исламской культовой архитектуры, расположенный на кронверкском проспекте 1.школа- суннитская 2.тип мечети-- Джума-мечель 3.архитектурный стиль-- исламская архитектура(самаркандская и каирская архитектурная школа) Николаевская академия Генерального штаба总参谋部 с 1855 года носила название Николаевская академия Генерального штаба (в память императора Николая I), с 1909 года — Императорская Николаевская военная академия.( Официальное название) 位置Академия генерального штаба помещалась в доме бывшей Иностранной коллегии на Английской набережной Особняк К. А.Варгунина стиль --Эклектика Свободно использованы разнообразные архитектурные приемы: классицистические (рустовка, замковые камни над окнами первого этажа), необарочные (лучковый фронтон левого ризалита, вазы в нишах), ренессансные (окна второго этажа), модерна (несимметричность композиции, гранитный цоколь). Пензенская областная картинная галерея имени К. А. Савицкого Oно построено в стиле модерн по проекту А.И.Гогена. Bысоко в небо взметнулась мощная башня центрального входа ,увенчанная куполом и декорированная цветными изразцами. 7. Расскажите о меценатстве科学，文艺事业资助人的活动 С.Морозова и С.Мамонтова, Тенешевой. 答Меценатство Важной чертой делового мира в России XIX века была идея служения своим богатством делу милосердия и просвещения. Этому явлению дали название ?меценатство?. Меценатство – покровительство богатых людей развитию науки и искусству, появившееся в России XVIII веке. Меценат является не только покровителем, но и человеком, очень хорошо разбирающимся в различных жанрах искусства и умеющим уловить новые направления их развития. В этой главе вы найдете информацию о меценатах рубежа веков в России 1.1 Превратности судьбы Саввы Мамонтова Савва Иванович Мамонтов был одним из первых представителей славной плеяды российских купцов-меценатов, к которой принадлежали М. П. Боткин, И. А. Морозов, С. И. Щукин. Человек удивительно талантливый, он занимался скульптурой, писал либретто для спектаклей, выступал в качестве актера и режиссера. Но главный его дар состоял в том, что он обладал удивительной способностью – разглядеть чужой талант задолго до того, как он становился очевидным для всех. Потомственный предприниматель, Мамонтов родился в 1841 году в Ялуторовске, лежащем на великом Сибирском тракте. Его отец Иван Федорович, служил здесь по "откупной части". Самое примечательное в Ялуторовске середины XIX века то, что этот город был местом поселения декабристов. И. Ф. Мамонтов помогал "политическим преступникам". Отец Мамонтова развернул широкое дело. Семья после нескольких переездов из города в город около 1850 года обосновалась в Москве. И. Ф. Мамонтов обладал тонким чутьем нового, пониманием потребностей экономического развития. Он был основателем акционерногожелезнодорожного общества, проложившего Московско-Ярославскую дорогу, участвовал в разработке первых нефтяных промыслов в Баку. Свойство улавливать новое унаследовал от отца его третий сын Савва, самый знаменитый из восьмерых детей купца Мамонтова. В 1869 году, после смерти отца, Савва Иванович Мамонтов унаследовал все его дела. А за два года до этого он женился на Е. Г. Сапожниковой и зажил своим домом. Постепенно, помимо коммерческих дел, все больше внимания, времени, средств Савва Иванович стал уделять искусству. Еще в юности он страстно увлекался театром, что послужило даже причиной разногласий между ним и отцом. С конца 1860-х годов Мамонтов проявляет интерес к изобразительному искусству. С тех пор всюду: в Италии и Франции, где Савва Иванович путешествовал с семьей, в московском доме на Садовой-Спасской, в подмосковном имении "Абрамцево" – его окружали художники.С именем Мамонтова связаны имена Репина, Поленова, Серова, Врубеля, братьев Васнецовых, Остроухова, Нестерова, Малютина, Антокольского. Энергии и личной одаренности Мамонтова обязаны своим происхождением такие важнейшие явления русской культуры второй половины XIX века, как Абрамцевский кружок и Московская частная русская опера, на сцене которой впервые выступил Шаляпин. В 1970 году Мамонтовы купили усадьбу "Абрамцево", бывшее имение писателя Аксакова. На протяжении четверти века после этого его гостями и жителями были многие талантливые люди, цвет русской художественной интеллигенции. Здесь, на "лучшей в мире даче", по выражению И. Е. Репина, сложилась первая в истории России художественная колония, которая объединила единомышленников - энтузиастов нового искусства. Мамонтовский кружок выразил очень характерную черту времени - тенденцию к созданию целостной художественной среды. В 1887 году В. А. Серов написал в Абрамцеве свой самый знаменитый портрет "Девочка с персиками". Редко какое произведение российской живописи обладает столь счастливым сочетанием профессионализма и живого непосредственного чувства. Возможно, оно возникло в этом портрете благодаря прелести и обаянию самой модели – Веруши Мамонтовой, любимой дочери Саввы Ивановича. Хрупкое равновесие света, цвета и воздуха в портрете, ощущение гармонии мироздания могли быть достигнуты художником только в особой атмосфере дома Мамонтова. Заслуга хозяина дома состояла в том, что он предоставлял художникам уникальную возможность свободного творчества – не скованного академическими условностями, спешкой и материальными заботами. Впечатлениями от природы и обстановки абрамцевского дома проникнуты картины Васнецова - "Аленушка", "Иван-царевич на Сером волке", "Богатыри". В них чувствуется непосредственное воздействие той идеи возрождения национального искусства, которая вдохновляла и других членов кружка. Эта идея воплотилась в создании Абрамцевских мастерских в 1888 году. Художница Е. Д. Поленова при поддержке Саввы Ивановича осуществила тем самым первый практический шаг к сохранению и возрождению кустарных народных промыслов. Одновременно в конце 1880-х годов были организованы и гончарные мастерские, которые дали русскому искусству высочайшие образцы керамики – майоликовую скульптуру М. А. Врубеля. Благодаря своей подвижнической деятельности С. И. Мамонтов составил прекрасную коллекцию современного российского искусства. От других коллекционеров и меценатов его отличала необычайная творческая активность. Мамонтов заложил новую традицию в российском театре – создание целостного образа спектакля в единстве текста, музыки и художественного оформления. Первое театральное представление в московском доме Мамонтова было дано на исходе 1878 года; с тех пор спектакли шли постоянно, и Мамонтов сам принимал в них участие. Но домашние театральные представления были только прологом: в 1885 году Мамонтов создал Частную русскую оперу – первый профессиональный театр подобного типа после отмены императорской монополии на столичные театры. 11 сентября 1899 года известный московский меценат, коммерции советник, купец 1-й гильдии Савва Иванович Мамонтов был арестован и под конвоем доставлен в Таганскую тюрьму. При обыске в его доме были найдены наличные деньги в размере 53-х рублей, кредитный билет в 100 германских марок, револьвер и записка. В записке было написано: ?Тянуть дальше незачем, без меня все скорее уладится и проще разрешится. Ухожу с сознанием, что никому зла намеренно не делал, кому делал добро, тот вспомнит меня в своей совести. Фарисеем никогда не был?. На следующий день вся Москва только и говорила, что об аресте Мамонтова. Московские купцы туманно намекали на какие-то финансовые махинации, но актеры, художники и музыканты, хорошо знавшие Савву Ивановича, с негодованием отвергали эти слухи. Возможно, привычка жить беззаботно и на широкую ногу сослужила Савве Мамонтову плохую службу — его состояние таяло на глазах, а дела приходили в упадок. Однако ему удалось получить концессию на строительство железной дороги Петербург — Вятка, но взамен он вынужден был продать Донецкую железную дорогу, а также выкупить у казны находящиеся в бедственном положении судостроительный, механический и металлургический заводы. В итоге этой бестолковой операции он оказался без денег, но с концессией в руках. А на какие средства строить железную дорогу? Мамонтов решил взять в банке целевой кредит, предоставив в залог акции этой самой дороги. При этом он решил покрутить эти средства на счетах своих заводов с тем, чтобы на бумаге эти заводы выглядели процветающими. Тогда их можно было бы с выгодой продать. Но дело не выгорело: сам Савва Иванович, его сыновья, Сергей и Всеволод, брат Николай, а также директор правления ?Общества Московско-Ярославско-Архангельской железной дороги? Арцыбушев и начальник коммерческого отдела этого общества Кривошеин были арестованы. Находясь под арестом, Мамонтов получил открытое письмо от друзей-художников. Письмо было опубликовано в ведущих газетах и вызвало волну сочувствия к Мамонтову. 17 февраля 1900 года Савву Ивановича выпустили из тюрьмы под домашний арест, а 23 июня начался судебный процесс. Максим Горький писал Чехову о своих впечатлениях: ?Видел я Мамонтова — оригинальная фигура! Мне совсем не кажется, что он жулик по существу своему, а просто он слишком любит красивое и в любви своей — увлекся?. 30 июня присяжные вынесли вердикт. Он гласил: ?не виновен?. Находившийся в зале суда Станиславский так вспоминал этот момент: ?Зал дрогнул от рукоплесканий. Толпа бросилась со слезами обнимать своего любимца?. Но дело на этом было не закончено — Мамонтов избежал тюрьмы, но ему еще предстояло расплатиться с кредиторами. 7 июля он был признан несостоятельным должником, его имущество было описано, а с самого мецената была взята подписка о невыезде. Постановление суда полагалось опубликовать в газетах, а также ?прибить к дверям суда и вывесить на бирже?. Знаменитый дом Мамонтова на Садовой со всеми книгами, картинами, скульптурами, мебелью простоял опечатанным более двух с половиной лет. Последние годы жизни Савва Иванович Мамонтов прожил в небольшом деревянном доме, стараясь не показываться на людях и даже не поддерживать отношения с бывшими друзьями-художниками. Любовница его бросила, зато вернулась жена. Доходов от керамической мастерской, которую Мамонтов незадолго до ареста переписал на свою дочь Александру, хватало в обрез. Он быстро постарел, от прежнего завсегдатая театров и ресторанов не осталось и следа. Скончался он в апреле 1918 года. В газетах об этом событии не было ни строчки. 1.2 Савва Морозов: меценат-революционер Прочитайте текст и расскажите, какой след в русской культуре оставил С.Т. Морозов. Скажите, чем запомнилась вам эта легендарная личность? В начале XX века верхушку московского купечества составляли два с половиной десятка семей – семь из них носили фамилию Морозовы. Самым именитым в этом ряду считался крупнейший ситцевый фабрикант Савва Тимофеевич Морозов. О точных размерах морозовского капитала сегодня можно только догадываться. "Товарищество Никольской мануфактуры Саввы Морозова, сын и Ко" входило в тройку самых прибыльных производств России. Одно жалование Саввы Ивановича (он был директором, а владельцем мануфактуры была его мать) составляло 250 тысяч рублей в год (для сравнения: тогдашний министр финансов Сергей Витте получал в десять раз меньше и при этом большую часть суммы Александр III доплачивал Витте из своего кармана). Савва принадлежал к поколению "новых" московских купцов. В отличие от своих отцов и дедов, родоначальников семейного дела, молодые купцы имели прекрасное европейское образование, художественный вкус, разнообразные интересы. Философские и социальные вопросы занимали их ничуть не меньше проблемы зарабатывания денег. Родоначальником семейного дела был дед Саввы и его тезка – бывший крепостной крестьянин, хозяйственный мужик Савва Васильевич Морозов, открывший мастерскую, выпускавшую шелковые кружева и ленты. Дожив до глубокой старости, Савва Васильевич так и не одолел грамоты, однако это не мешало ему отлично вести дела.Своим сыновьям он завещал четыре крупные фабрики, обединенные названием "Никольская мануфактура". "Т-во Никольской мануфактуры Саввы Морозова, сын и Ко" располагалось в Покровском уезде Владимирской губернии. Делами здесь до середины 40-х годов XIX века заправлял сам Савва Васильевич, а затем его младший сын Тимофей. Ловкий и оборотистый наследник взялся за дело засучив рукава: чтобы не зависеть от импортных поставок, он скупал земли в Средней Азии и начал разводить там хлопок, модернизировал оборудование, заменил английских специалистов на молодых выпускников Императорского технического училища. В отличие от своего отца, Тимофей был обучен грамоте и, хотя сам "университетов не заканчивал", часто жертвовал довольно крупные суммы на учебные заведения и на издательские дела. При этом был настоящим "кровососом": заработную плату своим рабочим он постоянно снижал, изводя их бесконечными штрафами, поскольку считал строгость и жесткость в обращении с подчиненными лучшим способом управления. Порядки на манафактуре напоминали удельное княжество: там была даже своя полиция. 7 января 1885 года на Никольской мануфактуре разразилась двухнедельная забастовка рабочих, описанная позднее во всех отечественных учебниках истории как "Морозовская стачка". После суда Тимофей Саввич месяц пролежал в горячке (он упал и сильно ударился головой в зале суда). Встав с постели, он решил продать фабрику. И только железная воля его жены спасла мануфактуру от продажи. Семья Морозовых жила в роскошном особняке в Большом Трехсвятительском переулке. Семья была старообрядческой, как и многие купеческие семьи. Будущий капиталист и вольнодумец – Савва Тимофеевич Морозов – воспитывался в духе религиозного аскетизма. В семейной молельне ежедневно служили священнники из Рогожской старообрядческой общины. Всем в доме верховодила мать – женщина своеобразная, не без чудачеств. По субботам в доме меняли нательное белье. Братьям, старшему Савве и младшему Сергею, выдавалась только одна чистая рубаха, которая обычно доставалась Сереже – маминому любимчику. Савве приходилось донашивать ту, что снимал с себя брат. В морозовской семье были гувернантки и гувернеры. Детей (четверых сыновей и четырех дочерей) обучали светским манерам, музыке, иностранным языкам. Применялись при этом веками испытанные "формы воспитания" : детей за неуспеваемость и плохое поведение нещадно драли. Савва особым послушанием не отличался. По его собственным словам, еще в гимназии он научился курить и не верить в Бога. Характер у него был отцовский: решения принимал быстро и навсегда. Он поступил на физико-математический факультет Московского университета. Там серьезно изучал философию, посещал лекции В.О.Ключевского. Потом продолжил образование в Кембридже, работал над диссертацией и одновременно знакомился с текстильным делом. В 1887-м, после морозовской стачки и болезни отца, он вынужден был вернуться в Россию и принять управление делами. Ему было тогда 25 лет. "Савва Второй" был бы сыном своего отца: он унаследовал он от него неуемную энергию и большую волю. Сам о себе говорил: "Если кто станет на моей дороге, перейду и не сморгну". Приняв дела, он начал модернизировать мануфактуру: выписал из Англии новейшее оборудование, улучшил условия работы и жизни рабочих. Тимофей Саввович топал на сына ногами и ругал его социалистом. Дела в Товариществе шли блестяще. Никольская мануфактура занимала третье место в России по рентабельности. Морозовские изделия вытесняли английские ткани даже в Персии и Китае. В конце 1890-х годов на фабриках было занято 13,5 тысяч человек, здесь ежегодно производилось около 440 тысяч пудов пряжи, почти два миллиона метров ткани. Помимо своих производственных побед, Савва одержал одну скандальную победу на любовном фронте. В Москве он наделал много шума, влюбившись в жену своего двоюродного племянника Сергея Викуловича Морозова – Зинаиду. В России развод не одобрялся ни светской, ни церковной властью. А для старообрядцев, к которым принадлежали Морозовы, это было немыслимо. Однако Савва пошел на чудовищный скандал и семейный позор, и … свадьба состоялась. Морозовым везло на властных, умных и очень честолюбивых жен. Зинаида Григорьевна не была исключением. Она обожала роскошь и упивалась светскими успехами. Муж потворствовал всем ее прихотям. Газеты подробно комментировали помпезное открытие нового морозовского особняка (Спиридоновка,5 ; здесь сегодня устраивает приемы МИД) который сразу же окрестили "московским чудом". Дом необычного стиля – сочетание готических и мавританских элементов, спаянных пластикой модерна – сразу же стал столичной достопримечательностью. Личные апартаменты супруги были обставлены роскошно и эклектично. А кабинет и спальня были крайне асктичны. Очевидно, матушкины уроки не пропали даром. По отношению к себе Савва Морозов был крайне неприхотлив: ходил в стоптанных туфлях, на улице мог появиться в заплатанных ботинках. Ведя строгий счет каждому целковому (серебряный рубль), Савва не скупился на тысячные расходы ради хорошего, по его мнению, дела. Он давал деньги на издание книг, жертвовал Красному кресту. В 1898 году МХТ поставил спектакль "Царь Федор Иоанович" по пьесе А. Толстого. Случайно заехав вечером в театр, Савва Морозов был потрясен спектаклем и с тех пор стал горячим поклонником театра и покровителем МХТ. Только строительство здания театра в Камергерском переулке обошлось ему в 300 тысяч рублей. Он он не только щедро жертвовал деньги – он сформулировал основные принципы деятельности театра: сохранять статус общедоступного, не повышать цены на билеты и играть пьесы, имеющие общественный интерес. Став завсегдатаем Художественного театра, Морозов сделался и страстным поклонником самой красивой актрисы русской сцены – Марии Федоровны Андреевой (сценический псевдоним жены высокопоставленного чиновника А.А.Желябужского). Завязался бурный роман. Морозов восхищался ее редкостной красотой, преклонялся перед талантом и мчался выполнять любое желание. Андреева, склонная к авантюрам и приключениям, была связана с большевиками и добывала для них деньги. "Товарищ феномен", как называл ее Ленин, сумела заставить раскошелиться на нужды революции крупнейшего российского капиталиста. Савва Тимофеевич пожертвовал большевикам значительную часть своего состояния. Именно при его поддержке издавалась ленинская "Искра", большевистские газеты "Новая жизнь" в Петербурге и "Борьба" в Москве. Он сам нелегально провозил типографские шрифты, прятал у себя наиболее ценных "товарищей", доставлял запрещенную литературу на... собственную фабрику. В кабинете Морозова бдительный конторщик подобрал забытую хозяином "Искру" и доложил "куда следует". Савву Тимофеевича пригласил на беседу генерал-губернатор Москвы великий князь Сергей Александрович. Но и его увещевания не достигли цели. Рогожин в романе "Идиот" словно списан Достоевским с Морозова. Писатель знал сам тип талантливого русского предпринимателя, скучавшего со своими деньгами, сходившего с ума от окружавшей пошлости и тщеславия. Роковой роман Морозова с Андреевой закончился новой любовью Андреевой. Она выбрала Горького. Но даже после того как Андреева и Горький стали жить вместе, Морозов трепетно заботился о ?Машеньке?. Когда она на гастролях в Риге попала в больницу с перетонитом и была на волосок от смерти, ухаживал за ней именно Морозов. Ей он завещал страхововй полис на случай своей смерти. После гибели Морозова Андреева получила по страховке 100 тысяч рублей. В начале 1905 года на Никольской мануфактуре вспыхнула забастовка. Чтобы договориться с рабочими, Морозов потребовал у матери доверенности на ведение дел. Но она, возмущенная его желанием договориться с рабочими, сама настояла на удалении сына от дел. Савва впал в жестокую депрессию. Любовь оказалась невозможной и неправдой. Светская жена раздражала. Друзей в своем кругу у него не было, да и вообще среди купцов было невообразимо скучно. Он презрительно называл их "волчьей стаей". "Товарищи" видели в нем всего лишь дойную корову и беззастенчиво пользовались его деньгами. В письмах "искреннего друга" Горького сквозил откровенный расчет. Он начал избегать людей, много времени проводил в полном уединении, не желая никого видеть. По Москве и поползли слухи о его безумии. Жена бдительно следила, чтобы к нему никто не приходил, и изымала поступавшую на его имя корреспонденцию. По настоянию жены и матери был созван консилиум, который поставил диагноз: тяжелое нервное расстройство. Врачи рекомендовали направить "больного" для лечения за границу. В сопровождении жены Савва Тимофеевич уехал в Канн. Здесь, в мае 1905 года, на берегу Средиземного моря, в номере "Ройяль-отеля", 44-летний ситцевый магнат застрелился. Говорили, что накануне ничто не предвещало трагической развязки – Савва собирался в казино и был в нормальном расположении духа. Многие обстоятельства этого самоубийства до сих пор не ясны. Существует версия, что виновники гибели Морозова – революционеры, которые начали шантажировать своего "друга". Все попытки выяснить правду о гибели Морозова решительно пресекла его мать Мария Федоровна, якобы сказавшая: ?Оставим все как есть. Скандала я не допущу? В память об ушедшем сыне она вместе с сыном Сергеем и дочерью Юлией выделила средства на строительство двух корпусов Старо-Екатерининской больницы – для нервных больных на 60 кроватей и для родильного дома на 74 кровати (оба сохранились на территории МОНИКИ, бывшей Старо-Екатерининской больницы). Это стало последним благодеянием купца ?нового поколения?, человека, сумевшего не только оставить заметный след в российской истории, но и стать своеобразным предвестником новой эпохи. 8. Расскажите о творческих поисках В.Комиссаржевской, К. Станиславского, В.Немировича-Данченко, Дискуссионный клуб: В спорах рождается истина В этом разделе представлены темы для обсуждений, дискуссий, бесед. Выберите тему/темы и подготовьтесь к выступлению, полемике, разговору. Тема 1: Смысл и назначение искусства Художники Серебряного века по-разному отвечали на вопрос о смысле и назначении искусства. В.Борисов-Мусатов бежал от прозы и ужасов жизни в прекрасный мир гр?з и мечтаний. Его учитель, художник В.Поленов, старался преображать жизнь. Чья мировоззренческая позиция вам ближе? Аргументируйте свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Информация о В.Поленове и В. Борисове-Мусатове (3-я программа Ф. Разумовского "Вершины и бездны Серебряного века"). Есть ли такой вопрос в вашей культуре? Если да, то как он решается? Тема 2: Культурный разрыв Люди искусства и вообще люди интеллектуального труда, т.е. интеллигенция, часто бывают далеки от простого народа, во всяком случае в русском обществе был такой культурный раскол. Чем можно объяснить наличие такой культурной пропасти? Возможно ли преодоление разрыва? Выскажитесь на данную тему, аргументируя свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Информацию по теме можно найти в 3-ей и 4-ой программах Ф. Разумовского "Вершины и бездны Серебряного века". Также вы можете прочитать рассказ А.Чехова "Дом с мезонином" иди посмотреть одноименный фильм, снятый по этому рассказу (отрывок из фильма есть в 3-ей передаче Ф. Разумовского). Есть ли такие проблемы в вашей культуре? Если да, то как они решаются? Тема 3: Из чего рождается искусство? "Диссонансы жизни" (В.Борисов-Мусатов), проблемы, сложности способствуют творчеству или, напротив, тормозят его развитие, "оттягивая" внимание и силы художника? Выскажитесь на данную тему, аргументируя свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Какой ответ на данный вопрос дает ваша культурная традиция? Тема 4: Что на что влияет? Ф. Разумовский считает, что С.Мамонтов формировал особый стиль жизни, который, в свою очередь, способствовал появлению стиля в искусстве. Как вы думаете, действительно ли жизнь формирует искусство или, наоборот, искусство формирует жизнь? Выскажитесь на данную тему, аргументируя свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Что первичней для вашей культурной традиции? Тема 5: Кому надо давать образование? Княгиня М.А.Тенешева считала, что необходимо просвещать народ, а ее муж был сторонником образования для элиты. Какая позиция вам ближе? Выскажите свою точку зрения, используя в качестве аргументов рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Тема 6. Проект музея Изящных искусств был очень дорогостоящим. Можно было бы построить выставочные помещения за меньшие деньги: было бы дешево и сердито. Однако В.И.Цветаев считал, что у красоты должны быть царственные одежды. Что вы думаете по этому поводу? Выскажитесь на данную тему, аргументируя свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Как в вашей культуре традиционно решается проблема финансирования культуры: каковы декларируемые приоритеты? Тема 7: Культурная политика: чья зона ответственности? Как вы считаете, кто должен отвечать за культурную деятельность: государство или общество? Ведь, как говорится, кто платит, тот и заказывает музыку. Выскажитесь на данную тему, аргументируя свое мнение. В качестве аргументов могут быть рассуждения, примеры из жизни, художественной литературы, фильмов, авторитетное мнение кого-либо. Как решается данная проблема в вашей стране? Тема 8: Универсальность позитивизма С точки зрения позитивизма, все общества движутся по пути прогресса и должны пройти одинаковые стадии. Вы разделяете точку зрения позитивистов или у вас другая историософская концепция? Аргументировано выскажите свою позицию. Тема 9: Этика и эстетика Мировоззренческой основой Серебряного века была идея об примате эстетического начала над этическим. Художники считали, что Красота выше Нравственности и поэтому своим образом жизни и в своем творчестве проповедовали, в лучшем случае, необязательность соблюдения нравственных норм. Что вы думаете о соотношении нравственного и эстетического начала в творчестве? Свободен ли художник, в отличие от простого человека, от этических норм. Тема 10. Футуризм - что это такое? К футуризму относились и относятся по-разному. Одни считают его уникальным эстетическим явлением, которое не только запечатлело бунтарский дух эпохи, но и совершило прорыв в искусстве. Другие считают футуристов конъюнктурщиками. Что вы думаете о футуризме и футуристах? Тема 10. Супрематизм: творческое открытие или дань моде? Супрематизм - странное художественное явление, вызывающее неоднозначную реакцию у зрителей. В свое время супрематизм имел большое количество преверженцев и последователей. Чем можно объяснить такую популярность этого феномена некласичесского искусства? Аргументировано выскажите свою позицию. Тема 11. 1. Выберите (по группам или индивидуально) те темы, которые вам интересны. Четко сформулируйте свою позицию, подготовьте аргументы для ее защиты, будьте готовы задать вопросы своему оппоненту. 2. Подготовьтесь к деловой игре: выберите тему и позицию, которую в рамках этой темы вы будете защищать.