《外国装饰风格》（新艺术运动）讲义评估版

《外国装饰风格》（新艺术运动）讲义评估版 第八节 新艺术运动 新艺术运动(Art Nouveau)是19世纪未、20世纪初流行于欧美的一场影响面非常广的装饰艺术运动。其影响波及绘画、雕塑、建筑、家具、服装、首饿和平面等各个领域。 新艺术运动的直接源头可以追溯到1860年到1890年左右在英国产生的“工艺美术运动”(the Arts & Crafts Movement)。1851年伦敦举办的世界博览会，暴露了过分依重机械化大生产，而忽视了产品的审美设计的弊端。一批英国的有识之士立即针对这种设计水准下降的局面提出了批评，这成为工艺美术运动的直接起因。英国著名的批评家约翰?罗斯金(John Ruskin)是这场运动精神领袖，而将其思想付诸实践的则是艺术家兼诗人威廉?莫里斯。罗斯金否认在造型艺术(所谓“大艺术”或“纯艺术”)与被称之为“小艺术的实用艺术之间存在着差另，主张由艺术家从事实用美术设计，要求美术与技术相结合。与此同时，罗斯金由于不满足于工业社会所带来的贫困与堕落而反对工业主义。因此，他认为没有人性的机器生产出来的服饰就成了彻头彻尾的赝品。莫里斯进一步认为，真正的艺术就是在劳动中的愉快的现，是“为人民所创造，又为人民服务的，对创造者和使用者来说都是一种乐趣。”为了实现自己的理想，莫里斯与两个朋友马歇尔和福克纳于1861年成立了“莫里斯?马歇尔?福克纳绘画、雕塑、家具、铁件制造成公司”(简称M MF)1875年改称莫里斯公司。这是第一家旨在由美术家来投身到了实用艺术领域。工艺美术运动打破了当时流行的维多利亚矫饰样式，采用中世纪的纯朴风格，汲取日本的和自然的装饰母题，创造出一种与各种复古风格大相径庭的崭新风格。 工艺美术运动的作品和莫里斯的思想很快传到了欧洲大陆，首先在比利时和法国得到响应，接着传遍了几乎每一个欧陆国家，形成了声势浩大的新艺术运动。新艺术运动在不同的国家有着不同的名称:在比利时，被称之为“二十人风格”或“自由美学风格”;在法国，通常被称为“现代风格”或:“地铁风格”，文学家龚古尔兄弟则戏称之为“游艇风格”;在德国，被称之为“青年风格”;身地利人称之为“分离派风格”;西班牙人称之一“现代风格”;意大利人则根据英国商人莱伯蒂的名字称之为“莱伯蒂风格”。最终被广泛采用的名称“新艺术”来源于法国商人塞缪尔宾1895年开设的商店“新艺术之家”。与工艺美术运动相似，新艺术运动也是对矫饰的维多利亚风格的反动，也旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷，新艺术运动同样放弃传统装饰的参照，而转向采用自然中的一些装饰母题，如百合花、向日蔡、孔雀、天鹅等都是新艺术艺术家们喜爱采用的题材。新艺术运动与工艺美术运动一样受到日 1 本装饰风格，特别是日本江户时期的艺术与装饰风格的影响。不过，新艺术运动与工艺美术运动之间也存在着明显的区别:首先，工艺美术运动反对机械化大生产，推崇中世纪手工行会式的生产方式，而新艺术运动从一开始就欢迎工业化生产;其次，工艺美术运动在追求质量坚实可靠和形式简炼朴素之外，还追求产品的社会价值，而新艺术运动艺术家人大多追求个人主义和“为艺术而艺术”观念，他们的作品同样只能迎和那些赶时髦的人和富人的趣味。 国际上公认的第一件新艺术风格的作品是由玫克默多于1883年设计的《雷恩的城市教堂》一书的扉页，因此麦克默多可以说既是工艺美术运动晚期的代表人物，同时也是新艺术运动的开创人物。新艺术运动在1900年达到高潮，到1910年左右开始衰落，逐渐为现代主义运动和装饰艺术运动(Art Deco)所取代。新艺术运动的影响是非常深远的，现代现代艺术的各个领域，如建筑、绘画和设计对从新艺术的各个领域，如建筑、绘画和设计从新艺术运动中汲取了丰富的养分。因此，新艺术运动员传统艺术与现代艺术之间一个承上启下的重要阶段。 图版说明: 图1《均匀的脉络》，威廉?莫里斯，1883年，擦光印花布，英国维多利亚与阿尔伯特博物馆藏。 威廉?莫里斯(William Morris，1834—1896)生于英国埃塞克斯郡的瑟姆斯托城的一个殷实的商人之家，莫里斯是工艺美术运动的倡导者，同时 也是一位优秀的艺术家和诗人。19世纪70年代，莫里斯开始了印花棉布的图案设计。当时手工印染及其使用的传统植物和有机染料几乎完全被廉价的机器印染和化学染料所取代。化学染料虽然使用简便胆却存在着色彩粗俗、容易褪色的致命弱点。莫里斯认为化学染料毁掉了植物染料这门古老的技艺，因此他开始着手试验植物染料。他的试验非常成功，其作品色彩自然持久，直至今天，花布的色彩仍然象刚从染缸中拿出来时一样鲜艳.这件作品属于莫里斯图案设计中斜线风格时期，图案脉络非常清晰(抛开了他早期图案设计中对浅层空间的表现，完全是平面化的。这种风格是英里斯对中世纪纺织品进行深入研究后形成的。 图2红屋，菲力普?韦布，1859-1860年，英国佗敦东南的贝斯利希恩。 菲力普?韦布(Philip Webb，1831--1915)是英国著名的建筑设计师，住宅建筑复兴运动的创始人，尤以乡村住宅设计著称。早年在牛津随斯特里特学习建筑，与莫里斯成莫逆之交。1895年，莫里斯请韦布设计住宅，按莫里斯的意思，房子要设计成一般哥特式的。但韦布却自由地解释了这条指令，将房子设计成—座简朴的、传统的、红砖墙坡屋顶的都铎式哥特庄 2 园住宅。它的外观效果非常协调紧凑，采光良好、舒适而实用的房间安排在一个不对称的宽“L”形平面上。这座建筑不仅预示了20世纪试验性建筑的概念，同时也在莫里斯的一生中扮演了一个重要的角色，他之所以走上装饰艺术的道路，便是从装饰“红屋”的室内开始的。 图3《雷恩的城市教堂>>扉页，麦克默多，1883年，英国维多利亚与阿尔伯特博物馆藏。 阿瑟?海盖特?麦克默多(Arthur Heygate Mackmurdo，1851—1940)是英国著名的建筑师、平面设计家和工艺家。1870年左右在罗斯金的劝说下开始学习建筑。1882年创立了一 世纪行会.1883年，麦克默多出版了著作《雷恩的城市教个松散的艺术家和手工艺术家组织— 堂》及其木刻扉页。这个扉页被公认为第—件新艺术风格的作品。麦克默多采用不对称的羽毛状的草叶作为主要题材，并在画面两边加上了两只瘦长的小公鸡，整个画面的线条具有—种回旋不安的动感，任何一位工艺美术运动的代表人物的作品中都没有类似的表现手法。这件作品对90年代装饰艺术的发展产生巨大影响。 图4格拉斯哥艺术学院西翼，麦金托什，1907--1909年，英国格拉斯哥。 查尔斯?伦尼?麦金托什(CharlesRennieMackintosh，1868--1928)是苏格兰著名的建筑家、设计家和水彩画家。19世纪90年代，他在建筑、室内设计和家具设计上形成了自己独特的风格，并成为著名的格拉斯哥四人小组的核心人物。他的作品对维也纳分离派产生了巨大影响;1897年29岁的麦金托什投标夺得格拉斯哥美术学院新校舍的没H项目。校舍从1898年开工，1899年落成。1907年为了建造—个图书馆又开始了增建和扩建工程，它将麦金托什在1897至1907年间在艺术趣味方面的变化明显地表现出来。早期精细雅致的线型金属装饰已不复采用，竖线条与横线条、方形与长方形决定了整个建筑的效果。那些镶嵌着窗户的细长笔直的柱身，其美学价值与它们的功能完全无关。那些精细的浮雕与装饰与结实的方块墙之间的对比，以及左边的光墙与右边的丰富变化的墙面的对比，其效果更接近于抽象的雕塑作品。 图5椅子，麦金托什，1900年—1902年，格拉斯哥大学美术馆藏。 麦金托什的家具设计与他的室内设汁非常协调。他非常喜欢用垂直线，图中的两把椅子显示出他对垂线的偏爱。尤其是那把黑色的高背椅蔚背已被夸张到无以复加前程度。这些椅子放在相应的室内往往对房间里的垂线起到加强的作用，给人—种整体上的和谐。但麦金‘C什的设计往往柱重形式而忽视了功能，不用说，这把高背椅子坐起来绝对不舒服。 3 图6《孔雀裙》，比亚兹莱，1894年。钢笔素描，22(6x16厘米，美国福格美术馆藏。 奥布雷?温森特比亚兹莱(Aubrey Vincent Bearsley，1872——1898)是英国著名的平面设计家和插图画家他是自学成才的画家。在19岁那年，他参观了伯恩—琼斯的画室后决定做一名职业画家。他的早期作品中显示出拉斐尔前振和威廉?莫里斯的影响。在他为王尔德的诗剧《莎乐美》画插图时才形成了自己独特的风格。由于比亚兹莱那充满丰富想象力和独创性的插图，使《莎乐美叽乎成了比亚兹莱的书。插图的魅力甚至超过了文学的力量。从此，比亚兹莱名声鹊起。《孔雀裙》便是其中—幅。画面上黑白两种色块的对比既强烈由和谐励健线条勾划出人物优雅的轮廓。莎乐美裙裾和头饰上的孔雀羽毛以及左上角的孔雀图案明显是在惠斯勒的名作“孔雀室”的启发下创作出来的。事实上，比亚兹莱的插图与其说是根据故事画出来的，不如说是根据故事表现出的气氛和印象画成的。其中有些很美的插图与内容毫无关联。王尔德担心自己的作品成了比亚兹莱插图的。“注解”看来不是没有根据的。 图7《舞者的报酬》，比亚兹莱，1893年，钢笔素描，23×17厘米，美国福格美术馆藏。 莎乐美的形象在象征主义最为流行的十几年间几乎风靡了所有的象征主义者，她频繁地出现在歇洲的绘画、雕塑、小说及诗歌中，象—个复括了的幽灵到处游荡。相比之下，比亚兹莱笔下的莎乐美似乎带有—种难以掩饰的邪恶，完全不同于莫罗笔下那位满身璎珞的肉感美女。这幅画表现了一个非常恐怖的场景。一只黑色的毛茸茸的胳膊似乎从地下生长出采，手中攀着盛有约翰头颅的银盘，黑衣的莎乐美脸上带着令人颤栗的邪恶笑容，审视着滴血的约翰的头，一个女人罪恶的欲望终于得到了满足。莎乐美的黑色长袍与更大面积的空白背景形成了鲜明对比，头上的卷发图案似乎来自惠斯勒的孔雀羽毛。 图8布洛门沃尔夫别墅，凡?德?维尔德，1895--1896年，比利时布鲁塞尔近郊。 于克勒亨利?凡?德?维尔德(HenryVande Velde，1863--4957)是比利时杰出的设计家和设计理论家。最初在安特卫普学习绘画后来在英里斯和工艺美术运动的影响下放弃绘画，投身到装饰艺术领域。1906年维尔德来到德国魏玛，并被魏玛大公任命为艺术顾问。在他的倡导下1908年魏玛市立美术学校改建成市立工艺学校，这座学校成为一战后包浩斯设计学院的前身。布洛门沃尔夭ZQ墅昆维尔德为自己设计的住宅。与莫里斯的经验非常相似，他也是在装饰自己的新房时下决心专门从事装饰艺术的。因为市场上买不到称心的物品，维尔德亲自为自己的住宅设计家具、壁置、餐具，他是一位名副其实的多才多艺的艺术家。维尔德同 4 时也是—位理论家，在注重装饰艺术的设计质量的同时并不反对机械产品，并且提出了技术第—性的原则(这种设计思想在当时是非常先进的。 图9索瓦依宅邸楼梯间，奥尔塔，1895--t900年，比利时布鲁塞尔。 维克托?奥尔塔(Victor Horta，1861--1947)是比利时著名的建筑师。早年曾在布鲁塞尔美术学院学习。法国建筑师维奥莱特—勒—迪克的结构原则。新巴洛克风格的形式因素和植物母题是他主要的创作灵感来源，案瓦依宅邸是奥尔塔最豪华的—件作品。房子正中是两层客厅，正门在客厅的左侧，进入正门后右侧是个楼梯，面向后院的是个大餐厅，正门处还有三个用来举办沙龙的大小待客室。所有这些房间都是用推拉式的屏障拉门隔开的。拉门的上半部是玻璃，下半部镶嵌着雪花石膏和大理石薄板。二楼也全部是相通的，流动复合体结构。这个楼梯间的上方是玻璃天窗，是整个建筑的主要采光口，它使整个室内光线非常柔和自然。楼梯扶手流畅优雅的金属构件是新美术建筑风格的完美体现。 图10《美狄亚》招贴画，米夏，1899年，彩色石版画，213~79。5厘米，巴黎装饰美术馆藏 阿尔丰斯?马利亚?米夏(AfronsMariaMucha，1860--1939)是捷克著名画家、平面设计家和装饰艺术家。这件作品是米夏为曾经给他以极大帮助的著名女演员萨拉?伯恩哈特出演的戏剧《美狄亚》所作的招贴画。米夏创作时常常借助于摄影来捕捉模特儿瞬间的神态，然后将照片上的衣纹加以概括和整理，使之更加简洁，并对模特儿面容进行理想化的修改，使人物形象更纯洁美丽。因此米夏的作品往往给人以华丽，充满装饰性而又不失自然情趣的清丽之感。他的作品曾风靡巴黎，被时人称为“1900年风格”《美狄亚》—画取材于希腊神话。狂怒的巫女美狄亚为了报复负心的丈夫伊阿宋而杀死自己的一对亲生儿子。画中表现的是美狄亚手持血刃立在死去的孩子眼前，瞪大双眼显示出她心中难以平复的痛苦和愤怒。金黄的大阳和一轮红色的光环衬托出美狄亚那种躁动不安的心情。整件作品有极强的装饰感，构图和字母的设计，人物头饰和臂饰设计，使得画面更显华丽。 图11《白色杂志》招贴画，博纳尔，1894年彤色石版画，80×62厘米，巴黎装饰美术馆藏。 皮埃尔?博纳尔(PierreBonnard)是法国画家。早年学习法律，1888年进入朱利安学院，在那里遇到了德尼、维亚尔、朗松和塞律西耶，并成为“纳比派”成员之一。除了绘画外，他还和其他纳比派成虽—起从事装饰艺术和舞台美术的设计。《白色杂志堤由塔德和亚历山 5 大?纳唐松兄弟于1891年lo月创办的。该刊聚集了一批对造型艺术感兴趣的文学家，他们与纳比派的画家们常常在该刊编辑部集会，共同探讨艺术理论，使之成了象征主义艺术的重要喉舌之一。塔德在刊物上发表关于博纳尔和劳特累克等艺术家的研究，纳比派画家则为刊物设计封面。插图和招贴画。其中，以博纳尔于1894年为该刊设计的彩色石版画招贴最为著名。这件作品以棕色和黑色两种色调为主，大面积平涂的棕色块形成三个剪影般的人物，三个人物的实际关系应是背景、中景和前景，但画面的色彩连成一片并来给人以空间的暗示，它是通过人物富有韵律感的安排来实现的。画面上字母的比例和节奏使它们成了画面的有机组成部分，而不是仅仅起到一个标题的作用。朗松称博纳尔为“日本纳比”，从画面上我们不难看到博纳尔所受的日本艺术的影响。 图12 《红磨坊》，劳特累克，1891年，彩色石版画，170×120厘米，巴黎装饰美术馆藏 亨利?德?图鲁兹—劳特累克(Henride Toulouse—Lautrec，1864—1901)，法国著名画家和招贴画家，是法国新艺术运动中的重要人物之一。劳特累克是新艺术运动时期最有才华的招贴画设计家。1891年，劳特累克创作了自己第一件招贴画作品。这件作品是劳特累克为舞女拉古柳在红磨坊洒吧的演出而设计的。在前景那个剪影般的冷漠绅士和背景的—群男女看客之间，拉古柳正在专注地舞蹈着。从背景到前景恰好形成了三种调子的递换关系，从而使处于中心的拉古柳的形象格外鲜明，画面上平涂的色彩和流畅的线条运用深受日本浮世绘的影响，文字在画面上的安排起到了统一整个画面的作用。字体采用了黑红两色的黑体字，粗犷质朴，非常醒目。 图13巴黎地铁入口，吉马尔，1900年，法国巴黎(见题图) 赫克托?吉马尔(Hector Guimuard，1867—1942)是法国著名的建筑师和家具设计家。尽管他深受奥尔塔的影响，但吉马尔仍是最富于创造力的新艺术运动的艺术家之一。他的灵感来源于自然母题，并将这些装饰因素转化成结构的基本组成部分。吉马尔的地铁入口设计盆埃菲尔铁塔一样已经成为巴黎不可或缺的重要景观。1896年，吉马尔参加了地铁公司举行的设计竞赛，他曾提出三个:一个没有天蓬，但有扶手;一个有圆柱和顶蓬的;另一个是完全露天的，最终采用的是第二个方案，专家们称之为最优雅的设计。天蓬顶部由作成曲线状的带珐琅的石棉板和半透明的玻璃的铸铁框架构成，中间的一根铁横粱起着分流雨水的作用。在技术上采用了预制件，这就要求有多种严密的规格以适合复杂的地面条件和运输状况，这是吉马尔对世界建筑史的一个重要贡献。不过他也因此受到了不少攻击和责难。 6 图14乐谱台，夏庞蒂埃，1900年，枥本雕刻，高122厘米，巴黎装饰美术馆藏 夏庞蒂埃(Alexander Charpentier，1856—i909)是法国雕塑家，平面设计家和家具设计家。以人的青铜饰板和'9世纪90年代在应用艺术领域的活动而著名。1895年，他与登普、奥贝尔、塞尔默希尔姆和莫罗—内尔顿—起在巴黎组成了“五人小组”，第二年由于留迈的加入而更名为“六人小组”。夏庞蒂埃的家具设计简洁理性，受工艺美术运动影响，并吸收了新艺术运动的装饰因素，他常常在自己的设计中加入浮雕女人体。这件乐谱台的设计，夏庞蒂埃巧妙地解决了乐谱在高处需要—个倾斜的平面的问题，两块带有沟纹的台板被从底下盘绕丽起的植物茎干般的支柱所支撑。这是为演出四重奏而设计的乐谱台。 图15花瓶力D莱，1887年，玻璃,22厘米高，巴黎装饰美术馆藏 加莱(Emile Galle，1846--1904)是一位杰出的玻璃器皿设计家。他于1874年与父亲合股，开始正式制造玻璃璃皿。在1878年的巴黎博览会上，他的作品赢得了极大的成功。在1884年和1889年两次博览会上，巴黎装饰美术馆收购了他许多作品，加莱获得了进一步的成功。我们看到的花瓶是加莱于1887年制作的。花瓶造型朴实，最吸引人的是瓶体上两只栩栩如生的昆虫，它们准确的造型和鲜艳的色彩使这个花瓶成了独一无二的杰作。尽管后来加莱为了获取商业上的利润，而忽略了作品的质量，但是在一些他亲自关注的作品中还是表现出了他无与伦比的娴熟技艺和创造力。加莱的花瓶很少有重复的作品，每—件的设计和外形的组合都是独一无二。 图16《德尔夫特的色拉油招贴画》，扬?托洛普，1895年，彩色石版画，99×70厘米，阿姆斯特丹市立美术馆藏招贴画由于它所具有的宣传功能使之很自然地与商业结合在一起。荷兰画家扬?托洛普(Jan Toorop，1858—t928)的《德尔夫特的色拉油扭贴画》便是—件出色的作品。托洛普的人物造型受到爪哇皮影的影响，与劳特累克和博纳尔的作品相比显得规整刻板。线在作品中占了主导地位，坚挺劲健类似中国的铁线描。两位少女的头发波动飞扬，自然而然地形成了人物的背景，色彩单纯清新。画面左上方的花生图案则暗示了色拉油所采用的原料。 图17《仙客来》(绰号《鞭索》)，奥勃立斯特，1895年，呢绒上的丝绣壁挂， 47.6×73.2厘米，德国慕尼黑斯塔特博物馆 赫尔曼?奥勃立斯特(Hcrmann Obrist，1863—4927)是瑞士人。起初是学地质和化学的， 7 后来投身到艺术领域。1892年，奥勃立斯特在佛罗伦萨建立了一个刺绣工场。1894年，将工场迁到了慕尼黑。他那不同凡响的作品很快引起了那里年轻艺术家的注意。这件大壁挂描绘了—柱缠绕盘屈的仙客来，由于其形棚艮象抖甩出去的鞭索，因此被—位批评家称之为“鞭索”。 这件壁挂可以说是新艺术风格的典型标志。它采用自然主义的细节组成了一个抽象的构图，线条充满活力。奥勃立斯特所偏爱的形式常使人模糊地联想到自然界中某些特殊形式，如植物的茎。贝壳，锯齿形的蟹壳以及抱抹等等。 图18艾尔维拉摄影工作室，恩德尔，1897--1898年，德国慕尼黑。 奥古斯特?恩德尔(August Endell，1871---1925)是德国建筑师和设计家。这座建筑是典型新艺术风格的作品。1944年被纳粹毁掉了。在这件作品里，恩德尔采用了大量纯粹的装饰，尤其是立面上那又象海马又象龙的装饰浮雕，卷曲而富有生命力的曲线和奇特的造型深受奥勃立斯特的。“仙客来”壁挂和东方艺术的影响，一直被认为是最具代表性的德国新艺术风格的作品。如果我们移开艾尔维拉工作室表面的装饰，所剩下的是一个非常简洁单纯的结构，比吉马尔和奥尔塔的作品更接近于现代风格，不过建筑室内的设计无疑是属于典型新艺术运动风格的，尤其是楼梯栏杆上那植物形态的铁件和照明装置，其中也包含了德国18世纪中叶洛可可风格的影响。 图19 花瓶，蒂法尼，1900年，色玻璃，高52厘米，美国现代艺术博物馆藏 路易斯?康弗特?蒂法尼(Louis Comfort Tiffany，1848—4933)是美国玻璃设计师和珠宝设计师。出生在纽约，他的父亲是一个金匠和珠宝设计师。蒂法尼早年一直学习绘画，韶q1878年才转向装饰艺术。1882—83年，蒂法尼负责为白宫设计室内装饰。1885年蒂法尼玻璃公司成立庄要制作染色玻璃窗和相关的室内装饰。蒂法尼创作的花瓶成其他染色玻璃制品基于材料本身的特征。花瓶所用的装饰母题是每件作品的组成部分，而非仅仅装饰其表面。尽管他的灵感来源非常广泛，但是最打动人的还昆他作品中流露出来的简洁和自然，同时他的花瓶还被赋予了一种色彩动感。这种动感是由于着色的图案造成了物体表面的运动错觉所致，整个花瓶给人以斑斓绚丽之感。这是他借助于对化学的研究和多年试验的成果，这种制品被他自己称为“纯玻璃”制品，因为制作者已经撇开了绘画、蚀刻、烧灼或其他表面处理方法，直接利用玻璃来进行创造。 图20萨格拉达?法米利亚教堂，高迪，1884--t926年(未完砌，西班牙巴塞罗那。 8 安东尼?高迪(Antoni Gaudi，1852—1926)出生在西班牙一个普通手工艺人家庭。高迪深受工艺美术运动的精神领袖约翰?罗斯金和法国建筑师维奥莱特—勒—迪克的影响。其成熟时期的作品可以说是新艺术运动风格的最完美的体现。萨格拉达?法米利亚教堂(也称圣家族教堂)是高迪最广为人知的杰作。1884年，高迪接替另—位建筑师的新哥特式设计，并将它转变成一个巨大的教堂，十字形教堂的东翼有四个高大的圆锥形塔，正面有耶稣诞生的图案。塔高350英尺，用百叶窗板加以强调，塔尖的设计十分怪诞，镶有玻璃、陶片及瓷砖整个建筑给人以流动的可塑性的感觉，似乎更象—座有机的雕塑。 9